Nodos - Contribuciones del usuario [es]

Vestida de datos

2016-06-22T03:09:17Z

Akka.voskuil: Página creada con «{{CajaResumen |FechaEstreno=2013/08/02 |LugarEstreno=Sala Alfredo Palacios del Edificio de la Presidencia de la UNLP |Formato=Performance, |Genero=Interdisciplinar, }} {{Ca...»

{{CajaResumen
|FechaEstreno=2013/08/02
|LugarEstreno=Sala Alfredo Palacios del Edificio de la Presidencia de la UNLP
|Formato=Performance,
|Genero=Interdisciplinar,
}}
{{CajaContacto
|CorreoElectronico=danielacamezzana@gmail.com
|Facebook=https://www.facebook.com/Vidrieraenpreparacion
|Youtube=http://www.youtube.com/watch?v=QyCeBy5R80c
}}
{{SobreLaObraV2
|Sinopsis=“¿Cómo crear un territorio en común entre el cuerpo y la máquina?
La intérprete se viste de datos. El vestido transforma su superficie corporal en emisora de información, en un lenguaje que la máquina puede captar. Las señales se compatibilizan. La interfaz opera traduciendo los movimientos espacio-corporales en puntos, coordenadas y ejes que la máquina es capaz de interpretar y transformar en sonidos. Una relación de triangulación entre el cuerpo, la máquina y el efecto sonoro produce un bucle de retroalimentación que condiciona o modifica el movimiento corporal de la intérprete. El cuerpo, sin contacto, se ejecuta a sí mismo como instrumento.
El dispositivo otorga a la intérprete la posibilidad de trabajar el sonido como material, disponiendo parámetros que condicionan el movimiento a los efectos sonoros que produce. El movimiento se alimenta entonces del sonido que genera, de su efecto. La percepción del bailarín, su cuerpo en situación de escucha, constituye el centro de su actividad: la verdadera condición para devenir cuerpo en estado de producción sonora.”
Fragmento de la reseña de Lucía Savloff.
|Motivacion=El trabajo surgió a partir de la convocatoria del ciclo En2tiempos, que reunió performers, programadores y reseñistas en grupos de trabajo y exploración. A partir de los lineamientos generales, que apuntaban a la investigación y estudio de los procesos de creación entre la danza y las nuevas mediaciones tecnológicas, el programador y la performer acordaron trabajar con la captura óptica del movimiento y análisis del gesto corporal. Siendo el objetivo generar una experiencia sonora que surja del movimiento del intérprete en escena.
A lo largo del proceso, se exploró las posibilidades de la retroalimentación y el desarrollo de la adaptación del circuito al cuerpo de la intérprete a partir de un trabajo colectivo.
}}
{{ParticipantesObra
|Participacion={{Participacion
|Nombre=Daniela Camezzana
|Rol=Performance,
}}{{Participacion
|Nombre=Luciano Camicia
|Rol=Programación,
}}{{Participacion
|Nombre=Lucía Savloff
|Rol=Reseña, Asesoramiento técnico,
}}{{Participacion
|Nombre=Clara Tapia
|Rol=Diseño de la interfaz física,
}}
}}
{{Presentaciones}}
El proceso se inició en el mes de abril pero no se logró continuidad en los encuentros hasta junio. Sin embargo, a partir de dicho mes, se realizó como mínimo un encuentro semanal del grupo completo y de dos a tres reuniones de trabajo entre la performer y la diseñadora.

-

Inicialmente el grupo de trabajo fue establecido por la coordinadora del ciclo EN2TIEMPOS, Alejandra Ceriani con el objetivo de vincular una performer (Daniela Camezzana) con un programador (Luciano Camicia) y una reseñista (Lucía Savloff) seleccionados por convocatoria.

Luego, por interés de la performer y en relación con los trabajos que venía realizando fuera del ciclo, se convocó a la diseñadora industrial, Clara Tapia para el diseño de la interfaz física. Al mismo tiempo, en función de registrar fotográficamente el ensayo general, se convocó a la fotógrafa Julia Sbriller.

Exploraciones de lo sutil

2016-06-22T02:50:46Z

Akka.voskuil:

{{CajaResumen
|FechaEstreno=2013/07/27
|LugarEstreno=Mal de muchos - Galeria
|Formato=Performance,
}}
{{CajaContacto
|CorreoElectronico=macucin@yahoo.com.ar
|Youtube=http://www.youtube.com/watch?v=5Bezqp-fEhU
}}
{{SobreLaObraV2
|Sinopsis=En el bullicio de la ciudad, mientras todo anda sin pausa, se abre un paréntesis. Dos esencias despiertan, se observan y exploran lo sutil.
Del hallazgo fatal de la angustia existencial hay sin embargo, una salida hacia el exterior.
Así, son dos las almas que con su mirada interpelan, consuelan, requieren, comunican y se preguntan:

<blockquote>
Mientras me miras, ¿Alcanzas a verme?
Mientras tus ojos, inertes, reposan sobre mí, ¿Alcanzas a ver mi dolor?
¿Podrías por un instante estar en mi piel?
Soy la otra, el otro, tu próxima, tu próximo, sólo nos separa la vidriera.
</blockquote>
|Motivacion=A partir de un texto poético de autoría propia, que luego fue entregado a los asistentes, se trabajó en la realización de un cruce entre la sutileza - derivada de procesos de búsqueda interior apenas perceptibles externamente- y el lenguaje de la música electrónica. Se intentó �sensibilizar la comunicación y la empatía�, en una relación guiada por las miradas cruzadas a través de la vidriera.
El interrogante inicial cuestiona si quien mira, alcanza realmente a ver a quien observa, buscando provocar, interpelar, dejar al espectador en un estado de sensibilidad hacia lo que sucede a su alrededor. Aún cuando eso tengo lugar en niveles de energía sutil, a priori imperceptibles.
}}
{{ParticipantesObra
|Participacion={{Participacion
|Nombre=Marianela Buttazi
|Rol=Composición, Interpretación,
}}{{Participacion
|Nombre=María Carlota Ucín
|Rol=Composición, Interpretación,
}}
}}
{{Presentaciones}}
El proceso creativo se desarrolló sin pausa entre los meses de abril y julio del año 2013, con ensayos semanales de dos horas. Ya que se trata de una performance, no puede en realidad hablarse de coreografía. Sin embargo, se trabajaron conjuntamente las pautas de improvisación con las que luego se desenvolvería Marianela Buttazzi y María Carlota Ucín.

Exploraciones de lo sutil

2016-06-22T02:28:02Z

Akka.voskuil: Página creada con «{{CajaResumen |FechaEstreno=2013/07/27 |LugarEstreno=Mal de muchos - Galeria |Formato=Performance, }} {{CajaContacto |CorreoElectronico=macucin@yahoo.com.ar |Youtube=http:/...»

Ensayo Alcalino

2016-06-22T02:24:21Z

Akka.voskuil:

{{CajaResumen
|FechaEstreno=2013/03/23
|LugarEstreno=la vidirera de Charo Perelli
|UnaObraDe=Clara Tapia, Daniela Camezzana,
|Formato=Performance,
}}
{{CajaContacto
|CorreoElectronico=danielacamezzana@gmail.com
claritapia@gmail.com
|Facebook=https://www.facebook.com/Vidrieraenpreparacion
}}
{{SobreLaObraV2
|Sinopsis=Lejos de los abundantes ensayos sobre género, este es un ensayo de mujeres que tratan de recuperar el cuerpo vestido. ENSAYO ALCALINO es una acción que se desarrolla frente a un público sediento de espectáculo que posiblemente se vaya con las manos vacías. En esta vidriera no hay show que valga y lo único que está a la venta es una prenda resultante de 20 minutos de trabajo.
Esta performance parte de una investigación dura y pura del material a tratar, pero también de su complejidad histórica, política y afectiva. El Jean entonces es más que un pedazo de tela y se presenta como una trama que nos envuelve en varios aspectos. Más allá de los mitos sobre sus orígenes, sabemos que el denim es una tela tejida en lanzaderas con urdimbre teñida de índigo, una sustancia natural a la que le debe ese color irreproducible por otros medios. Pero fundamentalmente es su “mala solidez” al lavado y el frote seco lo que nos atrae y nos vuelve locas. El “vaquero” confeccionado con la tela denim puede venderse como un producto acabado, pero lo cierto es que se termina cuando sale a la calle durante su uso, debido a la variación que produce esa mala solidez. Si alguien oyó una definición más parecida a la del arte contemporáneo, que chifle durante la función.
Mucho se ha escrito sobre el jean por su afán moderno de actualización constante. Fue ropa de instrucción militar, de trabajo, underwear, casual, de noche: un pret a porter continuo. Es como esta obra que lo piensa: un objeto siempre inconcluso. Una versión diacrónica de la modernidad que se nos ha pegado al cuerpo.
Para ENSAYO ALCALINO partimos de dos piezas de denim de 6mts que se comercializa en Once, bajo ese formato, para abaratar su costo. “Si querés de más extensión estamos hablando de otro precio”, dice el señor que nos atiende ante nuestro insistente reclamo. Durante la acción, usamos para armar un vestido lo que se llaman vulgarmente y técnicamente, retazos. Somos aquel discurso que se construye a partir de la materia significante de otro discurso que se nos escapa de las manos y llegará bajo alguna marca careta a las tiendas.
Y, por último, como “diseñar un vestido es diseñar un cuerpo, vestido”, en el fondo nos metemos con el cuerpo del artista y por qué no con ese otro, el desfilado.
|Motivacion=La performance ENSAYO ALCALINO retoma la línea de investigación que llevaba adelante la diseñadora y performer, Clara Tapia, desarrollando Acciones de Vestuario en las cuales “sin demasiadas pretensiones armaba un vestido desde la exploración física”. Después de la presentación de O mais alto en La Grieta, se asoció con Daniela Camezzana para profundizar la relación de estas acciones con el espacio escénico y el cuerpo de la artista.
Así surge este trabajo pensado originalmente para la vidriera de Charo Perelli (496 entre 20 y 21, Gonnet), un cubo de vidrio de 3,50 x 2,50 emplazado en el frente de una vivienda. Durante la presentación, el público siguió desde la vereda la secuencia de acciones (corte, confección y tratamiento del textil) mediante las cuales la performer realiza una prenda, que luego fue exhibida durante una quincena en el espacio/vidriera.
}}
{{ParticipantesObra
|Participacion={{Participacion
|Nombre=Clara Tapia
|Rol=Performance, Idea, Resultante,
}}{{Participacion
|Nombre=Cristian Carracedo
|Rol=Diseño sonoro,
}}{{Participacion
|Nombre=Daniela Camezzana
|Rol=Dirección, Fotografía, Resultante,
}}{{Participacion
|Nombre=Ale Beain
|Rol=Video,
}}
}}
{{Presentaciones}}
Al ser una performance, más que la realización de ensayos en el sentido tradicional, se experimentó con los materiales desde el mes de noviembre hasta la presentación para acopiar conocimiento y probar distintas técnicas de tratamiento del textil. A partir de las pruebas, se seleccionaron aquellas que resultaban más interesantes, tanto desde el movimiento como desde la resultante. En este sentido, las performers consideran el trabajo como una creación propia y colectiva.

Si bien Clara Tapia y Daniela Camezzana habían compartido previamente otras experiencias, recién se conformaron como grupo en este trabajo, con el objetivo de investigar las acciones de vestuario incluso más allá de la presentación. A su vez, decidieron convocar a otras personas para enriquecer el trabajo tomando elementos que surgieron durante la exploración, como por ejemplo, los distintos sonidos en el corte, confección y tratamiento del textil.

Ensayo Alcalino

2016-06-22T02:21:30Z

Akka.voskuil: Página creada con «{{CajaResumen |FechaEstreno=2013/03/23 |LugarEstreno=la vidirera de Charo Perelli |UnaObraDe=Clara Tapia, Daniela Camezzana, |Formato=Performance, }} {{CajaContacto |Correo...»

{{CajaResumen
|FechaEstreno=2013/03/23
|LugarEstreno=la vidirera de Charo Perelli
|UnaObraDe=Clara Tapia, Daniela Camezzana,
|Formato=Performance,
}}
{{CajaContacto
|CorreoElectronico=danielacamezzana@gmail.com
claritapia@gmail.com
|Facebook=https://www.facebook.com/Vidrieraenpreparacion
}}
{{SobreLaObraV2
|Sinopsis=Lejos de los abundantes ensayos sobre género, este es un ensayo de mujeres que tratan de recuperar el cuerpo vestido. ENSAYO ALCALINO es una acción que se desarrolla frente a un público sediento de espectáculo que posiblemente se vaya con las manos vacías. En esta vidriera no hay show que valga y lo único que está a la venta es una prenda resultante de 20 minutos de trabajo.
Esta performance parte de una investigación dura y pura del material a tratar, pero también de su complejidad histórica, política y afectiva. El Jean entonces es más que un pedazo de tela y se presenta como una trama que nos envuelve en varios aspectos. Más allá de los mitos sobre sus orígenes, sabemos que el denim es una tela tejida en lanzaderas con urdimbre teñida de índigo, una sustancia natural a la que le debe ese color irreproducible por otros medios. Pero fundamentalmente es su “mala solidez” al lavado y el frote seco lo que nos atrae y nos vuelve locas. El “vaquero” confeccionado con la tela denim puede venderse como un producto acabado, pero lo cierto es que se termina cuando sale a la calle durante su uso, debido a la variación que produce esa mala solidez. Si alguien oyó una definición más parecida a la del arte contemporáneo, que chifle durante la función.
Mucho se ha escrito sobre el jean por su afán moderno de actualización constante. Fue ropa de instrucción militar, de trabajo, underwear, casual, de noche: un pret a porter continuo. Es como esta obra que lo piensa: un objeto siempre inconcluso. Una versión diacrónica de la modernidad que se nos ha pegado al cuerpo.
Para ENSAYO ALCALINO partimos de dos piezas de denim de 6mts que se comercializa en Once, bajo ese formato, para abaratar su costo. “Si querés de más extensión estamos hablando de otro precio”, dice el señor que nos atiende ante nuestro insistente reclamo. Durante la acción, usamos para armar un vestido lo que se llaman vulgarmente y técnicamente, retazos. Somos aquel discurso que se construye a partir de la materia significante de otro discurso que se nos escapa de las manos y llegará bajo alguna marca careta a las tiendas.
Y, por último, como “diseñar un vestido es diseñar un cuerpo, vestido”, en el fondo nos metemos con el cuerpo del artista y por qué no con ese otro, el desfilado.
|Motivacion=La performance ENSAYO ALCALINO retoma la línea de investigación que llevaba adelante la diseñadora y performer, Clara Tapia, desarrollando Acciones de Vestuario en las cuales “sin demasiadas pretensiones armaba un vestido desde la exploración física”. Después de la presentación de O mais alto en La Grieta, se asoció con Daniela Camezzana para profundizar la relación de estas acciones con el espacio escénico y el cuerpo de la artista.
Así surge este trabajo pensado originalmente para la vidriera de Charo Perelli (496 entre 20 y 21, Gonnet), un cubo de vidrio de 3,50 x 2,50 emplazado en el frente de una vivienda. Durante la presentación, el público siguió desde la vereda la secuencia de acciones (corte, confección y tratamiento del textil) mediante las cuales la performer realiza una prenda, que luego fue exhibida durante una quincena en el espacio/vidriera.
}}
{{ParticipantesObra}}
{{Presentaciones}}
Al ser una performance, más que la realización de ensayos en el sentido tradicional, se experimentó con los materiales desde el mes de noviembre hasta la presentación para acopiar conocimiento y probar distintas técnicas de tratamiento del textil. A partir de las pruebas, se seleccionaron aquellas que resultaban más interesantes, tanto desde el movimiento como desde la resultante. En este sentido, las performers consideran el trabajo como una creación propia y colectiva.

Si bien Clara Tapia y Daniela Camezzana habían compartido previamente otras experiencias, recién se conformaron como grupo en este trabajo, con el objetivo de investigar las acciones de vestuario incluso más allá de la presentación. A su vez, decidieron convocar a otras personas para enriquecer el trabajo tomando elementos que surgieron durante la exploración, como por ejemplo, los distintos sonidos en el corte, confección y tratamiento del textil.

Alegoría

2016-06-22T01:53:30Z

Akka.voskuil:

{{CajaResumen
|FechaEstreno=2012/12/07
|LugarEstreno=Pasaje 8 bis
|UnaObraDe=Lucía Toker,
|Formato=Performance,
|Genero=Danza,
}}
{{CajaContacto
|CorreoElectronico=luciatoker@hotmail.com
|Facebook=https://www.facebook.com/lucia.toker
}}
{{SobreLaObraV2
|Sinopsis=La escalera mecánica se toma como una alegoría del automatismo de la sociedad que yendo en la misma dirección, sin preguntarse, hace lo mismo cada vez. Cada “díahoraminutosegundo”. Y va, sin saber que el recorrido fue dibujado por otro, planificado por otro.
La performance se basa en ir en contra del final, de la llegada, para no terminar. En sentido contrario a la dirección inevitable a la cual los escalones nos llevan si nos detenemos. Contraponerse a ser movido en quietud, a la unidireccionalidad, al recorrido conocido de duración idéntica para toda persona que lo inicia.
Un lenguaje físico que connota lo automático en nosotros, y como lo automático, nos refleja determinados, limitados, desconocidos, como una pieza más del engranaje.
Remarcar el desmantelamiento del cuerpo.
Un cuerpo objetivado, un objeto corporizado
La repetición, la rutina, que no se detiene, no repara, no se modifica.
Continúa continuamente, como las horas…persecución infinita
Ir en contra del final.
|Motivacion=Alegoría es un trabajo solista de Lucía Toker, quien se dedica a la investigación, creación e interpretación en danza. Desde hace tiempo, se encuentra desarrollando proyectos propios centrados en la performance urbana y la improvisación como sistema de trabajo, presentados en distintos ciclos y festivales de la ciudad de Buenos Aires y La Plata. Actualmente desarrollo un proyecto personal llamado MUTANTE. Una obra en constante cambio.
Como bailarina intérprete integra la Compañía Andante dirigida por Víctor Campillay y ha realizado distintos trabajos con directores como Ivan Haidar, Ana Garat, Silvina Grinmberg y Roxana Galand, entre otros.
}}
{{ParticipantesObra
|Participacion={{Participacion
|Nombre=Lucía Toker
|Rol=Idea, Direccion, Performance,
}}
}}
{{Presentaciones}}
La escalera mecánica era parte del espacio elegido para intervenir en el marco del Festival Diagonales. La idea surge al ver la foto e imaginar cómo sería bailar en una escalera mecánica, algo que resultaba desafiante y original. Al mismo tiempo, se revelaba todo un trasfondo social. No se realizaron ensayos y fue una performance/intervención urbana elaborada desde la improvisación. Tanto la idea como la creación son propias.

Alegoría

2016-06-22T01:51:02Z

Akka.voskuil: Página creada con «{{CajaResumen |FechaEstreno=2012/12/07 |LugarEstreno=Pasaje 8 bis |UnaObraDe=Lucía Toker, |Formato=Performance, |Genero=Danza, }} {{CajaContacto |CorreoElectronico=luciato...»

{{CajaResumen
|FechaEstreno=2012/12/07
|LugarEstreno=Pasaje 8 bis
|UnaObraDe=Lucía Toker,
|Formato=Performance,
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{{CajaContacto
|CorreoElectronico=luciatoker@hotmail.com
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{{SobreLaObraV2
|Sinopsis=La escalera mecánica se toma como una alegoría del automatismo de la sociedad que yendo en la misma dirección, sin preguntarse, hace lo mismo cada vez. Cada “díahoraminutosegundo”. Y va, sin saber que el recorrido fue dibujado por otro, planificado por otro.
La performance se basa en ir en contra del final, de la llegada, para no terminar. En sentido contrario a la dirección inevitable a la cual los escalones nos llevan si nos detenemos. Contraponerse a ser movido en quietud, a la unidireccionalidad, al recorrido conocido de duración idéntica para toda persona que lo inicia.
Un lenguaje físico que connota lo automático en nosotros, y como lo automático, nos refleja determinados, limitados, desconocidos, como una pieza más del engranaje.
Remarcar el desmantelamiento del cuerpo.
Un cuerpo objetivado, un objeto corporizado
La repetición, la rutina, que no se detiene, no repara, no se modifica.
Continúa continuamente, como las horas…persecución infinita
Ir en contra del final.
|Motivacion=Alegoría es un trabajo solista de Lucía Toker, quien se dedica a la investigación, creación e interpretación en danza. Desde hace tiempo, se encuentra desarrollando proyectos propios centrados en la performance urbana y la improvisación como sistema de trabajo, presentados en distintos ciclos y festivales de la ciudad de Buenos Aires y La Plata. Actualmente desarrollo un proyecto personal llamado MUTANTE. Una obra en constante cambio.
Como bailarina intérprete integra la Compañía Andante dirigida por Víctor Campillay y ha realizado distintos trabajos con directores como Ivan Haidar, Ana Garat, Silvina Grinmberg y Roxana Galand, entre otros.
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{{ParticipantesObra}}
{{Presentaciones}}
La escalera mecánica era parte del espacio elegido para intervenir en el marco del Festival Diagonales. La idea surge al ver la foto e imaginar cómo sería bailar en una escalera mecánica, algo que resultaba desafiante y original. Al mismo tiempo, se revelaba todo un trasfondo social. No se realizaron ensayos y fue una performance/intervención urbana elaborada desde la improvisación. Tanto la idea como la creación son propias.

El show del Ángel Rubio y su amigo Jorgito Rafael

2016-06-22T01:39:28Z

Akka.voskuil:

{{CajaResumen
|FechaEstreno=2013/03/24
|LugarEstreno=Rey Lagarto Bar
|UnaObraDe=Vuelve en Julio,
|Formato=Obra,
}}
{{CajaContacto
|CorreoElectronico=casperuncal@hotmail.com
|Facebook=https://www.facebook.com/casper.uncal?fref=ts
}}
{{SobreLaObraV2
|Sinopsis=El Ángel Rubio y su camarada de armas, Jorgito Rafael explican a los niños qué es un “Proceso de Reorganización Nacional” utilizando claros ejemplos escolares.
|Motivacion=El espectáculo surge a partir de la invitación a participar de la varieté Domingos alterados, con una propuesta libre, en una significativa fecha como es la del 24 de Marzo. Jorge Pinarello y Casper Uncal, interesados en abordar la última dictadura militar desde el humor, experimentaron con los límites propios del tema, la recepción del público, y la aplicación de la comedia – género al que se dedican mayormente – a dicha temática, �en conjunto con una crítica a los discursos de derecha.
}}
{{ParticipantesObra
|Participacion={{Participacion
|Nombre=Jorge Pinarello
|Rol=Autor, Intérprete,
}}{{Participacion
|Nombre=Casper Uncal
|Rol=Autor, Intérprete,
}}
}}
{{Presentaciones}}
La propuesta se creó de forma conjunta por los artistas en un proceso breve, ya que se trata de una pieza corta y con poco despliegue escénico. Pero tanto el texto base como el uso de objetos, se va redefiniendo en las funciones. Al mismo tiempo, la caracterización, lejos de la caricatura, se realizó analizando fotos y videos de los personajes históricos abordados.
Debe acolarse que este proyecto, se enmarca en otra búsqueda de la que podría denominarse “humor retro-gorila”, que la dupla de artistas lleva a cabo desde hace algunos años.

El elenco se formó específicamente para este proyecto, pero se reconoce dentro de la producción de Vuelve en Julio.

El show del Ángel Rubio y su amigo Jorgito Rafael

2016-06-22T01:35:37Z

Akka.voskuil: Página creada con «{{CajaResumen |FechaEstreno=2013/03/24 |LugarEstreno=Rey Lagarto Bar |UnaObraDe=Vuelve en Julio, |Formato=Obra, }} {{CajaContacto |CorreoElectronico=casperuncal@hotmail.com...»

{{CajaResumen
|FechaEstreno=2013/03/24
|LugarEstreno=Rey Lagarto Bar
|UnaObraDe=Vuelve en Julio,
|Formato=Obra,
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{{CajaContacto
|CorreoElectronico=casperuncal@hotmail.com
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{{SobreLaObraV2
|Sinopsis=El Ángel Rubio y su camarada de armas, Jorgito Rafael explican a los niños qué es un “Proceso de Reorganización Nacional” utilizando claros ejemplos escolares.
|Motivacion=El espectáculo surge a partir de la invitación a participar de la varieté Domingos alterados, con una propuesta libre, en una significativa fecha como es la del 24 de Marzo. Jorge Pinarello y Casper Uncal, interesados en abordar la última dictadura militar desde el humor, experimentaron con los límites propios del tema, la recepción del público, y la aplicación de la comedia – género al que se dedican mayormente – a dicha temática, �en conjunto con una crítica a los discursos de derecha.
}}
{{ParticipantesObra}}
{{Presentaciones}}
La propuesta se creó de forma conjunta por los artistas en un proceso breve, ya que se trata de una pieza corta y con poco despliegue escénico. Pero tanto el texto base como el uso de objetos, se va redefiniendo en las funciones. Al mismo tiempo, la caracterización, lejos de la caricatura, se realizó analizando fotos y videos de los personajes históricos abordados.
Debe acolarse que este proyecto, se enmarca en otra búsqueda de la que podría denominarse “humor retro-gorila”, que la dupla de artistas lleva a cabo desde hace algunos años.

El elenco se formó específicamente para este proyecto, pero se reconoce dentro de la producción de Vuelve en Julio.

Cuervo

2016-06-22T01:29:25Z

Akka.voskuil:

{{CajaResumen
|FechaEstreno=2013/07/22
|LugarEstreno=Saverio bar cultural
|UnaObraDe=Laboratorio 14,
|BasadaEn=El cuervo de Edgar Allan Poe
|Formato=Obra,
|Genero=Teatro,
}}
{{CajaContacto}}
{{SobreLaObraV2
|Sinopsis=La obra es la historia de un interno psiquiátrico que representa en su celda, todos los días, el poema El cuervo de Edgar Allan Poe para contar su propia vida. En el transcurso de la obra, descubriremos los lugares más oscuros que oculta nuestro personaje.
|Motivacion=El disparador del trabajo fue la lectura del libro Hacia un teatro pobre de Grotowski, en el que se detalla cuales son las características que separan al teatro de las otras expresiones artísticas. Además, fue elemental el interés de crear una obra con el poema de Poe.
}}
{{ParticipantesObra
|Participacion={{Participacion
|Nombre=Jerónimo Búffalo
|Rol=Actor,
}}{{Participacion
|Nombre=Sebastián Cruz Sandoval
|Rol=Director,
}}
}}
{{Presentaciones}}

Laboratorio 14

2016-06-22T01:27:11Z

Akka.voskuil: Página creada con «{{CajaDatosGrupo}} {{InfoGrupo |Reseña=Laboratorio 14 surge a mediados del 2012 - previo al comienzo del proceso creativo de la obra - en la rústica avenida "14" de Beraz...»

{{CajaDatosGrupo}}
{{InfoGrupo
|Reseña=Laboratorio 14 surge a mediados del 2012 - previo al comienzo del proceso creativo de la obra - en la rústica avenida "14" de Berazategui (de donde deriva el nombre). Está integrado por Sebastián Cruz Sandoval y Jerónimo Búffalo, al frente de la dirección, actuación, montaje, puesta en escena y producción, junto a Sofía Marcos Bernasconi, en la edición de imagen y fotografía.
}}
{{ParticipantesGrupo}}

Cuervo

2016-06-22T01:26:59Z

Akka.voskuil:

Cuervo

2016-06-22T01:25:43Z

Akka.voskuil: Página creada con «{{CajaResumen |FechaEstreno=2013/07/22 |LugarEstreno=Saverio bar cultural |UnaObraDe=Laboratorio 14, |BasadaEn=El cuervo }} {{CajaContacto}} {{SobreLaObraV2}} {{Participant...»

{{CajaResumen
|FechaEstreno=2013/07/22
|LugarEstreno=Saverio bar cultural
|UnaObraDe=Laboratorio 14,
|BasadaEn=El cuervo
}}
{{CajaContacto}}
{{SobreLaObraV2}}
{{ParticipantesObra}}
{{Presentaciones}}

Continuará la primavera

2016-06-22T01:23:23Z

Akka.voskuil:

{{CajaResumen
|FechaEstreno=2013/11/09
|LugarEstreno=Casa Brava
|BasadaEn=Prohibido suicidarse en primavera
|Formato=Obra,
|Genero=Teatro,
}}
{{CajaContacto
|CorreoElectronico=helga_ruth@hotmail.com
}}
{{SobreLaObraV2
|Sinopsis=“Siente que las paredes comienzan a engrosarse, el cuarto la aplasta, los dibujos de las paredes giran en el lugar formando varios molinetes y Alicia espera, tranquila, impávida.
Sólo un movimiento, perfecto, único y rítmico es el que la mantiene viva quizás, su mano. Ese dedo que suspendido no deja de moverse, afirma, niega, sonríe, circula, dibuja.
Su mente inquieta no deja de perseguirla ¿Qué deseas? ¿A quién recuerdas? ¿Cómo lo necesitas? ¿Cuándo lo quieres? ¿Por qué lo quieres? Mejor esperar, esperar soñando.”
Cuatro personajes unidos por un sueño, un recuerdo, intentando salir de él. �Intentando� librarse del estado que es la primavera.
|Motivacion=El deseo de investigar y entrenar grupalmente hizo que surgiera la obra. Fue apareciendo a partir de imágenes y diversos textos, entre ellos Prohibido suicidarse en primavera de Alejandro Casona. El trabajo principal fue que cada actor pudiera �extender� su narrativa y poética en el marco de los personajes para los que habían sido seleccionados, teniendo en cuenta la historia previa de los mismos y las que ellos fueron sumando después. �En este sentido, se trata de una dramaturgia colectiva.
}}
{{ParticipantesObra
|Participacion={{Participacion
|Nombre=Antonella Benini
|Rol=Actor,
}}{{Participacion
|Nombre=Azul Pocai
|Rol=Actor,
}}{{Participacion
|Nombre=Surai Bellusci
|Rol=Actor,
}}{{Participacion
|Nombre=Diego Bortolotti
|Rol=Actor,
}}{{Participacion
|Nombre=Gastón Borrone
|Rol=Iluminacion, Asistente de direccion,
}}{{Participacion
|Nombre=Mimi McFly
|Rol=Musica, Asistente vocal,
}}{{Participacion
|Nombre=Er Nal
|Rol=Musica,
}}{{Participacion
|Nombre=Helga Avaca Jara
|Rol=Direccion,
}}
}}
{{Presentaciones}}
El proceso creativo duró dos años y medio, contabilizando “algunas” pausas, con ensayos pautados una vez por semana de tres horas el primer año y dos el tiempo restante. Durante el trabajo, el material fue inclinándose hacia lo onírico, surrealista, por dar una definición. Sueños dentro de sueños para contar una sencilla historia de amor.

Continuará la primavera

2016-06-22T01:20:03Z

Akka.voskuil: Página creada con «{{CajaResumen |FechaEstreno=2013/11/09 |LugarEstreno=Casa Brava |BasadaEn=Prohibido suicidarse en primavera |Formato=Obra, |Genero=Teatro, }} {{CajaContacto |CorreoElectron...»

{{CajaResumen
|FechaEstreno=2013/11/09
|LugarEstreno=Casa Brava
|BasadaEn=Prohibido suicidarse en primavera
|Formato=Obra,
|Genero=Teatro,
}}
{{CajaContacto
|CorreoElectronico=helga_ruth@hotmail.com
}}
{{SobreLaObraV2
|Sinopsis=“Siente que las paredes comienzan a engrosarse, el cuarto la aplasta, los dibujos de las paredes giran en el lugar formando varios molinetes y Alicia espera, tranquila, impávida.
Sólo un movimiento, perfecto, único y rítmico es el que la mantiene viva quizás, su mano. Ese dedo que suspendido no deja de moverse, afirma, niega, sonríe, circula, dibuja.
Su mente inquieta no deja de perseguirla ¿Qué deseas? ¿A quién recuerdas? ¿Cómo lo necesitas? ¿Cuándo lo quieres? ¿Por qué lo quieres? Mejor esperar, esperar soñando.”
Cuatro personajes unidos por un sueño, un recuerdo, intentando salir de él. �Intentando� librarse del estado que es la primavera.
|Motivacion=El deseo de investigar y entrenar grupalmente hizo que surgiera la obra. Fue apareciendo a partir de imágenes y diversos textos, entre ellos Prohibido suicidarse en primavera de Alejandro Casona. El trabajo principal fue que cada actor pudiera �extender� su narrativa y poética en el marco de los personajes para los que habían sido seleccionados, teniendo en cuenta la historia previa de los mismos y las que ellos fueron sumando después. �En este sentido, se trata de una dramaturgia colectiva.
}}
{{ParticipantesObra}}
{{Presentaciones}}
El proceso creativo duró dos años y medio, contabilizando “algunas” pausas, con ensayos pautados una vez por semana de tres horas el primer año y dos el tiempo restante. Durante el trabajo, el material fue inclinándose hacia lo onírico, surrealista, por dar una definición. Sueños dentro de sueños para contar una sencilla historia de amor.

Cerrito

2016-06-22T00:55:19Z

Akka.voskuil:

{{CajaResumen
|FechaEstreno=2013/05/31
|LugarEstreno=Espacio 44
|Formato=Obra,
|Genero=Teatro,
}}
{{CajaContacto
|CorreoElectronico=cerrito435@gmail.com
|Facebook=https://www.facebook.com/pages/Cerrito/442009712559768?fref=ts
}}
{{SobreLaObraV2
|Sinopsis=El fracaso del Proyecto Paraná Las Palmas da lugar a una investigación por parte de la Organización que financia el experimento. Intentando encontrar explicaciones, surgen una serie de historias y personajes que diluyen los límites entre la realidad, los proyectos y los sueños. Células subterráneas, mensajes cifrados, parejas en crisis, tractores antiguos, lugares y personas que ya no son lo que esperamos.
“¿Cuántas veces vieron a una persona esperando en la vía de enfrente desdibujada por la velocidad? ¿En dónde está? ¿Quién era? ¿Qué está intentando decirnos desde el otro lado? ¿Cuánto tiempo nos queda su imagen en la mente intentando dar una respuesta?”
|Motivacion=La creación de Cerrito parte del deseo de explorar en escena los vínculos afectivos insertos en un discurso sin aparente conexión: el de la ciencia ficción y el relato fantástico. Con esta premisa, los actores improvisaron durante varios meses hasta generar un imaginario propio y un material textual que se convertiría en la materia prima de la obra. La narración fragmentada y por momentos vertiginosa, va dejando pistas en el camino, invitando al espectador a construir su propia versión de la historia.�
Con claras referencias a obras literarias, televisivas y cinematográficas del género fantástico, varios relatos se van entrelazando irrumpiendo de una realidad a otra. La música original, el vestuario y la escenografía, son parte fundamental en la creación de este particular universo.
}}
{{ParticipantesObra
|Participacion={{Participacion
|Nombre=Cochoco Abbatangelo
|Rol=Actor, Dramaturgia,
}}{{Participacion
|Nombre=Julia Domínguez
|Rol=Actor,
}}{{Participacion
|Nombre=Julia Domínguez
|Rol=Actor,
}}{{Participacion
|Nombre=Roberto Tettamanti
|Rol=Actor,
}}{{Participacion
|Nombre=Javier Li
|Rol=Música original,
}}{{Participacion
|Nombre=Karina Carballo
|Rol=Escenografía, Vestuario,
}}{{Participacion
|Nombre=Julieta de Marziani
|Rol=Fotografia,
}}{{Participacion
|Nombre=Valentino Tettamanti
|Rol=Gráfica,
}}{{Participacion
|Nombre=Martín Massa
|Rol=Produccion ejecutiva,
}}{{Participacion
|Nombre=Eduardo Spinola
|Rol=Dramaturgia, Dirección,
}}
}}
{{Presentaciones}}
El proceso de armado de la obra llevó un año, entre el comienzo de los ensayos y el estreno. En una primera etapa de ensayos, la metodología propuesta consistió en improvisaciones a partir de lecturas previas y pautas del director. Mientras que en una segunda instancia, que coincidió con un receso de dos meses, se llevó a cabo la escritura del texto dramatúrgico, compatibilizando las ideas previas con las surgidas en los encuentros de la primera etapa. Con el texto desarrollado por Cococho Abbatangelo y Eduardo Spinola, se realizó un proceso de tres meses más hasta el estreno.
Los ensayos fueron semanales y con una duración de dos horas. Entre los trabajos complementarios, se realizó el visionado de películas y series de televisión que contengan elementos en su argumento, en su estructura o forma narrativa que fueron de utilidad para el proceso creativo de la obra.

Cerrito

2016-06-22T00:50:48Z

Akka.voskuil: Página creada con «{{CajaResumen |FechaEstreno=2013/05/31 |LugarEstreno=Espacio 44 |Formato=Obra, |Genero=Teatro, }} {{CajaContacto |CorreoElectronico=cerrito435@gmail.com |Facebook=https://w...»

{{CajaResumen
|FechaEstreno=2013/05/31
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{{SobreLaObraV2
|Sinopsis=El fracaso del Proyecto Paraná Las Palmas da lugar a una investigación por parte de la Organización que financia el experimento. Intentando encontrar explicaciones, surgen una serie de historias y personajes que diluyen los límites entre la realidad, los proyectos y los sueños. Células subterráneas, mensajes cifrados, parejas en crisis, tractores antiguos, lugares y personas que ya no son lo que esperamos.
“¿Cuántas veces vieron a una persona esperando en la vía de enfrente desdibujada por la velocidad? ¿En dónde está? ¿Quién era? ¿Qué está intentando decirnos desde el otro lado? ¿Cuánto tiempo nos queda su imagen en la mente intentando dar una respuesta?”
|Motivacion=La creación de Cerrito parte del deseo de explorar en escena los vínculos afectivos insertos en un discurso sin aparente conexión: el de la ciencia ficción y el relato fantástico. Con esta premisa, los actores improvisaron durante varios meses hasta generar un imaginario propio y un material textual que se convertiría en la materia prima de la obra. La narración fragmentada y por momentos vertiginosa, va dejando pistas en el camino, invitando al espectador a construir su propia versión de la historia.�
Con claras referencias a obras literarias, televisivas y cinematográficas del género fantástico, varios relatos se van entrelazando irrumpiendo de una realidad a otra. La música original, el vestuario y la escenografía, son parte fundamental en la creación de este particular universo.
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{{ParticipantesObra}}
{{Presentaciones}}
El proceso de armado de la obra llevó un año, entre el comienzo de los ensayos y el estreno. En una primera etapa de ensayos, la metodología propuesta consistió en improvisaciones a partir de lecturas previas y pautas del director. Mientras que en una segunda instancia, que coincidió con un receso de dos meses, se llevó a cabo la escritura del texto dramatúrgico, compatibilizando las ideas previas con las surgidas en los encuentros de la primera etapa. Con el texto desarrollado por Cococho Abbatangelo y Eduardo Spinola, se realizó un proceso de tres meses más hasta el estreno.
Los ensayos fueron semanales y con una duración de dos horas. Entre los trabajos complementarios, se realizó el visionado de películas y series de televisión que contengan elementos en su argumento, en su estructura o forma narrativa que fueron de utilidad para el proceso creativo de la obra.

Centro Cultural Islas Malvinas

2016-06-22T00:35:09Z

Akka.voskuil: Página creada con «{{CajaDatosEspacio |Ciudad=La Plata |Pais=Argentina }} {{InfoEspacio}}»

Carne oscura y triste. ¿Qué hay en ti?

2016-06-22T00:33:20Z

Akka.voskuil:

{{CajaResumen
|FechaEstreno=2014/05/24
|LugarEstreno=Centro Cultural Islas Malvinas
|UnaObraDe=Grupo de Investigaciones Etnográfico-Teatrales,
|Temas=Etnografía antropológica
|Formato=Obra,
|Genero=Teatro,
}}
{{CajaContacto
|Facebook=https://www.facebook.com/carneoscura
}}
{{SobreLaObraV2
|Sinopsis=Un hombre, mezcla de espectro y capanga, reconstruye aquel pasado mítico de los mensú, quienes eran enganchados, engañados y explotados en los yerbales del Alto Paraná. Carmen recorre el yerbal cargando un raído su espalda (bolsón de 100kg. en el que se acumula las hojas de yerba mate). Bajo el abrazante calor del monte, su cuerpo se funde, su piel se reseca, sus huesos se pasman1. Paso a paso, tropiezo tras tropiezo, caída tras caída, a lo largo de su caminar en el yerbal se transforma en una sufriente bestia de carga. Zunilda y Pulga comentan sobre lo sucedido a Carmen. Las habladurías dicen que ella recorre los yerbales convertida en buey. Sus historias, y las de tantos otros tareferos transcurren en medio de estos relatos en una polifonía al compás de los gritos sapucais y la cruda melodía de un acordeón que repercuten en la amplitud del monte.
|Motivacion=Carne oscura y triste ¿qué hay en ti? es un proceso que va desde la etnografía antropológica hasta la acción escénica, desde la instalación visual hasta el teatro. En él dos actores se adentran en el mundo de los cosecheros de yerba mate (tareferos) de la provincia de Misiones, para dar cuenta del ser tarefero a través de una poética de la cultura. Con textos documentales de Rafael Barrett sobre los mensú -antecesores históricos de los tareferos-, extractos de entrevistas realizados a lo largo de una investigación sociológica y música original del folclorista Chango Spasiuk, la obra hilvana un argumento de imágenes, sonidos, olores y palabras sobre las maneras de ser, estar, hacer y sentir tareferas a lo largo del destino trágico de la pobreza.
}}
{{ParticipantesObra
|Participacion={{Participacion
|Nombre=Facundo Nahuel Giménez
|Rol=Actor,
}}{{Participacion
|Nombre=Mariana Brusse
|Rol=Actor,
}}{{Participacion
|Nombre=Chango Spasiuk
|Rol=Musica,
}}{{Participacion
|Nombre=Marcelo Páez
|Rol=Voz locutor radio,
}}{{Participacion
|Nombre=Violeta Zuvialde
|Rol=Puesta en movimiento,
}}{{Participacion
|Nombre=Eliana Antún
|Rol=Escenografia, Vestuario, Edición audiovisual,
}}{{Participacion
|Nombre=Camila Lusetti
|Rol=Escenografia, Diseño Gráfico,
}}{{Participacion
|Nombre=Diego Marcone
|Rol=Diseño sonoro, Material fotográfico y audiovisual de campo,
}}{{Participacion
|Nombre=Ricardo Sica
|Rol=Diseño de luces,
}}{{Participacion
|Nombre=María Luz Roa
|Rol=Producción, Direccion, Investigacion social, Dramatugia,
}}{{Participacion
|Nombre=Tatiana Ivancovich
|Rol=Asistente de direccion,
}}
}}
{{Presentaciones}}
'''Una búsqueda etnográfico-teatral. Una poética de la cultura'''

“Sabés, ciertas cosas hay que mirarlas con los ojos desnudos. No es que me oponga a la ciencia, pero pienso que sólo una visión poética puede abarcar el sentido de las figuras que escriben y conciertan los ángeles.”
(Cortázar, 2011: 41)

En el año 2009, la socióloga y actriz, María Luz Roa �inicia �su investigación doctoral en Ciencias Sociales, la cual indaga sobre los procesos de constitución de las subjetividades juveniles de los cosecheros de yerba mate que residen en los barrios periurbanos de Misiones. Ya avanzados los trabajos de campo en las ciudades de Oberá y Montecarlo, había algo que Luz no podía transmitir desde la escritura académica. Sentía que sus palabras no alcanzaban para dar cuenta de la especificidad de la existencia tarefera y que el ámbito académico era demasiado estrecho para comunicar lo que pasaba en los yerbales.
�Así�, en el 2011, inspirada por las propuestas de la “poética de la cultura” del antropólogo Robert Desjerlais y las renombradas experimentaciones teatrales del antropólogo Víctor Turner durante los años ‘70, Luz convoca a los actores Mariana Brusse y Facundo Nahuel Giménez a embarcarse en una investigación que llamó etnográfico-teatral. La misma intenta encontrar un lenguaje poético desde donde abrodar las maneras de estar, hacer y sentir tareferas.

�Tras �diversas discusiones teatrales, sociológicas y antropológicas, comenzaron los ensayos en febrero del 2012. En ellos los actores experimentaron a partir de relatos de tareferos –provenientes de ocho trabajos de campo etnográficos en Oberá y Montecarlo- y documentos históricos de los mensú, a la manera de textos teatrales. En este proceso, se incorporó el material audiovisual documental recabado por el cineasta Diego Marcone, durante tres trabajos de campo en los yerbales y barrios periurbanos de la ciudad de Montecarlo; la coreografía de Violeta Zuvialde y la colaboración musical del Chango Spasiuk. En el 2013, como síntesis de más de un año de investigación, se encontró un lenguaje poético que abarca un bricolaje de imágenes, relatos, sonidos y aromas, y que intenta interpretar las maneras culturales tácitas, los valores y sensibilidades de las experiencias tareferas. Nació Carne oscura y triste. ¿Qué hay en ti?, una obra social, política y existencial, hecha no sólo para un público general sino para los propios tareferos de Misiones.

Carne oscura y triste. ¿Qué hay en ti?

2016-06-22T00:26:42Z

Akka.voskuil:

{{CajaResumen
|FechaEstreno=2014/05/24
|LugarEstreno=Centro Cultural Islas Malvinas
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{{SobreLaObraV2
|Sinopsis=Un hombre, mezcla de espectro y capanga, reconstruye aquel pasado mítico de los mensú, quienes eran enganchados, engañados y explotados en los yerbales del Alto Paraná. Carmen recorre el yerbal cargando un raído su espalda (bolsón de 100kg. en el que se acumula las hojas de yerba mate). Bajo el abrazante calor del monte, su cuerpo se funde, su piel se reseca, sus huesos se pasman1. Paso a paso, tropiezo tras tropiezo, caída tras caída, a lo largo de su caminar en el yerbal se transforma en una sufriente bestia de carga. Zunilda y Pulga comentan sobre lo sucedido a Carmen. Las habladurías dicen que ella recorre los yerbales convertida en buey. Sus historias, y las de tantos otros tareferos transcurren en medio de estos relatos en una polifonía al compás de los gritos sapucais y la cruda melodía de un acordeón que repercuten en la amplitud del monte.
|Motivacion=Carne oscura y triste ¿qué hay en ti? es un proceso que va desde la etnografía antropológica hasta la acción escénica, desde la instalación visual hasta el teatro. En él dos actores se adentran en el mundo de los cosecheros de yerba mate (tareferos) de la provincia de Misiones, para dar cuenta del ser tarefero a través de una poética de la cultura. Con textos documentales de Rafael Barrett sobre los mensú -antecesores históricos de los tareferos-, extractos de entrevistas realizados a lo largo de una investigación sociológica y música original del folclorista Chango Spasiuk, la obra hilvana un argumento de imágenes, sonidos, olores y palabras sobre las maneras de ser, estar, hacer y sentir tareferas a lo largo del destino trágico de la pobreza.
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{{ParticipantesObra}}
{{Presentaciones}}
'''Una búsqueda etnográfico-teatral. Una poética de la cultura'''

“Sabés, ciertas cosas hay que mirarlas con los ojos desnudos. No es que me oponga a la ciencia, pero pienso que sólo una visión poética puede abarcar el sentido de las figuras que escriben y conciertan los ángeles.”
(Cortázar, 2011: 41)

En el año 2009, la socióloga y actriz, María Luz Roa �inicia �su investigación doctoral en Ciencias Sociales, la cual indaga sobre los procesos de constitución de las subjetividades juveniles de los cosecheros de yerba mate que residen en los barrios periurbanos de Misiones. Ya avanzados los trabajos de campo en las ciudades de Oberá y Montecarlo, había algo que Luz no podía transmitir desde la escritura académica. Sentía que sus palabras no alcanzaban para dar cuenta de la especificidad de la existencia tarefera y que el ámbito académico era demasiado estrecho para comunicar lo que pasaba en los yerbales.
�Así�, en el 2011, inspirada por las propuestas de la “poética de la cultura” del antropólogo Robert Desjerlais y las renombradas experimentaciones teatrales del antropólogo Víctor Turner durante los años ‘70, Luz convoca a los actores Mariana Brusse y Facundo Nahuel Giménez a embarcarse en una investigación que llamó etnográfico-teatral. La misma intenta encontrar un lenguaje poético desde donde abrodar las maneras de estar, hacer y sentir tareferas.

�Tras �diversas discusiones teatrales, sociológicas y antropológicas, comenzaron los ensayos en febrero del 2012. En ellos los actores experimentaron a partir de relatos de tareferos –provenientes de ocho trabajos de campo etnográficos en Oberá y Montecarlo- y documentos históricos de los mensú, a la manera de textos teatrales. En este proceso, se incorporó el material audiovisual documental recabado por el cineasta Diego Marcone, durante tres trabajos de campo en los yerbales y barrios periurbanos de la ciudad de Montecarlo; la coreografía de Violeta Zuvialde y la colaboración musical del Chango Spasiuk. En el 2013, como síntesis de más de un año de investigación, se encontró un lenguaje poético que abarca un bricolaje de imágenes, relatos, sonidos y aromas, y que intenta interpretar las maneras culturales tácitas, los valores y sensibilidades de las experiencias tareferas. Nació Carne oscura y triste. ¿Qué hay en ti?, una obra social, política y existencial, hecha no sólo para un público general sino para los propios tareferos de Misiones.

Carne oscura y triste. ¿Qué hay en ti?

2016-06-22T00:23:10Z

Akka.voskuil: Página creada con «{{CajaResumen |FechaEstreno=2014/05/24 |LugarEstreno=Centro Cultural Islas Malvinas }} {{CajaContacto}} {{SobreLaObraV2}} {{ParticipantesObra}} {{Presentaciones}}»

{{CajaResumen
|FechaEstreno=2014/05/24
|LugarEstreno=Centro Cultural Islas Malvinas
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{{SobreLaObraV2}}
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{{Presentaciones}}

Hierba Roja Teatro

2016-06-22T00:21:02Z

Akka.voskuil: Página creada con «{{CajaDatosGrupo}} {{InfoGrupo |Reseña=Hierba roja teatro es un grupo independiente de investigación escénica que surge en el año 2001. A lo largo de sus años de traba...»

{{CajaDatosGrupo}}
{{InfoGrupo
|Reseña=Hierba roja teatro es un grupo independiente de investigación escénica que surge en el año 2001. A lo largo de sus años de trabajo, se ha concentrado en la búsqueda de un lenguaje teatral basado en la profundización de los recursos expresivos de sus integrantes y en la investigación de las diferentes dramaturgias. Más allá de los proyectos escénicos puntuales, prioriza la creación de espacios para el entrenamiento del cuerpo/voz de los actores. En relación con la enseñanza �y las actividades de difusión�, sus integrantes desarrollan el dictado de talleres, cursos y seminarios de formación y entrenamiento para actores; de construcción e investigación en el trabajo con máscaras y de expresión corporal-danza; y llevan adelante asistencias técnicas a grupos de teatro. Su actividad principal se orienta fundamentalmente hacia la realización de obras, acciones callejeras y performances.
}}
{{ParticipantesGrupo}}
Contacto:
www.hierbarojateatro.blogspot.com
Facebook: hierba roja teatro
carolinadonnantuoni@gmail.com

Canción cantada

2016-06-21T23:56:22Z

Akka.voskuil:

{{CajaResumen
|FechaEstreno=2013/09/20
|LugarEstreno=Espacio 44
|UnaObraDe=Hierba roja teatro,
|Formato=Obra,
|Genero=Danza, Interdisciplinar,
}}
{{CajaContacto
|CorreoElectronico=carolinadonnantuoni@gmail.com
|SitioWeb=http://www.hierbarojateatro.blogspot.com
|Facebook=https://www.facebook.com/hierbarojateatro
}}
{{SobreLaObraV2
|Sinopsis=Dos mujeres jóvenes, acuden a un encuentro en un bar. Nadie acude a las citas. Ambas llegan, esperan y parten en silencio infinita cantidad de veces hasta que el espacio comienza a transformarse lentamente en otro: el espacio de su imaginario, sus recuerdos, su memoria. Recuerdos y memoria: ¿Qué espacio ocupan en nuestro cuerpo? ¿De qué estamos hechos? ¿Qué zonas de nuestra memoria decidimos visitar? ¿Qué material sensible nos habita? ¿De cuántas maneras podemos nombrarnos? ¿Cómo nombramos lo que fuimos? ¿Por qué las cosas se repiten?
|Motivacion=Canción Cantada surge de la necesidad de crear un espectáculo desde los materiales que aparecieron en el espacio de entrenamiento grupal. Materiales de índole práctico-creativa nacidos como respuesta a preguntas tales como: ¿cuáles son las diferencias entre espacio de investigación técnica y espacio de investigación creativa? ¿Qué diferencias y similitudes existen entre el entrenamiento físico y el vocal? ¿Cuáles son los diálogos y entrecruzamientos posibles entre dramaturgia del cuerpo, del espacio, del actor, del autor, del director? Encaramos además este proceso de creación, a partir de ciertos interrogantes sobre la memoria del cuerpo, la del individuo y la memoria “social” y cuáles podrían ser los elementos que las constituyen.
}}
{{ParticipantesObra
|Participacion={{Participacion
|Nombre=Ayelén Dias Correia
|Rol=Actor,
}}{{Participacion
|Nombre=Constanza Mosetti
|Rol=Actor,
}}{{Participacion
|Nombre=Hierba roja teatro
|Rol=Espacio y fotografía,
}}{{Participacion
|Nombre=Natalia Suárez
|Rol=Vestuario,
}}{{Participacion
|Nombre=Magalí Salvatore
|Rol=Vestuario,
}}{{Participacion
|Nombre=MATEEP!
|Rol=Iluminacion,
}}{{Participacion
|Nombre=Alejandra Buitrón
|Rol=Asistente de direccion,
}}{{Participacion
|Nombre=Liliana Perdomo
|Rol=Asistente de direccion,
}}{{Participacion
|Nombre=Carolina Donnantuoni
|Rol=Dramaturgia, Dirección,
}}
}}
{{Presentaciones}}
El proceso creativo tuvo lugar entre de marzo de 2012 y septiembre de 2013, exceptuando los meses de enero-febrero, con una frecuencia promedio de tres veces por semana. Canción cantada es una creación colectiva con dramaturgia de Carolina Donnantuoni, sobre materiales y textos creados por Ayelén Dias Correia y Constanza Mosetti.

Canción cantada

2016-06-21T23:38:53Z

Akka.voskuil:

{{CajaResumen
|FechaEstreno=2013/09/20
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{{SobreLaObraV2
|Sinopsis=Dos mujeres jóvenes, acuden a un encuentro en un bar. Nadie acude a las citas. Ambas llegan, esperan y parten en silencio infinita cantidad de veces hasta que el espacio comienza a transformarse lentamente en otro: el espacio de su imaginario, sus recuerdos, su memoria. Recuerdos y memoria: ¿Qué espacio ocupan en nuestro cuerpo? ¿De qué estamos hechos? ¿Qué zonas de nuestra memoria decidimos visitar? ¿Qué material sensible nos habita? ¿De cuántas maneras podemos nombrarnos? ¿Cómo nombramos lo que fuimos? ¿Por qué las cosas se repiten?
|Motivacion=Canción Cantada surge de la necesidad de crear un espectáculo desde los materiales que aparecieron en el espacio de entrenamiento grupal. Materiales de índole práctico-creativa nacidos como respuesta a preguntas tales como: ¿cuáles son las diferencias entre espacio de investigación técnica y espacio de investigación creativa? ¿Qué diferencias y similitudes existen entre el entrenamiento físico y el vocal? ¿Cuáles son los diálogos y entrecruzamientos posibles entre dramaturgia del cuerpo, del espacio, del actor, del autor, del director? Encaramos además este proceso de creación, a partir de ciertos interrogantes sobre la memoria del cuerpo, la del individuo y la memoria “social” y cuáles podrían ser los elementos que las constituyen.
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{{ParticipantesObra}}
{{Presentaciones}}
El proceso creativo tuvo lugar entre de marzo de 2012 y septiembre de 2013, exceptuando los meses de enero-febrero, con una frecuencia promedio de tres veces por semana. Canción cantada es una creación colectiva con dramaturgia de Carolina Donnantuoni, sobre materiales y textos creados por Ayelén Dias Correia y Constanza Mosetti.

Canción cantada

2016-06-21T23:35:27Z

Akka.voskuil: Página creada con «{{CajaResumen |FechaEstreno=2013/09/20 |LugarEstreno=Espacio 44 |UnaObraDe=Hierba roja teatro, |Temas=recuerdos }} {{CajaContacto}} {{SobreLaObraV2}} {{ParticipantesObra}}...»

{{CajaResumen
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|Temas=recuerdos
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{{CajaContacto}}
{{SobreLaObraV2}}
{{ParticipantesObra}}
{{Presentaciones}}

Urbe

2016-05-03T23:34:29Z

Akka.voskuil: Página creada con «{{CajaResumen |FotoObra=Urbeshop22.jpg }} {{CajaContacto |CorreoElectronico=conycopello@gmail.com |SitioWeb=http://urbedanza.wordpress.com/ }} {{SobreLaObraV2 |Sinopsis=¿D...»

{{CajaResumen
|FotoObra=Urbeshop22.jpg
}}
{{CajaContacto
|CorreoElectronico=conycopello@gmail.com
|SitioWeb=http://urbedanza.wordpress.com/
}}
{{SobreLaObraV2
|Sinopsis=¿Dónde es aquí?
¿Cuándo es ahora?
Sito allí. Se encuentra, capta, construye, destruye.
Ubicado en un punto determinado en la ciudad, el cuerpo recorre, observa, intenta captar la esencia del lugar, lo que lo hace particular para volverlo movimiento.
La ciudad inmensa, lo pequeño, los tumultos de gente, lo subterráneo, los gestos corrientes. Un lugar contaminado de imágenes que son tomadas para ser decodificadas en danza.
En un lugar común, el hecho artístico es llevado a cabo y la única diferencia entre el espacio cotidiano y el espacio escénico parece ser el límite que proyecta el propio artista.
La danza va al espacio, el espacio se vuelve escénico porque existe la danza.
|Motivacion=Urbe fue pensada para ser realizada en cualquier espacio, tanto exterior como interior, escénico o urbano. Para su realización, se coloca una cinta de luz Led que delimita de forma irregular aproximadamente unos 10 metros cuadrados (aunque pueden ser menos según el lugar), intentando llamar la atención sobre puntos determinados que el contexto ofrece. El objetivo de este recorte sobre el espacio cotidiano es la creación de un nuevo espacio: el escénico, donde se lleva a cabo la acción.
El público se ubicará alrededor porque la obra no tiene un frente determinado. La obra puede realizarse tanto en teatros, halls de los mismos y en funciones compartidas.
}}
{{ParticipantesObra
|Participacion={{Participacion
|Nombre=Constanza Copello
|Rol=Interpretación y dirección
}}{{Participacion
|Nombre=Ramiro Mansilla Pons
|Rol=Música
}}{{Participacion
|Nombre=Jorgelina Mongan
|Rol=Asistencia coreográfica
}}
}}
{{Presentaciones}}
Urbe fue pensada para ser realizada en cualquier espacio, tanto exterior como interior, escénico o urbano. Para su realización, se coloca una cinta de luz Led que delimita de forma irregular aproximadamente unos 10 metros cuadrados (aunque pueden ser menos según el lugar), intentando llamar la atención sobre puntos determinados que el contexto ofrece. El objetivo de este recorte sobre el espacio cotidiano es la creación de un nuevo espacio: el escénico, donde se lleva a cabo la acción.
El público se ubicará alrededor porque la obra no tiene un frente determinado. La obra puede realizarse tanto en teatros, halls de los mismos y en funciones compartidas.

'''Sobre el proceso de trabajo:'''
Esta obra fue creada en el marco de RAMAL, Residencia Artística para Nuevos Creadores que se llevó a cabo durante el año 2012 bajo la coordinación general de Valeria Martínez en el Centro Cultural El Sábato, dependiente de la Facultad de Ciencias Económicas de la Universidad de Buenos Aires (UBA). La idea original de la obra deviene de un trabajo de investigación que realicé años anteriores sobre la relación entre los cuerpos y el espacio, y cómo en esa relación ambos se construyen y modifican.
El proceso creativo duró seis meses y constó de:
ensayos individuales dos veces por semana;
la colaboración artística de la coordinadora general y demás residentes.
La residencia concluyó con un ciclo de funciones compartidas por todos los trabajos realizados.

Archivo:Urbeshop22.jpg

2016-05-03T23:29:57Z

Akka.voskuil:

Un aplauso

2016-05-03T23:28:10Z

Akka.voskuil:

{{CajaResumen
|FotoObra=Un_aplauso.jpg
|FechaEstreno=2013/12/06
}}
{{CajaContacto}}
{{SobreLaObraV2
|Sinopsis=Gesto social de carácter espontaneo que denota emoción, aprobación y contagio.
Éste es solo uno para lo que fuimos en un papel, en un juego, en un sonido y lo que ya somos hora todos juntos.
Nene y nena, hombre y mujer… cuatro bailarines, un dibujante y un músico en escena, nos permiten entrar en el universo infantil enmarcado principalmente por una atmosfera lúdica y visualmente plástica.
Los típicos dibujos de familia con sus monigotes, tamaños y trazos dan cuenta de los primeros “generados” del lenguaje estético y la construcción de sentido de la obra, como así también se apela al juego para crear el material de movimiento abordándolo además desde lo simbólico en relación a su función comunicativa creativa. En la que intervienen las emociones y se establecen acuerdos tanto temporales como espaciales propios de ese universo lúdico. Estos son inherentes a los niños pero ¿y a los adultos?
Entre líneas punteadas son, se repiten, se observan, se miden, se dibujan, se sienten y se piensan. Como es pensarse niño, pensarse adulto, pensarse juntos y ser familia.
}}
{{ParticipantesObra
|Participacion={{Participacion
|Nombre=Julieta Scanferla
|Rol=Idea y dirección general; Escenografía
}}{{Participacion
|Nombre=Juana de Castro
|Rol=Coreografía; Intérprete
}}{{Participacion
|Nombre=Ivo Beain
|Rol=Coreografía; Intérprete
}}{{Participacion
|Nombre=Romina Palmieri
|Rol=Intérprete
}}{{Participacion
|Nombre=Víctor Ramos
|Rol=Intérprete
}}{{Participacion
|Nombre=Julián Chambo
|Rol=Música original y edición sonora
}}{{Participacion
|Nombre=Bernardo Clausi
|Rol=Artista visual
}}{{Participacion
|Nombre=León Villar
|Rol=Asistente de dirección
}}{{Participacion
|Nombre=Belén Arcuri
|Rol=Vestuario
}}{{Participacion
|Nombre=Martin Galle
|Rol=Iluminación
}}{{Participacion
|Nombre=Julieta Scanferla
|Rol=Escenografía
}}
}}
{{Presentaciones}}
Esta obra nace a partir de una ejercitación de una clase de danza para niños. El taller destinado a chicos de aproximadamente 8 años solía contar con un grupo de alumnos de años anteriores, pero en éste sólo retomaron las clases, Juana e Ivo.
Entonces, se propuso como pauta de trabajo a partir de un estímulo sonoro, realizar una acción vinculada a algún juego que asociaran con dicho sonido. Así aparecieron el jugar a la paleta, hacer burbujas, ser una burbuja, correr, luchar, caerse y caerse. O perseguirse y ser muñeco. Luego, los chicos tuvieron que elegir y abordar algunas de ellas desde el moviendo, variando algún factor como la velocidad o su tamaño. Y combinarlas con una secuencia que venía realizando.
Desde abril de 2013 y durante varios meses, seguimos trabajando ya que Juanita e Ivo tenían bastante material y se habían copado con la propuesta. Mientras que, por mi parte, resultaba interesante ver cómo se iba abstrayendo el movimiento e iba tomando un sentido de unidad. Además, fui articulando los trabajos individuales para que pudieran montarse simultáneamente. Así lo que era una clase de danza, se fue pareciendo cada vez más a un ensayo, y surgieron las ganas de los tres de mostrarlo. Finalmente, en julio, les propuse hacer una obra con todo lo teníamos, sumando una segunda parte, en la que estas mismas acciones fueran realizadas por adultos. En esta instancia, se sumaron al proyecto los bailarines, Romina y Víctor y como consecuencia, surgió la necesidad de abordar la imagen de familia que se generó sólo por el hecho de presentar en escena una pareja y dos nenes.
Además, le propuse a Julián Chambo componer la música a partir de las escenas existentes y algunas indicaciones específicas como incorporar sonidos que denoten al dibujo animado, entre otras. Para completar la obra desde lo visual y crear un sentido estético, cerca de la fecha del estreno, trabajé las imágenes junto a Bernardo Clausi con la idea de que lo analógico este presente y sea posible percibir el trazo tomado desde el movimiento. Finalmente, me resulta atractiva la moldería con sus líneas punteadas, medidas y anotaciones para la realización del vestuario que llevó adelante Belén Arcuri.
En total, el proceso de creación requirió siete meses entre la primera etapa, en la que los niños ensayaban una hora y media por semana, y la segunda en la que se realizaban dos ensayos semanales: uno grupal de hora y media y uno con los bailarines adultos de dos horas.

Un aplauso

2016-05-03T23:19:27Z

Akka.voskuil: Página creada con «{{CajaResumen |FotoObra=Un_aplauso.jpg |FechaEstreno=2013/12/06 }} {{CajaContacto}} {{SobreLaObraV2 |Sinopsis=Gesto social de carácter espontaneo que denota emoción, apro...»

{{CajaResumen
|FotoObra=Un_aplauso.jpg
|FechaEstreno=2013/12/06
}}
{{CajaContacto}}
{{SobreLaObraV2
|Sinopsis=Gesto social de carácter espontaneo que denota emoción, aprobación y contagio.
Éste es solo uno para lo que fuimos en un papel, en un juego, en un sonido y lo que ya somos hora todos juntos.
Nene y nena, hombre y mujer… cuatro bailarines, un dibujante y un músico en escena, nos permiten entrar en el universo infantil enmarcado principalmente por una atmosfera lúdica y visualmente plástica.
Los típicos dibujos de familia con sus monigotes, tamaños y trazos dan cuenta de los primeros “generados” del lenguaje estético y la construcción de sentido de la obra, como así también se apela al juego para crear el material de movimiento abordándolo además desde lo simbólico en relación a su función comunicativa creativa. En la que intervienen las emociones y se establecen acuerdos tanto temporales como espaciales propios de ese universo lúdico. Estos son inherentes a los niños pero ¿y a los adultos?
Entre líneas punteadas son, se repiten, se observan, se miden, se dibujan, se sienten y se piensan. Como es pensarse niño, pensarse adulto, pensarse juntos y ser familia.
}}
{{ParticipantesObra}}
{{Presentaciones}}
Esta obra nace a partir de una ejercitación de una clase de danza para niños. El taller destinado a chicos de aproximadamente 8 años solía contar con un grupo de alumnos de años anteriores, pero en éste sólo retomaron las clases, Juana e Ivo.
Entonces, se propuso como pauta de trabajo a partir de un estímulo sonoro, realizar una acción vinculada a algún juego que asociaran con dicho sonido. Así aparecieron el jugar a la paleta, hacer burbujas, ser una burbuja, correr, luchar, caerse y caerse. O perseguirse y ser muñeco. Luego, los chicos tuvieron que elegir y abordar algunas de ellas desde el moviendo, variando algún factor como la velocidad o su tamaño. Y combinarlas con una secuencia que venía realizando.
Desde abril de 2013 y durante varios meses, seguimos trabajando ya que Juanita e Ivo tenían bastante material y se habían copado con la propuesta. Mientras que, por mi parte, resultaba interesante ver cómo se iba abstrayendo el movimiento e iba tomando un sentido de unidad. Además, fui articulando los trabajos individuales para que pudieran montarse simultáneamente. Así lo que era una clase de danza, se fue pareciendo cada vez más a un ensayo, y surgieron las ganas de los tres de mostrarlo. Finalmente, en julio, les propuse hacer una obra con todo lo teníamos, sumando una segunda parte, en la que estas mismas acciones fueran realizadas por adultos. En esta instancia, se sumaron al proyecto los bailarines, Romina y Víctor y como consecuencia, surgió la necesidad de abordar la imagen de familia que se generó sólo por el hecho de presentar en escena una pareja y dos nenes.
Además, le propuse a Julián Chambo componer la música a partir de las escenas existentes y algunas indicaciones específicas como incorporar sonidos que denoten al dibujo animado, entre otras. Para completar la obra desde lo visual y crear un sentido estético, cerca de la fecha del estreno, trabajé las imágenes junto a Bernardo Clausi con la idea de que lo analógico este presente y sea posible percibir el trazo tomado desde el movimiento. Finalmente, me resulta atractiva la moldería con sus líneas punteadas, medidas y anotaciones para la realización del vestuario que llevó adelante Belén Arcuri.
En total, el proceso de creación requirió siete meses entre la primera etapa, en la que los niños ensayaban una hora y media por semana, y la segunda en la que se realizaban dos ensayos semanales: uno grupal de hora y media y uno con los bailarines adultos de dos horas.

Archivo:Un aplauso.jpg

2016-05-03T23:15:23Z

Akka.voskuil:

Más allá de los andenes

2016-05-03T23:08:41Z

Akka.voskuil: Página creada con «{{CajaResumen |FechaEstreno=2013/11/27 |BasadaEn=Los hechos ocurridos el 26 de junio del año 2002, en la localidad de Avellaneda donde fueron asesinados Darío Santillán...»

{{CajaResumen
|FechaEstreno=2013/11/27
|BasadaEn=Los hechos ocurridos el 26 de junio del año 2002, en la localidad de Avellaneda donde fueron asesinados Darío Santillán y Maximiliano Kosteki.
}}
{{CajaContacto
|CorreoElectronico=vanebuldain@hotmail.com
}}
{{SobreLaObraV2
|Sinopsis=El punto de partida de la obra son los hechos ocurridos el 26 de junio del año 2002, en la localidad de Avellaneda donde fueron asesinados Darío Santillán y Maximiliano Kosteki. Ellos formaban parte de los 4.000 desocupados que se movilizaron al Puente Pueyrredón junto a sus compañeras y compañeros del barrio.
La obra reivindica el sentido de lucha y trata de no quedarse en el acto de denuncia, en busca de poner en movimiento el conflicto para generar conciencia en múltiples escenarios que posibiliten nuevas propuestas que aborden la política y el arte como herramientas de trasformación social.
Para reconstruir así la memoria de los que pierden, reflejar problemáticas sociales “olvidadas”, en donde el arte tiene el potencial de reavivar aquello que desde el Estado, se oculta y se calla.
|Motivacion=Al cumplirse 10 años de la Masacre de Avellaneda, surge la obra a partir de una motivación individual, si bien hubo ideas y momentos definidos en el transcurso de la creación por los intérpretes. El proceso se inició en abril del 2012, para formar parte de una performance que se presentó en el puente de Avellaneda con motivo del décimo aniversario.
}}
{{ParticipantesObra
|Participacion={{Participacion
|Nombre=Carolina Valiente
|Rol=Intérprete
}}{{Participacion
|Nombre=Silvina Fernández
|Rol=Intérprete
}}{{Participacion
|Nombre=Pilar Figueroa
|Rol=Intérprete
}}{{Participacion
|Nombre=Rocío Monteiro
|Rol=Intérprete
}}{{Participacion
|Nombre=Mariángeles Giménez
|Rol=Intérprete
}}{{Participacion
|Nombre=Mercedes de Luca
|Rol=Intérprete
}}{{Participacion
|Nombre=Yermen Acebal
|Rol=Intérprete
}}{{Participacion
|Nombre=Emilia Requena
|Rol=Intérprete
}}{{Participacion
|Nombre=Vanesa Buldain
|Rol=Dirección
}}
}}
{{Presentaciones}}
La obra se estrenó el 27 de noviembre 2013 en El Bombín Teatro. Luego brindaron una función en el mes de diciembre del mismo año en el Centro Social Político y Cultural Olga Vázquez, en la ciudad de La Plata.

'''Sobre el proceso de trabajo:'''
Al cumplirse 10 años de la Masacre de Avellaneda, surge la obra a partir de una motivación individual, si bien hubo ideas y momentos definidos en el transcurso de la creación por los intérpretes. El proceso se inició en abril del 2012, para formar parte de una performance que se presentó en el puente de Avellaneda con motivo del décimo aniversario. El grupo ensayó una vez por semana y próximo al estreno, se sumaron algunos encuentros más.
Tras la presentación, los ensayos fueron esporádicos hasta que en agosto del 2013, se cambió el elenco y comenzamos nuevamente tomando lo realizado como punto de partida. Los encuentros se sucedieron una vez por semana sin pausa y al acercarse la fecha de estreno se incrementaron hasta a 3 veces por semana.

Haroldo Logiurato… Hombro de árbol, hojas como pájaros

2016-05-03T21:32:13Z

Akka.voskuil:

{{CajaResumen
|UnaObraDe=Yamila Cruz Valla
|BasadaEn=Las cartas de Haroldo Logiurato a Hilda Díaz su esposa (preso político del “PLAN CONINTES”. Argentina 1960-1963 y desaparecido en el año 1977).
}}
{{CajaContacto
|SitioWeb=http://yamilacruzvalladc.blogspot.com.ar/
}}
{{SobreLaObraV2
|Sinopsis=Quiero rescatar lo que edificaron y defendieron nuestros abuelos, como el mío, Haroldo Logiurato y los 30.000 compañeros detenidos – desaparecidos. Con un espíritu revolucionario, con ideales democráticos y sobre todo con inmenso amor hacia la familia y hacia el pueblo Argentino y Latinoamericano, con una gran conciencia de unidad, fuerza, solidaridad y libertad, para volver a sembrar en la misma tierra ese espíritu en nuestro presente.
Yamila Cruz Valla (Nieta de Haroldo Directora)

…La memoria es una interpretación del pasado que sirve para comprender el presente…
|Motivacion=La idea surge de la Directora de la obra, como necesidad de recuperar las ideas y pensamientos plasmados en cartas que su abuelo Haroldo, le enviaba a su abuela cuando estaba preso por el Plan Conintes desde el año 1960 al 1963, quien era dirigente gremial en ese entonces. Recuperar el espíritu de una época de lucha del pueblo Argentino, principios de muchos hombres y mujeres que en los años 60 y 70 lucharon por un país diferente: libre de los intereses económicos de una clase social reducida y extranjera. Un país más justo para los más humildes; luchadores que hicieron callar con su desaparición
}}
{{ParticipantesObra
|Participacion={{Participacion
|Nombre=Yamila Cruz Valla
|Rol=Idea, Composición coreográfica y Dirección
}}{{Participacion
|Nombre=Omar Musa
|Rol=Actor
}}{{Participacion
|Nombre=Mauricio Aguirre
|Rol=Música original en vivo y arte sonoro; Operador técnico
}}{{Participacion
|Nombre=Diego Armenta
|Rol=Bailarin
}}{{Participacion
|Nombre=María Marta Torrecilla
|Rol=Bailarina
}}{{Participacion
|Nombre=Paloma Cruz Liverani
|Rol=Bailarina
}}{{Participacion
|Nombre=Aldana Formigo
|Rol=Bailarina
}}{{Participacion
|Nombre=María Julia Silvano
|Rol=Bailarina
}}{{Participacion
|Nombre=Keila Torandell
|Rol=Bailarina
}}{{Participacion
|Nombre=Antonella Pallanza
|Rol=Bailarina
}}{{Participacion
|Nombre=Leonardo Basanta
|Rol=Bailarín
}}{{Participacion
|Nombre=Iván Haidar
|Rol=Bailarín
}}{{Participacion
|Nombre=Victoria Barcala
|Rol=Bailarina
}}{{Participacion
|Nombre=Patricia Duhart
|Rol=Bailarina
}}{{Participacion
|Nombre=Eliana Giommi
|Rol=Bailarina
}}{{Participacion
|Nombre=Alejandro Lonac
|Rol=Bailarín
}}{{Participacion
|Nombre=Yamila Cruz Valla
|Rol=Operadora técnica
}}
}}
{{Presentaciones
|Temporadas={{TemporadaTabla
|Lugar=Centro cultural el Núcleo La Plata
}}
|FuncionesEspeciales={{FuncionEspecialTabla
|Lugar=Sala Armando Discépolo, Teatro de la Comedia de la Provincia de Buenos Aire, La Plata
|Marco=Ciclo de Teatro Independiente
}}{{FuncionEspecialTabla
|Lugar=Comisión por la Memoria, la Verdad y la Justicia de Marcos Paz. Ciudad de Marcos Paz, Buenos Aires
}}{{FuncionEspecialTabla
|Lugar=Centro Cultural Pasaje Dardo Rocha.
|Marco=Subsecretaría de niñez y adolescencia, Secretaría de Desarrollo Social, La Plata.
}}{{FuncionEspecialTabla
|Lugar=Teatro Luz y Fuerza
|Marco=Programa Haciendo Público auspiciado por del Consejo Provincial de Teatro Independiente.
}}{{FuncionEspecialTabla
|Lugar=Espacio militante Nestor Kirchner. Florencio Varela, Bs. As.
}}{{FuncionEspecialTabla
|Lugar=San Rafael, Mendoza.
|Marco=Festival de Teatro “La Vorágine”
}}{{FuncionEspecialTabla
|Lugar=Centro Cultural Pasaje Dardo Rocha La Plata.
}}{{FuncionEspecialTabla
|Lugar=Teatro Luz y Fuerza, Ciudad de La Plata
}}{{FuncionEspecialTabla
|Lugar=Complejo Cultural “Juan Carlos Pacín”. Ciudad de Gral. La Madrid
}}{{FuncionEspecialTabla
|Lugar=Centro Cultural Viedma. Secretaria de Derechos Humanos de la pcia. de Rio Negro.
}}{{FuncionEspecialTabla
|Lugar=Ecunhi (ex Esma).Ciudad de Buenos Aires.
}}{{FuncionEspecialTabla
|Lugar=Cárcel de Florencio Varela
}}{{FuncionEspecialTabla
|Lugar=Facultad de Periodismo y Comunicación Social. Universidad Nacional de La Plata
}}{{FuncionEspecialTabla
|Lugar=Teatro Municipal Coliseo Podestá. La Plata
}}{{FuncionEspecialTabla
|Lugar=Plaza San Martín. Florencio Varela.
}}
}}
Declarada de interés Legislativo y Provincial por la Honorable cámara de senadores Provincia de Buenos Aires año 2012.
Declarada de interés municipal por el concejo deliberantes de la Ciudad de La Plata año 2012.
Obra subsidiada por el Instituto Nacional del Teatro año 2012.
Cuenta con el apoyo de la Secretaria de Derechos Humanos de la Nación Argentina y de la provincia de Río Negro.
Apoyos 2012: Sindicato Argentino de televisión SATSAID, Fundación Eduardo Luis Duhalde y Ediciones Punto Critico, con el apoyo del Dr.: Mariano Duhalde y Dr.: Marcelo Duhalde. Dr. Ariel Pasini Subsecretario de Relaciones Institucionales, Jefatura de Gabinete de Ministros. El Puente arte y Cultura María Ibarlín, Centro Cultural Domingo Mercante, Escuela Taller de Arte Municipalidad de La Plata.