Propiedad:Motivacion
De Nodos
Esta es una propiedad de tipo Texto.
E
Cuando comenzamos, observamos que queríamos destacar lo particular de cada uno dentro del colectivo y a partir de allí dirigimos la investigación hacia el vínculo con un otro desde la individualidad. Van surgiendo preguntas en relación a cómo uno se describe a si mismo y cuánto aporta el otro a esta descripción. Este es un trabajo que aún sigue en proceso.
Esta obra es la segunda instancia del proceso Multitodo Ferviente. +
El espectáculo surge a partir de la invitación a participar de la varieté Domingos alterados, con una propuesta libre, en una significativa fecha como es la del 24 de Marzo. [[Jorge Pinarello]] y [[Casper Uncal]], interesados en abordar la última dictadura militar desde el humor, experimentaron con los límites propios del tema, la recepción del público, y la aplicación de la comedia – género al que se dedican mayormente – a dicha temática, en conjunto con una crítica a los discursos de derecha. +
La obra toma como trama de la composición coreográfica la poesía Revolución de Saúl Yurkevich. En este texto, el escritor platense trabaja sobre los conceptos de revolución, inestabilidad y subversión del orden establecido. “Las sillas se sentarán sobre nosotros, seremos encendidos por los fósforos” escribe Yurkevich, describiendo una atmósfera de grandes cambios.
La obra coreográfica retoma estas ideas sugiriendo situaciones que van tejiendo un clima de tensión y de constante desequilibrio. Los intérpretes atravesados por las fuerzas en pugna de esa experiencia humana, asumen diversos “roles”, nunca son los mismos: a veces son quienes accionan, otras veces los que esperan, se agrupan, conspiran, confrontan, fracasan y vuelven a intentar.
El espacio escénico tiene reminiscencias de un ring de box. La obra recorre ciertos lugares de lucha primaria y visceral, como los contenidos en esa metáfora.
Esta obra se estrenó durante la I Bienal de Arte organizada por la UNLP en el año 2010 que tuvo como eje principal la conmemoración del Bicentenario de la Revolución de Mayo. +
La performance ENSAYO ALCALINO retoma la línea de investigación que llevaba adelante la diseñadora y performer, Clara Tapia, desarrollando Acciones de Vestuario en las cuales “sin demasiadas pretensiones armaba un vestido desde la exploración física”. Después de la presentación de O mais alto en La Grieta, se asoció con Daniela Camezzana para profundizar la relación de estas acciones con el espacio escénico y el cuerpo de la artista.
Así surge este trabajo pensado originalmente para la vidriera de Charo Perelli (496 entre 20 y 21, Gonnet), un cubo de vidrio de 3,50 x 2,50 emplazado en el frente de una vivienda. Durante la presentación, el público siguió desde la vereda la secuencia de acciones (corte, confección y tratamiento del textil) mediante las cuales la performer realiza una prenda, que luego fue exhibida durante una quincena en el espacio/vidriera. +
A partir de un texto poético de autoría propia, que luego fue entregado a los asistentes, se trabajó en la realización de un cruce entre la sutileza - derivada de procesos de búsqueda interior apenas perceptibles externamente- y el lenguaje de la música electrónica. Se intentó sensibilizar la comunicación y la empatía, en una relación guiada por las miradas cruzadas a través de la vidriera.
El interrogante inicial cuestiona si quien mira, alcanza realmente a ver a quien observa, buscando provocar, interpelar, dejar al espectador en un estado de sensibilidad hacia lo que sucede a su alrededor. Aún cuando eso tengo lugar en niveles de energía sutil, a priori imperceptibles. +
La obra está inspirada en distintos estudios y ensayos sobre la naturaleza del bien y el mal, los hemisferios cerebrales y su forma de interactuar, el rol de la sociedad como ente enajenante, el rol de la familia disfuncional y sus consecuencias en el individuo, trastornos de personalidad, reivindicación de las libertades individuales, etc. Todo ello desemboca en el proceso autodestructivo del individuo incapaz de dejar racionalizar todo aspecto de su vida y su ser llevándolo a la inevitable alienación. +
F
'''Fakir I''' es el cuarto de una serie de cuatro solos escénico-performáticos reunidos bajo el título '''Las formas de la presencia y sus emanaciones''' -proyecto elaborado a partir de la investigación física y teórica en torno a las nociones de visibilidad-invisibilidad, presencia-ausencia, aparición-desaparición.
'''Fakir I''' es una performance duracional para ser realizada en la vernissage de un museo de arte. Se sitúa en la línea exploratoria del ''Ordeal Performance Art'' y propone la exhibición y experiencia sensorial-motriz de la performer al interior de un cubículo con 45 kilos de hielo durante el tiempo que dura la vernissage. +
Fierro está inspirada, de algún modo, por las imágenes y usos del cuerpo que aparecen en el Martín Fierro de José Hernández, y por las lecturas y re-significaciones que de él hacen Jorge Luis Borges, Ezequiel Martínez Estrada y nosotros mismos desde nuestra actualidad, desde una perspectiva poético-política. +
Formas de hablar de las madres de los mineros mientras esperan que sus hijos salgan a la superficie +
La obra surge como una continuación del trabajo grupal comenzado [[Intersticios]]. Al asomarnos a la poética de Veronese, más específicamente a la de Formas de hablar… volvemos a encontrar un mundo “extrañado”, que nos invita a crear nuevas estrategias dramatúrgicas y a profundizar las ya conocidas. Explorando un lenguaje escénico que nos permita habitar una vez más y de otro modo, el sin sentido. Desde su texto, Daniel Veronese nos ofrece un mundo que deseamos habitar teatralmente como grupo, un mundo que sólo puede ser nombrado en escena, nos invita a “…transitar un misterio que no (se) necesita explicar…”, “…un teatro inquietante porque rompe con la idea de saber pleno…”(R. Szuchmacher) Un teatro en el que actor y personaje se desdoblan permanentemente generando así un sinfín de teatralidades y puestas en abismo. Además, Formas de hablar… nos permite investigar aquellos espacios expresivos que habitan la escena desde lo fantasmal, desde aquello que se define por la acción que no se hace y que se nombra por lo omitido. Nos habilita, por lo tanto, a acercarnos a la idea central de la obra usando y pensando la idea de “… la desaparición como entidad, como aquello que no se nombra, aquello que no se dice, y en eso no solamente están los desaparecidos, está todo aquello que no se puede nombrar” (R. Szuchmacher). El texto de Veronese, remite directamente al universo kafkiano, particularmente al relato Ante la ley, y a la novela El Proceso. Nos muestra además una sucesión de escenas y situaciones de claro tinte expresionista y por ende nos propone un alejamiento del tratamiento realista del espacio escenoplástico, lumínico, sonoro y de la actuación. +
La obra está basada en dos hechos controvertidos de la Historia Argentina, cuyas protagonistas son Camila O'Gorman y Manuela de Rosas y Ezcurra.
La primera, fue fusilada el 18 de agosto de 1848, embarazada, con 23 años de edad. La condena fue la culminación del escándalo público que provocó la huida de la niña con
Ladislao Gutierrez, cura de la parroquia Nuestra Señora del Socorro, de la ciudad de Buenos Aires. Su muerte fue reclamada por unitarios y federales.
Manuela de Rosas y Escurra, hija de Juan Manuel de Rosas, nació el 24 de mayo de 1817. A la muerte de su madre en 1838, comenzó a ocupar una posición política destacada que la llevó a ser reconocida en el mundo de la política. +
Fútbol. Una tragedia plantea la hibridación de dos mundos espectaculares: el fútbol y el teatro griego clásico. De esta manera, se buscará retomar el concepto wagneriano de “obra total”, donde un elemento esencial, siguiendo la poética de Aristóteles, como la fábula se vea tensionada y reconfigurada por un uso igualitario de los diversos sistemas que conforman el acontecimiento escénico. Así, el cuerpo, sus acciones y desplazamientos, el uso de la arquitectura propia de la sala de una cancha de futbol 5 o de un potrero, el texto y el campo sonoro, serán la base de la exploración de espacios e imaginarios posibles que vayan más allá de lo escénico reducido a un espacio teatral y cuando no intimista. En este sentido, se propone el fútbol ya que es un deporte popular presente en todo el mundo y que nuclea y atraviesa diagonalmente múltiples actores sociales, individuales, colectivos e institucionales. A su vez, por este motivo mencionado, puede ser un primer lugar de encuentro y lenguaje común, como lo podría ser la matemática, presente en diversas culturas donde sería interesante partir de las coincidencias para luego encontrar y profundizar en los matices. Esto último, en un sentido dramatúrgico habilita la indagación de los usos del lenguaje y sus argot, pequeños elementos locales que friccionen con el texto clásico universal. Por otra parte, propone un campo fértil y común para indagar sobre las realidades latino e iberoamericanas. Entonces, ¿qué sucede cuando se lo lleva a escena? ¿Cómo es atravesado por otros posibles núcleos temáticos: los vínculos y ejercicios de poder, las problemáticas sociales y otras existenciales, el destino, el azar, los arreglos, las decisiones, los espacios y sus límites (alambres, fosas, campo de juego), etc.? ¿Qué fuerzas canaliza que permitan ver nuestra humanidad reflejada en el acto, qué nos habla de nosotros mismos? ¿Qué miedos, temores, fortalezas, angustias podemos contemplar y extraer? Provocar, entonces, un acontecimiento que nos saque de la cotidianidad y de la superficialidad en la que nosotros y lo espectacular estamos inmersos. Siguiendo lo planteado anteriormente, se propone entonces, tomar la tragedia de Esquilo “Los siete contra Tebas”. En el ella encontramos una batalla inminente, la resolución del conflicto entre los herederos de Edipo, un capítulo más en las desgracias que acompañan a los labdácidas. Siete caudillos de cada ejército, siete defensores de las siete puertas, siete atacantes, dos capitanes: Etéocles y Polinices. En esta estructura vemos claramente el pensamiento dialéctico, el agón y la posibilidad de tener dos equipos rivales de 7 jugadores, un picado entre dos facciones de un barrio, en el barro del potrero, de la cancha sin arcos, un partido a muerte súbita. Cuerpos agotados, violentados, trabados en la lucha por la pelota en el uno contra uno, un partido de fútbol que se asemeja a una danza o una pelea de boxeo. Acciones que ocurren en un espacio reducido, acciones que se empastan en el barro y en el deseo de la victoria, ¿qué están dispuestos a hacer? ¿por qué hacen lo que hacen y persisten en el intento? La posibilidad, a su vez, de jugar con las reglas de la tragedia, cuándo respetarlas o romperlas. En la obra original nunca escuchamos a esos cuerpos hablar, lo que acontece de la batalla nos llega a través de los ojos de los espías, que relatan y comentan, ¿es posible darles voz? ¿o quedará relegada a algún relator aficionado? Otros elementos: el coro, la hinchada; el corifeo, el jefe de la barra brava. El apriete, las presiones. La voz colectiva del coro en las tribunas. Se trata, entonces, como sugiere Zizek en el prólogo de su Antígona, de una “reescritura oportunista”, algo “propio de las culturas premodernas” que rompe con “la idea de fidelidad al original, una característica propia de la modernidad”. ¿Qué piezas podemos traer de aquella realidad pre-moderna y readaptar a nuestro presente? ¿Qué procedimientos y elementos trascienden el tiempo? Así, se irá interpelando estas primeras imágenes, pequeñas situaciones e intuiciones buscando las voces, imágenes y las materialidades performáticas, plásticas, audiovisuales y coreográficas posibles para su realización. Asumiendo, por lo tanto, pasar del lenguaje de la imaginación, relegado al poder del lenguaje corriente, al de la realidad sensible inconforme con la mera significación y descripción de la acción. Esto último, en el sentido de poder profundizar un eje de trabajos anteriores: la presentación de lo real como posibilidad de producir diversas realidades y por ende, multiplicidad de lecturas y provocaciones.
G
La Ferviente se sumerge en la exploración de lo multidisciplinar en la escena. Sospechan, dudan y arriesgan el éxito de sus lenguajes por la convivencia, por entrenarse en la tarea de lidiar con la diferencia. +
Obra creada en el marco del Taller de Ópera de La Compañía Itinerante. +
H
El humor es sabido que es una herramienta poderosa para reflexionar de una manera directa, sobre las complejidades de lo humano.
En Habemus Quorum una reunión de cinco propietarios de un edificio parece nunca llegar a su fin. Cinco seres comunes, solitarios, disímiles entre sí, cuatro hombres y una mujer que llevan la trama hacia lugares insospechados y desopilantes, en situaciones llenas de humor y de ironía.
La imposibilidad de resolver las cosas, el conflicto de intereses y las historias personales serán la excusa perfecta para poner a jugar a estos personajes, forzados a compartir un momento inusitado de sus vidas para mostrarse de una manera insospechada.
Sus propias obsesiones no los dejarán separarse hasta no resolver los problemas inconclusos.
Estos personajes, carentes de sentido en sus vidas personales, no comprenden que son sus propias insatisfacciones las que los conducen a aferrarse a situaciones que los harán olvidar sus vacíos existenciales. Así, es cuando el caos y la locura afloran, que aparece el disfrute placentero y la belleza que profundizan el sentido de sus existencias.
La música original, la singularidad de la puesta en escena y la multimedia hacen que el espectador se sumerja en el mundo de estos personajes hilarantes, para ser testigos directos de cómo en el inútil intento por lograr una unificación de criterios hace que todo se complique. La grieta ya estará abierta y lo único que podrá salvarlos tal vez sea ese honorable acto heroico y casi teatral de estar juntos. Quién lo sabe, tal vez...
Habemus Quorum es una obra de humor escrita en forma colectiva por el grupo de actores, coordinados por la actriz, dramaturga y directora, [[Gabriela Izcovich]], responsable del ritmo y las marcaciones de los actores en el recorrido de la obra.
Los criterios dramatúrgicos de Habemus Quorum se conformaron a partir de una serie de propuestas temáticas, las que luego de ser improvisadas actoralmente se volcaron al papel como escritura teatral y de allí otra vez a la escena para volver a ser probadas actoralmente en el ensayo, en un proceso que va del cuerpo al papel y del papel al cuerpo.
En el caso de '''Habitación Ventana''' se trabajó principalmente con dos conceptos:
La danza como masturbación (tomando esta idea de André Lepecki en ''Agotar la danza'')
El sueño de la razón moderna como engendrador de monstruosidades debido a su pretensión de domesticación y silenciamiento del cuerpo.
Estas ideas se discutieron al interior del equipo y se estableció una puesta en escena en el dormitorio, que articulaba la relación sexual sin contacto de estos personajes, pero sí con la casa, atravesada por las tensiones que implican los conceptos nombrados.
Se utilizó una conversación propia grabada y un fragmento del ''Requiem'' de Mozart en el plano sonoro. +
Nuestra motivación siempre fue la de conectar con los deseos espontáneos que surgían a la hora de expresarse con los recursos a disposición. Tratando de que cada gesto tuviera la fuerza de lo genuino. +
Lo que motivo a adaptar este viejo cuento de los hermanos Grimm fue tratar de poder dejar una enseñanza a los niños, que las familias deben permanecer unidas por más que tengan dificultades en la vida. +
La idea surge de la Directora de la obra, como necesidad de recuperar las ideas y pensamientos plasmados en cartas que su abuelo Haroldo, le enviaba a su abuela cuando estaba preso por el Plan Conintes desde el año 1960 al 1963, quien era dirigente gremial en ese entonces. Recuperar el espíritu de una época de lucha del pueblo Argentino, principios de muchos hombres y mujeres que en los años 60 y 70 lucharon por un país diferente: libre de los intereses económicos de una clase social reducida y extranjera. Un país más justo para los más humildes; luchadores que hicieron callar con su desaparición +
Este trabajo forma parte de un proyecto más general titulado '''Las formas de la presencia y sus emanaciones''', conformado por una serie de cuatro solos escénico-performáticos elaborados a partir de la investigación física y teórica en torno a las nociones de visibilidad-invisibilidad, presencia-ausencia, aparición-desaparición. +
I
Florencia: Viste el video del abrazo de Pina…en Café Muller?
Jerónimo: Si, único…
Florencia: Creo que lo vi mil veces…
Jerónimo: Se podría hacer una obra partiendo de esa imagen...
Dos lenguajes?.. Uno?.. Un híbrido?..
Instante 9 indaga, no tanto en el entrecruce, sino en la relación y comunicación entre un lenguaje y otro. No lo definiríamos exclusivamente como un experimento, es un dialogo. Actor y bailarina dialogan no con la palabra sino con los movimientos y acciones que producen sus herramientas, sus cuerpos. La discusión es formal y por ende física. El resultado de dicha “charla” es la obra. +
