Propiedad:Motivacion
De Nodos
Esta es una propiedad de tipo Texto.
L
La obra fue creada en el marco del proceso que se lleva a cabo en el último año de la tecnicatura de actuación. Los alumnos de actuación III junto con su docente despliegan un proceso de acercamiento a distintos materiales a partir del involucramiento de la subjetividad deseante individual y colectiva. Se sondea, explicita y consecuentemente se hacen existir premisas que irán relacionando materiales, literarios, teatrales y pertenecientes a todos los lenguajes que se integran en la puesta en escena.
La dramaturgia, basada en una novela, tuvo el objetivo de traducir el género narrativo al teatral. Bajo esa premisa los actores y los docentes trabajaron en una creación colectiva que dio como resultado la puesta en escena final, arribando a una versión libre y muy propia. +
En principio la motivación fue investigar la tensión entre la ficción y la realidad. Poner en cuestión qué pasa cuando lo autobiográfico ingresa a la escena, ¿hay fronteras entre la ficción y la verdad? A partir de ahí se inició una deriva, cómo se reconstruye el relato de una vida, qué sucede con el recuerdo, cómo se construye la identidad. Y en el ensayo descubrir que este proceso no tiene fin, y que una biografía puede también ser el registro de las cosas que cambian. El tema devino forma y la obra laboratorio de prueba que no consigue una forma final ni fija, sino que muta. No hay progresión, hay acumulación: lo trabajado forma un estrato, que aún en ausencia flota en la obra, le da espesor. Podemos decir que el proceso creativo no termina, ya que mientras haya proceso habrá obra y posibilidad de preguntas. +
La niebla que todo lo borra nació en Las cosas no tienen paz, un taller dictado por Laura Valencia y Fabiana di Luca. +
El texto y los personajes surgieron a partir de improvizaciones que buscaban explorar los vínculos entre una madre y sus hijas. +
La obra surge como proyecto de tesis de la Licenciatura en Composición de la Facultad de Bellas Artes de la UNLP. Para ese proyecto, el compositor Ramiro Mansilla Pons tuvo la necesidad de generar una obra en la que confluyeran el trabajo de distintas disciplinas artísticas.
El trabajo demandó ocho meses. En primer lugar, se establecieron reuniones de trabajo entre el compositor y la dramaturga, a los fines de darle un marco al proyecto. Posteriormente, se establecieron procesos individuales, primero de escritura del guión seguido de la composición musical. Luego se llevaron a cabo los ensayos de las cantantes, a la vez se diseñaron la escenografía y el vestuario. Finalmente, se programaron los ensayos generales con la orquesta.
El texto y la música, como se señaló anteriormente, son producciones originales de Mariela Anastasio y Ramiro Mansilla Pons, respectivamente. +
Surgió de una iniciativa individual de Diana Rogovsky, pero se retomaron elementos de trabajos previos realizados en conjunto.
La obra se gestó en tres meses, como una creación específica para el [[Festival Danzafuera]], ensayando en el lugar específico dos veces por semana tres horas cada vez. +
La motivación estuvo dada por los interrogantes escritos anteriormente. En un mundo mediatizado, invasivo, y con un enorme poder de persuasión es muy difícil saber qué es lo que sucede realmente. +
Cronología de “Una Promesa, sobre la trágica muerte de Elisa Brown” o “Le agregué un sueño (Una Promesa)”
“Una Promesa, sobre la trágica muerte de Elisa Brown” o “Le agregué un sueño (Una Promesa)” es el resultado de haber sido elegido Proyecto ganador del Programa de Coproducciones 2008/2009 El Teatro y la Historia hacia el Bicentenario Comedia de la Provincia de Buenos Aires.“Una Promesa” estrenó el sábado 4 de diciembre de 2010 en La Casa de las Tías (La Plata) con la actuación de Luciana Lima, Cabe Mallo y Juan Pablo Thomas.Las funciones en 2011 en La Casa de las Tías; año en el que además “Una Promesa” se presentó en el III Festival de la Comedia Municipal 2011, desarrollado en el mes de abril en Pasaje Dardo Rocha. Durante 2011 también se realizó una instalación con el vestuario, los objetos y fotografías de la obra durante “Una fiesta debajo del mundo”, el evento realizado en el marco de La Plata Arde II, la plataforma para artistas locales organizada por el [[TACEC]] en el Teatro Argentino (La Plata).
En 2012, la obra fue reversionada cambiando, a partir de entonces, su nombre por “Le agregué un sueño (Una Promesa)”; contando con la actuación de Luciana Lima, Cabe Mallo y Juan Trinidad; y reestrenándose en El Sótano (La Plata); lugar donde continuó presentándose durante el año 2013.
Esta nueva versión de la obra es el producto de la creación conjunta de Luciana Lima, Cabe Mallo, Juan Pablo Thomas, Lucía Savloff, Juan Trinidad y Laura Valencia. +
“Lo Discepolín” es un proyecto que nace de la profunda admiración por el poeta de la angustia moderna, Enrique Santos Discépolo.
Es nuestra intención homenajearlo con un recorrido por su intensa y veloz vida, llena de éxitos y fracasos que dieron lugar a su poesía. +
En 2014, Compañía Danseur redobla la apuesta con Lo que no querés ver (las princesas
no cagan), en la cual desde la danza - teatro transita el propio mundo de la danza y sus devenires. Dicha obra ha sido inspirada en las experiencias de la directora y coreógrafa, y en las improvisaciones de los intérpretes de la Compañía.
Compañía Danseur estrena Lo que no querés ver (las princesas no cagan) en noviembre de 2014, realizando cuatro funciones en Espacio Cultural Urbano los días 14, 21 y 28 de noviembre, y 7 de diciembre de 2014. En 2015, se presentó nuevamente con cuatro funciones en abril y una función en agosto, ambas en el mismo Espacio. En 2016, junto a Utopía Producciones, realiza una única presentación en el Hotel B.A.U.E.N. Cooperativa de Trabajo. +
La motivación para esta obra fue el deseo de contar con el cuerpo y gesto una historia. Todo el grupo venia desde lugares individuales muy ligados a las artes del movimiento pero teníamos como factor común el teatro en su sentido mas puro. Queríamos contar de una manera diferente. Nos gusta mucho utilizar también la música para componer el imaginario. +
Es un proyecto de multiplicación de los espacios, que pretendan existir para seguir produciendo. Diversos canales, cada vez más difundidos, permiten actualmente ver registros de obras y procesos escénicos de los que de otro modo, sólo unos pocos hubieran sido espectadores; sin embargo, la gran mayoría de estas obras no fueron creadas para ser vistas por este medio sino para ser realizadas ante un público presente en el mismo espacio-tiempo. La plataforma virtual que surge de este proyecto busca profundizar la exploración de las herramientas que nos brinda la Web sumando a estas inquietudes, la pregunta acerca de los modos en los que las comunicaciones a través de este medio construyen nuevas formas de intimidad. ¿Quién es ese otro que del otro lado me observa?
“Ya no quedan distancias, las paredes se cayeron, resulta difícil distinguir a alguien entre la multitud, encima las personas se ocultan, buscan encerrarse y solo quedan en sus huecos, todos juntos pero solos.
No hay más espacio, parece ser que todo flota en el aire, y finalmente cualquier cosa es inalcanzable. Resultó ser que todo se perdió, en algún momento quedamos sin nada, y no nos dimos cuenta porque estábamos distraídos.
Entonces solo quedamos nosotros, aquí mismo parados en el medio de la nada, sin poder medirnos nos seguimos buscando, tratando de llegar al otro lado de algún modo. Solo me resta ofrecerte mi lugar para alojarte, es efímero, es mío y está en ningún lado. Te lo dejo para que no te pierdas y podamos trazar un nuevo mapa, un recorrido entre todos nuestros lugares para poder aproximarnos.” +
M
"... No son libres, en cambio, los caminos del éxodo humano.
En inmensas caravanas, marchan los fugitivos de la vida imposible.
Viajan desde el sur hacia el norte y desde el sol naciente hacia el poniente.
Les han robado su lugar en el mundo.
Han sido despojados de sus tierras.
Los náufragos de la globalización peregrinan inventando caminos…”
Eduardo Galeano
Nuestra propuesta nace de la necesidad de buscar y crear un espectáculo que acaricie todos los sentidos de quienes participan del hecho teatral: actrices/bailarinas y espectador activo, formando una dialéctica para concretar un código común, una experiencia donde el lenguaje teatral y el lenguaje de la danza se entrecrucen, se interpelen y se retroalimenten.
Investigamos el mito Medea, el por qué de su vigencia y en qué lugares de nuestro cotidiano está presente. ¿Cómo se cuela el mito a través del tiempo y del espacio, en la progresión de la historia?
En cada abordaje de este mito, en cada lectura de sus adaptaciones dramáticas, en cada película analizada, fuimos develando una esencia más profunda que la historia de una mujer que mata a sus hijos. En cada indagación, descubrimos nuevas rutas para seguir a esta Medea, y en esas rutas encontramos nuevas Medeas para reconstruir sus historias. Por detrás de todo eso vimos madres, mujeres, hijas, con culturas diferentes, en tierras extrañas, buscando un terruño que les devuelva su ser y su paz y allí encontramos a los desterrados de siempre, los sin tierra, los hijos arrancados de sus madres; al “avance de la humanidad” que no reconoce diferencias, y que aplasta, entierra, a quien tiene menos fuerza, menos poder: menos.
Luchas, guerras, muertes...
Destruir para construir.
¿Será posible renacer? +
un conmovedor homenaje a Delfina y Pancho Ramírez +
Fue un proceso que tuvo pausa, se empezó en abril del 2012, para formar parte de una performance que se presentaba el 25 de junio en el puente avellaneda, al conmemorarse los 10 años del asesinato de Darío Santillán y Maximiliano Kostequi, se ensayaba una vez por semana y llegando al estreno se sumaron algunos ensayos más, después del estreno de la performance los ensayos fueron esporádico y en agosto del 2013, se cambió el elenco y comenzamos nuevamente tomando como punto de partida lo realizado el año anterior, los ensayos fueron una vez por semana sin pausa y al acercarse la fecha de estreno se incrementaron hasta a 3 veces por semana. +
“É um trabalho delicado, vou entendendo como posso pedir a mecha, como me aproximo, e crio uma pequena relação, até que esta pessoa se convence em deixar sua mecha de cabelo por alguma afinidade”.
O Telar de trama de cabelos disponível ao olhar do outro em um espaço expositivo é o objeto de mediação entre o artista e o público estabelecendo uma relação entre estes no momento que o outro se sinta a vontade de deixar uma mecha de seu próprio cabelo mesmo na ausência do próprio artista que criará depois uma relação que pode começar do virtual ou do presencial em diferentes intensidades e disponibilidade das partes envolvidas. A sugestão de possibilidade de trocas é o tema que abrange todo o objeto de composição. +
La motivación y dirección de la investigación de este proyecto fue individual, los encuentros eran de 3 horas, una vez a la semana y hasta el estreno hubo aproximadamente 3 meses de investigacion. El proceso continuó después del estreno y la obra se fue modificando, ya que se trabajaba con la improvisación como medio de creación. La obra es un dúo de improvisación, en el cual hay una dirección pero la creación es individual de cada integrante. +
‘Montaraz’ ofrece al espectador un estimulante despliegue de las posibilidades de los cuerpos femeninos, así como el singular tratamiento de la violencia y los vínculos, evidenciando que la fuerza y la potencia no son atributos exclusivos de la masculinidad. +
“¿Qué creo que puede haber después de la muerte?
¿Cómo se ve un cuerpo en agonía? ¿Que observamos
de un cuerpo atravesado por el miedo a morir?”
El cuerpo atravesado por el miedo. En este proyecto
nos proponemos investigar el miedo a la muerte y la
desaparición del cuerpo físico. Trabajaremos sobre la
fragilidad, el ahogo y el pánico acentuando y
delineando distintas zonas del cuerpo de los intérpretes.
Las obstrucciones en el cuerpo, el flujo de la
energía y los movimientos externos serán tomados
como elemento para la búsqueda de un cuerpo
negado, un cuerpo furioso, un cuerpo temeroso y un
cuerpo expectante.
Una obra de Lucho Cejas
Nos interesa desarrollar una mirada crítica sobre el
miedo a la muerte, jerarquizando las sensaciones
internas del cuerpo ausente y la desaparición del
movimiento. Poner a prueba la idea del estado del
cuerpo en el umbral entre lo presente y lo ausente. +
Al cumplirse 10 años de la Masacre de Avellaneda, surge la obra a partir de una motivación individual, si bien hubo ideas y momentos definidos en el transcurso de la creación por los intérpretes. El proceso se inició en abril del 2012, para formar parte de una performance que se presentó en el puente de Avellaneda con motivo del décimo aniversario. +
