Propiedad:Motivacion
De Nodos
Esta es una propiedad de tipo Texto.
L
La motivación para esta obra fue el deseo de contar con el cuerpo y gesto una historia. Todo el grupo venia desde lugares individuales muy ligados a las artes del movimiento pero teníamos como factor común el teatro en su sentido mas puro. Queríamos contar de una manera diferente. Nos gusta mucho utilizar también la música para componer el imaginario. +
Es un proyecto de multiplicación de los espacios, que pretendan existir para seguir produciendo. Diversos canales, cada vez más difundidos, permiten actualmente ver registros de obras y procesos escénicos de los que de otro modo, sólo unos pocos hubieran sido espectadores; sin embargo, la gran mayoría de estas obras no fueron creadas para ser vistas por este medio sino para ser realizadas ante un público presente en el mismo espacio-tiempo. La plataforma virtual que surge de este proyecto busca profundizar la exploración de las herramientas que nos brinda la Web sumando a estas inquietudes, la pregunta acerca de los modos en los que las comunicaciones a través de este medio construyen nuevas formas de intimidad. ¿Quién es ese otro que del otro lado me observa?
“Ya no quedan distancias, las paredes se cayeron, resulta difícil distinguir a alguien entre la multitud, encima las personas se ocultan, buscan encerrarse y solo quedan en sus huecos, todos juntos pero solos.
No hay más espacio, parece ser que todo flota en el aire, y finalmente cualquier cosa es inalcanzable. Resultó ser que todo se perdió, en algún momento quedamos sin nada, y no nos dimos cuenta porque estábamos distraídos.
Entonces solo quedamos nosotros, aquí mismo parados en el medio de la nada, sin poder medirnos nos seguimos buscando, tratando de llegar al otro lado de algún modo. Solo me resta ofrecerte mi lugar para alojarte, es efímero, es mío y está en ningún lado. Te lo dejo para que no te pierdas y podamos trazar un nuevo mapa, un recorrido entre todos nuestros lugares para poder aproximarnos.” +
M
"... No son libres, en cambio, los caminos del éxodo humano.
En inmensas caravanas, marchan los fugitivos de la vida imposible.
Viajan desde el sur hacia el norte y desde el sol naciente hacia el poniente.
Les han robado su lugar en el mundo.
Han sido despojados de sus tierras.
Los náufragos de la globalización peregrinan inventando caminos…”
Eduardo Galeano
Nuestra propuesta nace de la necesidad de buscar y crear un espectáculo que acaricie todos los sentidos de quienes participan del hecho teatral: actrices/bailarinas y espectador activo, formando una dialéctica para concretar un código común, una experiencia donde el lenguaje teatral y el lenguaje de la danza se entrecrucen, se interpelen y se retroalimenten.
Investigamos el mito Medea, el por qué de su vigencia y en qué lugares de nuestro cotidiano está presente. ¿Cómo se cuela el mito a través del tiempo y del espacio, en la progresión de la historia?
En cada abordaje de este mito, en cada lectura de sus adaptaciones dramáticas, en cada película analizada, fuimos develando una esencia más profunda que la historia de una mujer que mata a sus hijos. En cada indagación, descubrimos nuevas rutas para seguir a esta Medea, y en esas rutas encontramos nuevas Medeas para reconstruir sus historias. Por detrás de todo eso vimos madres, mujeres, hijas, con culturas diferentes, en tierras extrañas, buscando un terruño que les devuelva su ser y su paz y allí encontramos a los desterrados de siempre, los sin tierra, los hijos arrancados de sus madres; al “avance de la humanidad” que no reconoce diferencias, y que aplasta, entierra, a quien tiene menos fuerza, menos poder: menos.
Luchas, guerras, muertes...
Destruir para construir.
¿Será posible renacer? +
un conmovedor homenaje a Delfina y Pancho Ramírez +
Fue un proceso que tuvo pausa, se empezó en abril del 2012, para formar parte de una performance que se presentaba el 25 de junio en el puente avellaneda, al conmemorarse los 10 años del asesinato de Darío Santillán y Maximiliano Kostequi, se ensayaba una vez por semana y llegando al estreno se sumaron algunos ensayos más, después del estreno de la performance los ensayos fueron esporádico y en agosto del 2013, se cambió el elenco y comenzamos nuevamente tomando como punto de partida lo realizado el año anterior, los ensayos fueron una vez por semana sin pausa y al acercarse la fecha de estreno se incrementaron hasta a 3 veces por semana. +
“É um trabalho delicado, vou entendendo como posso pedir a mecha, como me aproximo, e crio uma pequena relação, até que esta pessoa se convence em deixar sua mecha de cabelo por alguma afinidade”.
O Telar de trama de cabelos disponível ao olhar do outro em um espaço expositivo é o objeto de mediação entre o artista e o público estabelecendo uma relação entre estes no momento que o outro se sinta a vontade de deixar uma mecha de seu próprio cabelo mesmo na ausência do próprio artista que criará depois uma relação que pode começar do virtual ou do presencial em diferentes intensidades e disponibilidade das partes envolvidas. A sugestão de possibilidade de trocas é o tema que abrange todo o objeto de composição. +
La motivación y dirección de la investigación de este proyecto fue individual, los encuentros eran de 3 horas, una vez a la semana y hasta el estreno hubo aproximadamente 3 meses de investigacion. El proceso continuó después del estreno y la obra se fue modificando, ya que se trabajaba con la improvisación como medio de creación. La obra es un dúo de improvisación, en el cual hay una dirección pero la creación es individual de cada integrante. +
‘Montaraz’ ofrece al espectador un estimulante despliegue de las posibilidades de los cuerpos femeninos, así como el singular tratamiento de la violencia y los vínculos, evidenciando que la fuerza y la potencia no son atributos exclusivos de la masculinidad. +
“¿Qué creo que puede haber después de la muerte?
¿Cómo se ve un cuerpo en agonía? ¿Que observamos
de un cuerpo atravesado por el miedo a morir?”
El cuerpo atravesado por el miedo. En este proyecto
nos proponemos investigar el miedo a la muerte y la
desaparición del cuerpo físico. Trabajaremos sobre la
fragilidad, el ahogo y el pánico acentuando y
delineando distintas zonas del cuerpo de los intérpretes.
Las obstrucciones en el cuerpo, el flujo de la
energía y los movimientos externos serán tomados
como elemento para la búsqueda de un cuerpo
negado, un cuerpo furioso, un cuerpo temeroso y un
cuerpo expectante.
Una obra de Lucho Cejas
Nos interesa desarrollar una mirada crítica sobre el
miedo a la muerte, jerarquizando las sensaciones
internas del cuerpo ausente y la desaparición del
movimiento. Poner a prueba la idea del estado del
cuerpo en el umbral entre lo presente y lo ausente. +
Al cumplirse 10 años de la Masacre de Avellaneda, surge la obra a partir de una motivación individual, si bien hubo ideas y momentos definidos en el transcurso de la creación por los intérpretes. El proceso se inició en abril del 2012, para formar parte de una performance que se presentó en el puente de Avellaneda con motivo del décimo aniversario. +
O
Estos objetos son parte de una investigación doctoral que reflexiona sobre las relaciones entre la memoria y el proceso de creación en el arte contemporáneo. Los “dibujos maleables” utilizados en esta acción fueron producidos en 2012 y 2013 en la ciudad de Porto – Portugal, y toman como principio las memorias procesuales, o sea, las que corresponden a las operaciones físicas y procesos necesarios para se realizar una acción, recuperados dentro de una memoria episódica que envuelve los recuerdos de eventos especificos vividos, que detienen detalles de la época (tiempo, lugar, emociones) y de la situación en las cuales fueron adquiridas. No solo la confección de esta estructura es mirada como un proceso de dibujo, en un contexto espacial fuera del papel – un diagrama que estabelece las condiciones de donde emerge la figura. También la manipulación del maleable se experimenta como un acto de dibujo, mobilizando en su acción diversos aspectos visuales y hápticos de la percepción. La confección del maleable tiene duración de 80 horas de trabajo. La tecnica es una trama con cuatro hilos de tejido que cresce como una serpiente. La interacción de los participantes con los maleables es espontanea, no tiene una coreografia previa. En este juego de percepciones y interacciones, no solo quién está en acto de dibujo que vive una experiencia estética, pero también quién está afuera mirando la otra persona dibujar en el espacio con el maleable, son “multiexperiências”, como ya apuntó Helio Oiticica en los años 60. En esta acción no hay una determinación específica sobre la cantidad de tiempo, pues quién decide el inicio y el fin del juego son los jugadores. El tiempo es lo de la experiência del jugador, un tiempo subjetivo, simbólico. +
La motivación principal del trabajo fue explorar una de las acciones cotidianas más simples: el estar de pie. +
El motivo de la obra fue unir diferentes disciplinas artísticas como la escultura, la poesía, la fotografía y la danza, para de esta manera experimentar la influencia de unas sobre otras, observando como la forma, el color, la música, el espacio y el sentimiento modifican al cuerpo, que lo expresa y comunica desde el movimiento.
La motivación de la obra fue de carácter colectivo. +
La motivación fundacional de la obra fue la inundación en nuestra ciudad aquel 2 de abril del 2013 siendo la misma individual por parte de la Directora General. +
P
En 2015, Compañía Danseur realiza una apuesta intensa desde la creación e interpretación, dando el puntapié inicial que marca el camino que desea recorrer: el de contar historias y generar en el público un sentimiento, una idea, una reflexión.
Compañía Danseur estrena Placebo en noviembre de 2015, realizando cuatro funciones en Espacio Cultural Urbano los días 6, 13, 20 y 27, teniendo fecha de reposición para marzo y abril de 2016 en el mismo Espacio y para el mes de septiembre en el Teatro La Mueca. +
Este es un proyecto que tenemos con cinco actrices que entrenaron y se formaron en el Taller de Teatro que doy actualmente en el Galpón de La Grieta. En las clases quedamos muy involucradas con algunos temas de investigación y varias preguntas sobre las cuales reflexionar. Por un lado el cuerpo, su materialidad y su fuerza, por otro la convicción de que la actuación es el relato y no el sostén de un texto, o que el relato está escindido de la actuación. También en la idea de construir lenguaje que singularice esta obra; llámese lenguaje a todo, todo aquello que habita el universo del teatro. Nos propusimos salir de la mesa, las cuatro sillas y el living, investigar objetos y materia en profundidad sabiendo que no tienen paz y alojan en "sí" universos de sentidos. En esa dirección partimos y hoy queremos abrir esta experiencia y probar el material y que sea visto; sabemos que se desarrollará y florecerá con la mirada de las y los espectadores.
Paradisíacas es simplemente experiencia poética, esto nos abre un mundo en el instante finito de la escena y nos permite opinar sobre los modos en que funciona un cuerpo entre otros cuerpos: un colectivo, un cuerpo social.
Laura Valencia +
La obra se propone como un trabajo específico sobre el cuerpo. Parte de una visión del mismo como objeto de estudio en sí mismo, pleno de conciencia de su materialidad.
Cada intérprete accede a una particular visión de su cuerpo, partiendo de pautas comunes a todas, y a partir de las cuales se irá desenvolviendo una manera propia de entenderlo: nos encontramos con cuerpos a los que le faltan partes; se traban buscando destrabarse; erigen recorridos, trazan líneas o circuitos; cruzan el espacio, recortándolo o exploran dinámicas del movimiento; se arman y desarman constantemente, se fragmentan, se parten.
En este sentido se entiende al cuerpo como referente en sí mismo y no como instrumento o medio de imitación. No parte de esquemas narrativos previos ni recurre a sistemas ajenos al mismo accionar corpóreo. Es un “cuerpo problema” que plantea interrogantes, se revela complejo, manipulable, alterable (o alterado). El movimiento en la particularidad de cada cuerpo construye su propio lenguaje. Se consigue así una disparidad de posibilidades de abordaje hacia la construcción de movimiento.
Necesariamente este tipo de obra comporta un tipo de espectador. Activo, que construye sentidos. Toda práctica hermenéutica implica necesariamente un sujeto, lo interpela, lo reforma; y éste a su vez accede a la obra desde unas coordenadas que lo definen históricamente, saberes previos y expectativas puestas en suspenso. Preguntar por aquello que se descubre como otro. Reconocer la alteridad es arriesgar un pre- juicio, rehacerlo y deshacerlo constantemente, en un avance hacia la interpretación, las varias de ellas. +
La particularidad de este proyecto se relaciona al método y el modo de llevar a cabo el proceso de creación, esto es, la propuesta se basa en la realización de una obra de teatro "desde cero". A partir del interés de los actores y la propuesta del director de hacer una obra en conjunto, y que tuviera la condición de empezar su creación "desde la nada", es que convocan a los demás participantes. Esta idea, que busca apartarse de las formas tradicionales de los procesos de composición teatral, sostiene que cada uno de los integrantes forme parte y se involucre, al mismo nivel, de un modo horizontal en la propuesta creativa. Así es que desde los diferentes roles se aportan ideas, sugerencias, cambios, incluso en relación a aspectos que corresponderían a otro rol; porque se consideran valiosos los saberes específicos y por otro lado no se los establece como incuestionables o inmutables. +
Play with Bubbles tiene como orígen la memoria de mi infancia donde jugava con pompas de jabón con mis amigos en la calle de mi casa, y que la cantidad de borbujas que se explotavan en el coche de mi vecino dejaba marcas en la pintura y en los vidrios, dejandolo nervioso. Dentro de un contexto de investigación doctoral, buscamos encontrar procesos de dibujo determinados por transferencias de uso (mecanismos creativos y cognitivos mediante los quales el dibujo presta o adopta padrones de otros procesos, sustituyéndolos en sus própios medios y soportes - Antony Howell) con otros domínios performativos, como la propia acción de hacer borbujas de jabón. Es decir, en la transferencia de uso hay un redireccionamiento que no implica la presencia del cuerpo. El coche no está presente, pero una reproducción en escala real lo sustituye. Los actos performativos peligrosos, de má conducta o penosos son dirigidos a la representación visual, como actos fingidos – cuyo objetivo no se cumple. Esta acción usa el dibujo del coche como sustituto de lo real, donde el juego de la infancia puede ser recordado. El dibujo asume una función performativa, es experimentado como lugar e inscripción de una acción que es como un performativo infeliz. Esta propuesta piensa el juego libre como estrategia de creación para el início del proceso creativo, un juego sin reglas que, a lo largo del tiempo, podrá constituir sus propias reglas y que, a su vez, podrán ser rompidas. Lo que se pretende es iniciar el “juego” a partir de rememoraciones del pasado (como conductas restauradas – Richard Schechner), y verificar como esse “juego” puede ampliar y desarrollarse. La acción es colaborativa, donde los participantes juegan al improviso, es un acontecimiento real, sin ensayos. +
"En mi casa he reunido juguetes pequeños y grandes, sin los cuales no podría vivir.
El niño que no juega no es un niño, pero el hombre que no juega perdió para siempre al niño que vivía en él y que le hará mucha falta.
He edificado mi casa también como un juguete y juego en ella de la mañana a la noche.
Pablo Neruda, "Memoria" +
