Propiedad:Motivacion
De Nodos
Revisión del 20:53 23 feb 2016 de Facu (discusión | contribuciones) (Se creó una propiedad de tipo Has type::Texto)
Esta es una propiedad de tipo Texto.
A
Decimos sobre NOSOTRAS:
existen amistades políticas, eso dice la socióloga María Pía López en una nota que enseguida tomamos como parte de las lecturas a las que volvemos. Desde que nos cruzamos así vivimos nuestro encuentro, trabamos una complicidad afectuosa nutrida por las ganas de pensar nuevas formas (para nosotras) de intervenir en la vida pública y en la escena.
Por eso, en el sentido estricto, no somos una compañía pero decidimos trabajar acompañadas una de la otra, construyendo un espacio de colaboración, confianza y disfrute. Enlazamos nuestras experiencias y formaciones disimiles; sorteamos los mismos temores y limitantes; compartimos una edad; peleamos hoy contra las mismas cosas en una realidad que requiere gestos sensibles y meditados.
Sentimos que es nuestro tiempo de abrazar las ideas e acariciarlas bailando.
Entrevista radial sobre el trabajo: https://soundcloud.com/user-26403147/radio-universidad-i-entrevista-a-jorgelina-morgan-9-03-17 +
Alegoría es un trabajo solista de Lucía Toker, quien se dedica a la investigación, creación e interpretación en danza. Desde hace tiempo, se encuentra desarrollando proyectos propios centrados en la performance urbana y la improvisación como sistema de trabajo, presentados en distintos ciclos y festivales de la ciudad de Buenos Aires y La Plata. Actualmente desarrollo un proyecto personal llamado MUTANTE. Una obra en constante cambio.
Como bailarina intérprete integra la Compañía Andante dirigida por Víctor Campillay y ha realizado distintos trabajos con directores como Ivan Haidar, Ana Garat, Silvina Grinmberg y Roxana Galand, entre otros. +
La obra surgió a partir de la invitación a participar del ciclo Supervivencias (coordinado por Diana Rogovsky y Renée Zgainer). Este ciclo invitaba a crear obras en un tiempo breve y con una modalidad intensiva, en vinculación con los espacios que se ofrecían para realizarlas. En este caso un centro cultural emplazado en una casa antigua.
A partir de esta propuesta, el grupo construyó una obra en la que se exploran y tematizan las vinculaciones entre los mundos del arte y la investigación académica y los modos en los que estos y otros mundos se enlazan en cada una de las mujeres que lo integran, de modos ligados, en muchos casos a la monstruosidad. +
En un primer momento la motivación fue el texto realizado por Keko LeMoal y Rolando Canelo, a partir de adaptaciones de tres obras de Cortázar, el cual en su momento se denominaba: TripticoCortazar. Luego comenzaron las múltiples puestas y composiciones por las que pasaron cada una de las escenas; prueba y error que transformó tanto texto como idea inicial de cómo habitaban los cuerpos cada situación.
El proceso para llegar al espectáculo que hoy trabajamos, en total duró 4 años. Pasamos por distintos elencos, dispositivos escenográficos, distintas dinámicas y apropiaciones de espacios. Por lo general, cada escena/instalación tenía su grupo de actores y un director, que a su vez era un compañero que actuaba en otra escena/instalación; se juntaban entre una y dos veces por semana, según la necesidad que demandaba el proceso. La composición final de cada escena surgía (y surge) de cada elenco que trabaja específicamente en ellas. Después, en una segunda instancia, todo el grupo ve los productos finales y hacemos una lectura integral con devoluciones para abordar la idea de la obra, y para que las escenas/instalaciones tengan un mismo lenguaje. En la actualidad, no consideramos que sea un producto acabado, sino que se sigue ajustando, repensando y creciendo ante una lectura crítica y vital de cada uno de los participantes que conforman La Joda Teatro. +
La propuesta artística nace de la idea de crear un espectáculo que pueda transmitir algo de la esencia del gran músico argentino Atahualpa Yupanqui. Pretendemos en la puesta en escena recuperar, así como él lo hizo con el folklore, las raíces del teatro, el carácter de juego y rito del hecho teatral.
“Un deseo profundo vive en mí: ser un día el rostro de una sombra sin imagen alguna, y sin historia. Ser solamente el eco de un canto apenas acorde que señala a sus hermanos la libertad del espíritu…”, decía Atahualpa, y tomando este texto como hoja de ruta, nos introdujimos en el mundo de Roberto Chavero, más precisamente en su poética visión del mundo.
En ese viaje por su vida y por su historia, rescatamos su búsqueda recurrente por transmitir el silencio, hacerlo canción, hasta llegar a tenerle rabia por ser un desafío y una búsqueda inabarcable.
Decidor, más que cantor, andador de caminos, que a cada paso se encontraba con gentes que alimentaban sus versos. Cada copla que escuchaba, la metía dentro de sus bagajes, para trasmitirlas, para seguir plantando raíces en diferentes tierras, sin ninguna que lo detenga.
Logró llevar los versos de la montaña a los valles, de la pampa a los mares, cruzó líneas preestablecidas, ayudó abrir caminos y surcos, él acostumbrado a decir “que es demasiado aburrido seguir y seguir la huella”, repartió versos para que cada quien haga su propio camino.
Y es así que hoy, muchos jóvenes piensan que “El arriero” es una canción de Divididos, una especie de profecía cumplida: Atahualpa creía en que las canciones no tienen dueño, y es así que sus versos siguen volando, cabalgando por el viento para que diferentes artistas los recuperen para mantenerlos “como abrojo en la memoria”.
Para crear este espectáculo pensamos como primeros destinatarios adolescentes. ¿Por qué? Porque ellos, justamente, están en plena etapa de búsqueda, de preguntas, de emociones, de pensar y repensar los límites para romperlos, para transformarlos, para generar nuevos horizontes.
Atahualpa Yupanqui, transformó el folklore recuperándolo y transmitiéndolo.
Proponemos un espectáculo que recupere lo ritual, tanto folklórico, como teatral, recuperar el espíritu de juego, de peña, de reunión. Que se base en transformar la poesía en metáfora escénica, caminar por la cornisa de montañas y valles, para que ese camino nos modifique y nos motive a reflexionar en cada paso. Para conocernos y para reconocernos.
B
Bajo un sol de sílice es una propuesta escénica que trabaja en principio sobre el vínculo que se establece entre el cuerpo de una actriz y el espacio que la rodea. Jugando con los límites de lo teatral y lo performativo, el espacio es un interrogante que cruza constantemente todos los componentes del espectáculo: los objetos, la luz, el vestuario, la voz y cuerpo de la actriz. En él se lanzan las preguntas que crean el imaginario, ¿Cómo aparecer y desaparecer? ¿Cómo suspenderse o seguir la gravedad? ¿Cómo se deambula? ¿Cómo encontrar el espacio entre los espacios? ¿Qué lectura sensible se desprende de la relación ambigua entre el espacio (lo concreto) y lo invisible? ¿Cuáles son sus límites?
¿Cómo tocarlo o negarlo? +
Muestra anual de la Escuela de Danzas Clásicas de La Plata. +
C
La obra surge del deseo de trabajar con el paisaje de mi infancia. Con el Arroyo Rodriguez y la carga simbólica del Barrio Nirvana de Gonnet. Surge también de una pregunta sobre la trama textil de la red, como herramienta de acopio, como metáafora de la seducción y también como un lazo social +
Canción Cantada surge de la necesidad de crear un espectáculo desde los materiales que aparecieron en el espacio de entrenamiento grupal. Materiales de índole práctico-creativa nacidos como respuesta a preguntas tales como: ¿cuáles son las diferencias entre espacio de investigación técnica y espacio de investigación creativa? ¿Qué diferencias y similitudes existen entre el entrenamiento físico y el vocal? ¿Cuáles son los diálogos y entrecruzamientos posibles entre dramaturgia del cuerpo, del espacio, del actor, del autor, del director? Encaramos además este proceso de creación, a partir de ciertos interrogantes sobre la memoria del cuerpo, la del individuo y la memoria “social” y cuáles podrían ser los elementos que las constituyen. +
Carcassonne explora la re-significación de las palabras, alejándolas de las convenciones tradicionales, tomando usos del lunfardo, el “slang”, y las construcciones contemporáneas; con el fin de continuar y exacerbar la evolución del lenguaje hacia nuevas significaciones y usos de las mismas palabras y gestos. Así como “tirar onda” puede significar seducir, o emitir una frecuencia determinada (según se tome su sentido metafórico o literal), Carcassonne construye gradualmente distintos universos de construcciones metafóricas que cobran sentido sólo en contextos determinados, permitiéndose indagar, a través de las interpretaciones, cómo sería la convivencia entre las personas con esas nuevas significaciones de la lengua española; y cómo continuaría evolucionando (o involucionando) el uso de ésta. +
Carne oscura y triste ¿qué hay en ti? es un proceso que va desde la etnografía antropológica hasta la acción escénica, desde la instalación visual hasta el teatro. En él dos actores se adentran en el mundo de los cosecheros de yerba mate (tareferos) de la provincia de Misiones, para dar cuenta del ser tarefero a través de una poética de la cultura. Con textos documentales de Rafael Barrett sobre los mensú -antecesores históricos de los tareferos-, extractos de entrevistas realizados a lo largo de una investigación sociológica y música original del folclorista Chango Spasiuk, la obra hilvana un argumento de imágenes, sonidos, olores y palabras sobre las maneras de ser, estar, hacer y sentir tareferas a lo largo del destino trágico de la pobreza. +
La creación de Cerrito parte del deseo de explorar en escena los vínculos afectivos insertos en un discurso sin aparente conexión: el de la ciencia ficción y el relato fantástico. Con esta premisa, los actores improvisaron durante varios meses hasta generar un imaginario propio y un material textual que se convertiría en la materia prima de la obra. La narración fragmentada y por momentos vertiginosa, va dejando pistas en el camino, invitando al espectador a construir su propia versión de la historia.�
Con claras referencias a obras literarias, televisivas y cinematográficas del género fantástico, varios relatos se van entrelazando irrumpiendo de una realidad a otra. La música original, el vestuario y la escenografía, son parte fundamental en la creación de este particular universo. +
El origen de esta puesta parte de una motivación personal del director, compartida oportunamente por el actor.
El tiempo de ensayos fue de cuatro meses, con un promedio de encuentros de 4 veces por semana de 2 hs. 30 mits. +
El deseo de investigar y entrenar grupalmente hizo que surgiera la obra. Fue apareciendo a partir de imágenes y diversos textos, entre ellos Prohibido suicidarse en primavera de Alejandro Casona. El trabajo principal fue que cada actor pudiera �extender� su narrativa y poética en el marco de los personajes para los que habían sido seleccionados, teniendo en cuenta la historia previa de los mismos y las que ellos fueron sumando después. �En este sentido, se trata de una dramaturgia colectiva. +
Muestra de la residencia Cuerpos y memorias en diálogo, coordinada por [[Nemecio Berrio Guerrero]], y realizada como parte de las actividades del V [[ECART Encuentro Platense de Investigadorxs sobre Artes Escénicas y Performáticas]].
La residencia fue un espacio de investigación, creación, con y para la Danza. Se generó un proceso de creación colectiva atravesado por el concepto de memoria como motor e insumo simbólico que conectó a los dos países Colombia y Argentina.
Se pensó en la memoria desde los cuerpos como patinas se pensó en la memoria como símbolo de residencia.
Fue un proceso de investigación con preguntas en relación a la memoria como dispositivo para la creación colectiva a partir de la reflexión y los insumos artísticos y estéticos que aportó la danza afrocolombiana contemporánea de Permanencias "Swahili" como metodología de formación y creación. +
El disparador del trabajo fue la lectura del libro Hacia un teatro pobre de Grotowski, en el que se detalla cuales son las características que separan al teatro de las otras expresiones artísticas. Además, fue elemental el interés de crear una obra con el poema de Poe. +
Céfiro 15.15 es una reinterpretación de una obra de música y video (instalación sonora y visual) llamada Céfiro. En la nueva versión se incorporó el lenguaje de la danza a los lenguajes preexistentes: la música y el video y se acotó la duración a 15minutos y 15 segundos. La misma fue creada de modo colectivo para el Ciclo En 2tiempos. Itinerarios de danza y mediaciones tecnológicas, organizado por la Prosecretaría de Arte y Cultura de la UNLP. El material preexistente era por un lado motivador además de fuertemente relacionado con la temática de los Itinerarios y por otro lado dado el poco tiempo que teníamos para investigar en esta línea, resultaba facilitador arrancar desde una base prefigurada.
La dramaturgia es el resultado de la interacción de los distintos artistas que intervinieron en las distintas etapas de creación, incluidos los bailarines. +
D
La actriz española Margarita Xirgú partió de gira con su compañía desde España hacia América en enero de 1936.
El dramaturgo y poeta Federico García Lorca promete encontrarse con ella unos meses más tarde en México, pero estalla la Guerra Civil Española que toma al autor como parte de sus víctimas siendo uno de los primeros asesinados por esa dictadura.
La actriz no puede regresar a su patria y toma la decisión de mantener viva la obra del poeta en toda América, siendo Yerma uno de los textos más interpretados y dirigidos por ella durante su exilio que se extiende hasta su muerte, 33 años después. +
'''Un Sueño'''
“(…) Banfield es, por sobre todas las cosas, el sitio que eligieron mis abuelos para vivir, por lo tanto Banfield es mi historia, una historia sureña, más barrial que porteña.
México es un destino necesario, un punto crucial en la historia americana, un lugar de origen, y, especialmente por esto, es que yo lo elijo como meta. Quisiera transitar un camino de encuentro para llegar a un origen.
Si elijo México es también por capricho. No hay que dudarlo.
Mi objetivo es conocer, conocerme, darle sentido a cada paso, encontrarme con la gente que puebla el oeste americano y también dar lo que llevo.
¿Y que llevo?
Llevo títeres. Esta legendaria actividad, este oficio que hice mío sin permiso. Llevo mi pasión. El sueño en bandolera y unas ganas vivas de compartir momentos.
No busco otra riqueza que la del corazón, la del riesgo, la de saberme permeable, la de crecer, la de estar.
Quisiera en algún lugar de América encontrar el verbo estar, para fundirme, aunque sea por un minuto, en el paisaje. (…)”
''Fragmento extraído del libro “De Banfield a México 1992 - 2004”, Sergio Mercurio (2016) Ed. El Banfileño, Banfield.'' +
El interés está puesto en investigar las capas que componen a ese personaje, no solo a través del lenguaje dramatúrgico y kinético sino también a través del armado en vivo del espacio y de los matices y texturas que componen la escenografía. Ir en búsqueda de un personaje, develar su mecanismo de construcción para luego habitar ese espacio de contradicciones. ¿Cómo construyo mi propio escenario? +
