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Fecha de estreno: 10/12/2022
Una obra de: Danza
Género: Danza

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Fecha de estreno: 09/12/2023
Lugar de estreno: La Filial
Una obra de: Danza
Género: Danza

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Género: Danza, Teatro, Danza-teatro

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"Más vale tener mala suerte que no tener suerte alguna”
Vendemos humo.
A través de diferentes procesos de creación aleatorios imbricados en los cuerpos de los artistas, esta propuesta de colaboración creativa transita por situaciones, imágenes y danzas en relación a diversos leitmotiv. La obra se sumerge en la esencia del tiempo "random", donde pueden suceder cosas inesperadas o, incluso, la nada misma. Exploraremos las tensiones innecesarias que surgen de la espera por lo que debería o querríamos que suceda, así como los sincericidios y excusas múltiples que habitan en nuestras experiencias diarias. Todo esto se plasmará en escena a través de cuerpos y ausencias de ellos, virtualidades, realidades paralelas y el desplazamiento de las "no-cosas" frente a las cosas contingentes. "RANDOM" abordará temáticas universales como el tiempo, los límites, el amor y el desamor, los accidentes y choques de la vida, la mirada de les otres y la intensidad emocional. Invitaremos al público a sumergirse en esta experiencia de alta tensión, donde cada instante será una fiesta de posibilidades, una cacería de significados y una danza que sirve para todo<brdata-attributes="data-mce-bogus=%221%22" />

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Lugar de estreno: Octopo
Una obra de: Fernanda Tappatá
Género: Danza

Sinopsis

Testigo de miedos, juegos, Vértigos, alegrías desbordantes y horas para disfrutar estar sucia y despeinada. Una perspectiva totalmente diferente a la de los pies sobre la tierra. ¿Cuántas hamacas nos sobreviven?¿Cuántas historias vieron pasar? Un objeto cuyo entorno habitual es el afuera se ve extrañado en el adentro y genera inquietud como todo lo que se encuentra fuera de lugar

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Fecha de estreno: 20/08/2016
Lugar de estreno: La Grieta
Una obra de: Florencia Olivieri
Formato: Espectáculo,
Género: Danza, Danza contemporánea,

Sinopsis

Puede ser desplegada en varias posibles obras… según el punto de vista del que la mira...

Motivación

Reversible propone el encuentro de uno con el otro, de uno en el cuerpo del otro, de uno con su otro, de uno con su propia multiplicidad. La obra permite participar del movimiento mostrado en su reversibilidad de verse reflejado en el otro como un espejo del que mira y es mirado. REVERSIBLE invertido, cambiado, re-interpretado. Cada parte de la obra suma una RE-VERSIÓN a esta idea de reversibilidad.

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Reversible confunde y funde los bordes entre las disciplinas, se pregunta se cuestiona sobre el límite y sobre la interpretación. Reversible juega con la mirada y se ríe de las posiciones solemnes interpreta con humor este momento actual donde danza teatro se funden y confunden uno con el otro. REVERSIBLE también plantea un juego con el espectador, que puede ubicarse de un lado o el otro de la escena descubriendo el revés de la trama.

Obra seleccionada en La Noche de la Danza. Ministerio de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires. 2017.

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Fecha de estreno: 05/05/2012
Lugar de estreno: Pasaje Dardo Rocha
Una obra de: Diana Rogovsky
Basada en: Martín Fierro, José Hernandez
Formato: Escena,
Género: Danza contemporánea,

Sinopsis

Lo anacrónico es contemporáneo.Lo contemporáneo es anacrónico.Lo que está a la moda es demodée, siempre.(Giorgio Agamben)

Motivación

Fierro está inspirada, de algún modo, por las imágenes y usos del cuerpo que aparecen en el Martín Fierro de José Hernández, y por las lecturas y re-significaciones que de él hacen Jorge Luis Borges, Ezequiel Martínez Estrada y nosotros mismos desde nuestra actualidad, desde una perspectiva poético-política.

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Fecha de estreno: 01/06/2013

Sinopsis

Confundir, diversificar, entrelazar, desdibujar y entremezclar los límites entra varón y mujer; humano, animal, vegetal y mineral; rostro y cuerpo; global y latinoamericano, arcaico y contemporáneo; inmanencia y trascendencia; danza profesional y no profesional. Desde una propuesta metafórico corporal y de una puesta en escena que integra una investigación en el campo de las artes visuales.

Motivación

Este proyecto de danza en construcción surge de varias ideas y deseos tales como:-Crear una danza hecha por cuerpos no marcados por las técnicas instauradas de la danza actual-Crear una danza hecha por seres de carne y hueso, no etéreos y musculosos y entrenados en nombre de la eficiencia virtuosa- Crear una danza bailada por cuerpos que ya nos son tan jóvenes, impolutos y semi-perfectos, sino seres cuya historia y erótica ha dejado marcas y huellas en sus cuerposIdeas-fuerza:# los límites entre varón y mujer se entrelazan, entremezclan, confunden y se diversifican# los límites entre humano y animal se entrelazan, entremezclan, confunden y diversifican# los cuerpos evidencian su erotismo humano, animal, cósmico# la tierra puede ser el mar, el mar puede ser la tierra y un manto que cubre, como el firmamento# el rostro se desdibuja, junto con la identidad subjetiva estable, tras una máscara# la idea de conexión entre vegetal, animal, humano, mineral, atraviesa la producción# la idea de circulación entre arcaico y contemporáneo, local y global, inmanente y trascendente, latinoamericano y occidental, atraviesa la producción

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El proceso fue siempre colectivo. Se realizaron varias reuniones previas al proceso de ensayo en las que se discutieron ya acordaron criterios estético-políticos, se investigá sobre música y artistas visuales y se plantearon los lineamientos del trabajo. Nos reunimos y ensayamos durante un año y medio previo al estreno con un promedio de dos veces por semana entre 2 y 3 hs. por encuentro. Es de creación propia, tomando elementos del poema que está presente en la música elegida.

Sobre el grupo

Se creó especificamente para la obra.

Programa

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Lugar de estreno: Espacio Foli
Una obra de: Florencia Riafrecha
Género: Danza,

Sinopsis

Habitamos la constante transformación de un presente que acarrea mil testimonios ancestrales y uno más. Siguiendo un mandato con vistas al fracaso, buscamos la danza de una carta astral. ¿Cuánto hay de real? ¿Cuántas danzas? ¿Quién legitima a quién? Aquí lo tradicional se come a sí mismo en un intento de ocultar las rasgaduras del museo vivo. En la búsqueda por enfrascar el aire y conceptualizar el deseo, aparece algo tan simple como una sonrisa y el susurro de alguna voz que viene de algún pasado que alguna vez sintió algún temblor.

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No se contó con ningún subsidio.

Sinopsis

Una sanción. Cuatro estudiantes sin teléfono celular. Una hora para escribir las disculpas por sus errores. ¿Quién responde a sus preguntas? ¿Quién atiende a sus reclamos? ¿Quién está del otro lado?

Reseña Colaborativa

"En el transcurso de la obra queda al descubierto la distancia entre lo que puede ser una interpretación institucional y parental (…) Por un lado, la institución y los padres como mundo adulto, que les exige responsabilidad, obediencia, rendimiento, y por otro lado están estos pibes que a partir de este encuentro comienzan a cuestionar algunas cosas y cobrar una conciencia de empoderamiento, de saberse con derechos y con necesidad de ser escuchados también por el mundo adulto." (Reseña de Tómalo con calma, Radio Provincia FM 97.1)

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La obra pertenece al programa Patios del Recreo de la Asociación de Teatristas Independientes para Niños/as y Adolescentes (ATINA

<brclass="mw_emptyline_first" /><brclass="mw_emptyline" />) y contó con el subsidio del Instituto Nacional del Teatro.¡BIENVENIDES A NODOS!

Para comenzar podés navegar por el contenido de nodos de acuerdo a las siguientes categorías:

• Obras
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• Espacios
• Grupos
• Eventos, Ciclos y Festivales

Más adelante iremos incluyendo nuevas categorías de búsqueda.

Ubicación de los espacios

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Sinopsis

En el año 17 el río, el mar, el bosque, lloraron sangre. Vení a encontrar eso que también somos.

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En el año 17 el río, el mar, el bosque, lloraron sangre. Vení a encontrar eso que también somos.<brdata-mce-bogus="1" />

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Fecha de estreno: 12/02/2022
Una obra de: Diana Rogovsky
Género: Danza

Sinopsis

Exploración a partir del sentido del olfato y de un cuerpo entre cuatro paredes que suena y busca salir un poco de sí mismo.

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Esta obra se estrenó en Campo Estrellado Vol. I

Las funciones en Vil Teatro forman parte del ciclo Satélites de amor

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Fecha de estreno: 22/10/2011
Lugar de estreno: Crisoles Centro de Arte
Una obra de: Máximo Calabrese y Markos Spanevello
Género: Teatro

Sinopsis

Es otro día normal en la Oficina de Trámites complejos. Gustavo afina su guitarra, Sampaoli organiza el mate, Móni lee la revista, Torito le sirve el desayuno a sus mascotas y Olga estrena pantuflas. Pero a la inesperada visita de Pedraza, el jefe, se le suma la noticia que a partir de mañana, empezará a trabajar un nuevo compañero, enviado especialmente por el viejo Pellejero, el Director general. La sorpresa y el pánico se apoderan de ellos. Está claro que a partir de mañana, la Oficina de Trámites complejos, no será la misma.

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Equipo técnico:Eugenia Kubli, Laura Roldán, Ignacio Vaello
Música original:Rodrigo De caso y Pedro Chabán
Fotos:Espacio f
Diseño:Modhus
Producción:Squadra

Sinopsis

Córdoba, año 1821. Las fuerzas del ejército federal comandadas por el caudillo entrerriano Francisco Ramírez, han sido diezmadas. Sin otra salida que la retirada, emprenden no obstante lo que será la última batalla. Delfina, la amante de Ramírez, pelea como un soldado más a la par de su hombre. Es alcanzada por el enemigo y cuando estaba por ser vejada es salvada por el caudillo quien recibe una descarga en el pecho y muere en el campo de batalla. El Supremo es decapitado y su cabeza es llevada y expuesta como trofeo en el cabildo de Santa Fe. Tras largos días de huida, la Coronela junto a los pocos soldados sobrevivientes, logran cruzar el Paraná y descender hasta el Arroyo de la China donde –agotada- se recluye entre las paredes de su casa. A partir de este día siniestro, no habrá noche en la que Delfina no reviva en sus pesadillas la tragedia, acosada por el dolor y la culpa.

Motivación

un conmovedor homenaje a Delfina y Pancho Ramírez

Reseña Colaborativa

María Delfina es un eslabón del género trágico, casi extinguido por su complejidad. No basta un dilema, ni un acto de hybris, ni el fobos, ni la intransigente fatalidad, son necesarios además, la vehemencia en la palabra, el texto sublime, la épica y la dulzura de la poesía en los parlamentos de los personajes, los precisos movimientos corporales que no pierden la elegancia para afirmar que la obra se enmarca dentro de lo trágico. Marta Ledri Profesora en Castellano, Literatura y Latín. Investigadora y escritora de crítica literaria.

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Funciones Especiales

Más sobre la obra

- Obra seleccionada para la programación de la XVI edición del Festival Iberoamericano de teatro "Cumbre de las Américas", Mar del Plata 2021

- Obra seleccionada en el Programa "Intervenciones escénicas a cielo abierto", INT 2021.

- Obra incluida en el catálogo de difusión virtual del 1° Congreso Internacional Virtual de Teatro Morón 2020 Espectáculos, pensamiento, docencia Zona de Obra y Espectáculos | septiembre 2020.

- Obra programada dentro del marco del evento "El Museo no duerme", Ciclo artístico y cultural organizado por la Dirección de Cultura de la ciudad de Gualeguaychú. Museo Azotea de Lapalma, febrero del 202.

- Obra declarada de interés municipal por decreto del Presidente Municipal dr Esteban Martín PIAGGIO, decreto 628/2020.

- Obra seleccionada y programada para la II Edición del Festival Escena Gualeguaychú, diciembre de 2019.

Sinopsis

Sobre la obra: Ganadora del CONCURSO NACIONAL DE ACTIVIDADES PERFORMÁTICAS EN ENTORNOS VIRTUALES del INSTITUTO NACIONAL DEL TEATRO. Sinopsis: “La invención de mi belleza” es un monologo acerca de un hombre que ante el dolor y las heridas ocasionadas por la perdida, ha decidido crear a lo largo de su vida universos ficcionales como fugas hacia la belleza. Filosofa y delira en su fantasía, cuestiona su modo de existencia, así como el modo de existencia del mundo, según los patrones culturales hegemónicos. Indaga paisajes inciertos, pasiones, obsesiones y sueños queriendo encontrar la casa, el nido, la herida y la cicatriz. Reafirma a la creación como un acto sublime, que paradójicamente le da libertad y también lo condena.

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Más sobre la obra

Actor: Alejandro Miguel Labaronne.Synopsis:<brdata-attributes="" />“The Invention of My Beauty” is a monologue about a man who, faced with the pain and wounds caused by loss, has decided to create fictional universes throughout his life as escapes towards beauty. Philosophical and delirious in his fantasy, he questions his mode of existence, as well as the mode of existence of the world, according to hegemonic cultural patterns. He investigates uncertain landscapes, passions, obsessions and dreams wanting to find the house, the nest, the wound and the scar. It reaffirms creation as a sublime act, which paradoxically gives it freedom and also condemns it.

About the work:

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Lugar de estreno: Teatro Dynamo
Una obra de: Jazmín García Sathicq
Temas: La pandemia barrió todas las categorías socioculturales de normalidad, una normalidad que era brutal, despiadada, llena de violencia de desigualdad, de corrupción. Los valores humanos, las costumbres socioculturales, la construcción de los vínculos y los códigos relacionales están en jaque a través del distanciamiento social. En la obra una mujer, los interpela, interpelándose a sí misma. Ella atraviesa la cuarentena en un momento crítico de su vida, donde replantea la construcción de su historia. Ésta es una historia que plantea que comenzar otra historia es necesario. Una historia nueva, inédita, renegada de todo lo vivido anteriormente, de toda tradición hasta ahora conocida. Que ahora hay que crearlo todo. Ésta es una historia de vínculos, vínculos de solidaridad, cooperación. Hay algo que debemos aceptar, el mundo no será igual cuando termine la crisis, nadie sabe cómo será, el mundo va.
Género: Teatro

Sinopsis

LA PANDEMIA, LA EXISTENCIA Y LOS VÍNCULOS INTERPERSONALES: La pandemia barrió todas las categorías socioculturales de normalidad, una normalidad que era brutal, despiadada, llena de violencia de desigualdad, de corrupción. Los valores humanos, las costumbres socioculturales, la construcción de los vínculos y los códigos relacionales están en jaque a través del distanciamiento social. En la obra una mujer, los interpela, interpelándose a sí misma. Ella atraviesa la cuarentena en un momento crítico de su vida, donde replantea la construcción de su historia. Ésta es una historia que plantea que comenzar otra historia es necesario. Una historia nueva, inédita, renegada de todo lo vivido anteriormente, de toda tradición hasta ahora conocida. Que ahora hay que crearlo todo. Ésta es una historia de vínculos, vínculos de solidaridad, cooperación. Hay algo que debemos aceptar, el mundo no será igual cuando termine la crisis, nadie sabe cómo será, el mundo va. SINOPSIS: Nigel, es una incipiente escritora, de 50 años, se encuentra en una casa de campo que le fué prestada. Está atravesando una crisis existencial, post separación, e inesperadamente se desata la pandemia del Covid-19, y se queda allí varada sin poder regresar a la ciudad, dado el decreto de aislamiento social, preventivo y obligatorio. Es una persona llena de miedos, ensimismada en “nubes” de pensamiento articulados por libre asociaciones, desconfiada, insegura, reticente a vincularse con lxs demás, sin embargo, éste devenir de hechos que le toca vivir, le va mostrando otra cara de la vida, donde las personas con las que se cruza y se ve obligad a socializar le revelan otros sentidos, otros colores del mundo, otra forma de belleza, nuevas maneras de relacionarse, solidaridad, cooperación. Nigel se entrega a comenzar otra historia, nueva, inédita, renegada de lo vivido anteriormente, de toda tradición hasta ahora conocida. Porque el mundo no es igual, no será igual cuando termine la crisis, nadie sabe cómo será, el mundo va. Jazmín García Sathicq.

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Más sobre la obra

LA PANDEMIA, LA EXISTENCIA Y LOS VÍNCULOS INTERPERSONALES:<brdata-attributes="class=%22mw_emptyline_first%22" /><brdata-attributes="class=%22mw_emptyline%22" />La pandemia barrió todas las categorías socioculturales de normalidad, una normalidad que era brutal, despiadada, llena de violencia de desigualdad, de corrupción. Los valores humanos, las costumbres socioculturales, la construcción de los vínculos y los códigos relacionales están en jaque a través del distanciamiento social. En la obra una mujer, los interpela, interpelándose a sí misma. Ella atraviesa la cuarentena en un momento crítico de su vida, donde replantea la construcción de su historia.Ésta es una historia que plantea que comenzar otra historia es necesario. Una historia nueva, inédita, renegada de todo lo vivido anteriormente, de toda tradición hasta ahora conocida.Que ahora hay que crearlo todo.Ésta es una historia de vínculos, vínculos de solidaridad, cooperación.Hay algo que debemos aceptar, el mundo no será igual cuando termine la crisis, nadie sabe cómo será, el mundo va.<brdata-attributes="class=%22mw_emptyline_first%22" /><brdata-attributes="class=%22mw_emptyline%22" />SINOPSIS:Nigel, es una incipiente escritora, de 50 años, se encuentra en una casa de campo que le fué prestada. Está atravesando una crisis existencial, post separación, e inesperadamente se desata la pandemia del Covid-19, y se queda allí varada sin poder regresar a la ciudad, dado el decreto de aislamiento social, preventivo y obligatorio. Es una persona llena de miedos, ensimismada en “nubes” de pensamiento articulados por libre asociaciones, desconfiada, insegura, reticente a vincularse con lxs demás, sin embargo, éste devenir de hechos que le toca vivir, le va mostrando otra cara de la vida, donde las personas con las que se cruza y se ve obligad a socializar le revelan otros sentidos, otros colores del mundo, otra forma de belleza, nuevas maneras de relacionarse, solidaridad, cooperación. Nigel se entrega a comenzar otra historia, nueva, inédita, renegada de lo vivido anteriormente, de toda tradición hasta ahora conocida. Porque el mundo no es igual, no será igual cuando termine la crisis, nadie sabe cómo será, el mundo va.Jazmín García Sathicq.<brdata-attributes="class=%22mw_emptyline_first%22" /><brdata-attributes="class=%22mw_emptyline%22" />CRÉDITOS DE LA OBRA:<brdata-attributes="class=%22mw_emptyline_first%22" /><brdata-attributes="class=%22mw_emptyline%22" />Actuantes:Bettina Giorno NigelNora Oneto Mujer Madre Mario Cotourne Chico trans Florencia Zubieta Puestera Julio Salerno Hombre Escenografía.Margarita Dillón Iluminación:Liliana Caseres Vestuario:Analia Seguezza Música:Vladimir Zegarra Toledo Ph: Diego Chapay Asistencia de Dirección y Producción: Emmanuel Franca Dramaturgia y Dirección:Jazmín García Sathicq<brdata-attributes="class=%22mw_emptyline_first%22" /><brdata-attributes="class=%22mw_emptyline%22" />Nota Diario EL DIA:<brdata-attributes="class=%22mw_emptyline_first%22" /><brdata-attributes="class=%22mw_emptyline%22" />https://www.eldia.com/nota/2021-10-1-3-56-35-los-cielos-encima-buscando-una-historia-nueva-espectaculos<brdata-attributes="class=%22mw_emptyline_first%22" /><brdata-attributes="class=%22mw_emptyline%22" />Ingles:THE PANDEMIC, EXISTENCE AND INTERPERSONAL LINKS:The pandemic swept away all sociocultural categories of normality, a normality that was brutal, ruthless, full of violence, inequality, corruption. Human values, sociocultural customs, bond building, and relational codes are in check through social distancing. In the play, a woman questions them, questioning herself. She goes through the quarantine at a critical moment in her life, where she rethinks the construction of her story.This is a story that states that starting another story is necessary. A new story, unpublished, denied all that has been experienced before, of all tradition known up to now.That now we have to create everything.This is a story of bonds, bonds of solidarity, cooperation.There is something we must accept, the world will not be the same when the crisis ends, nobody knows what it will be like, the world is going.Synopsis:Nigel, a fledgling writer, 50 years old, is in a country house that was loaned to her. She is going through an existential, post-separation crisis, and unexpectedly the Covid-19 pandemic breaks out, and she remains stranded there without being able to return to the city, given the decree of social, preventive and mandatory isolation. He is a person full of fears, absorbed in "clouds" of thought articulated by free associations, distrustful, insecure, reluctant to bond with others, however, this becoming of events that he has to live, is showing him another side of life , where the people with whom he meets and is forced to socialize reveal other senses, other colors of the world, another form of beauty, new ways of relating, solidarity, cooperation. Nigel surrenders himself to begin another story, new, unpublished, renegade from what has been lived before, from every tradition so far known. Because the world is not the same, it will not be the same when the crisis ends, nobody knows how it will be, the world is going.Jazmín García Sathicq.WORK CREDITS:Cast:Bettina Giorno NigelNora Oneto Female MotherMario Cotourne Trans boyFlorence Zubieta PuestoteraJulio Salerno ManScenography.Margaret DillonIllumination:Liliana CaseresLocker room:Analia seguezzaMusic:Vladimir Zegarra ToledoPh: Diego ChapayDirection and Production Assistance:Emmanuel francaDramaturgy and Direction:Jazmín García Sathicq<brdata-attributes="data-attributes=%22data-attributes=%2522data-mce-bogus=%2525221%252522%2522%22" />

Sinopsis

Una casa indomable, habitada por el encierro. Llena de piedras que se desmoronan. Afuera, el desierto. ¿Ocultarse o huir? Mientras tanto: hacer, hacer, hacer. Roer huesos. Entre estas paredes las joyas brillan junto a un muerto. El luto invade a personas y objetos. Afuera todo arde. Adentro también. El mundo se ha vuelto un lugar peligroso. ¿Cómo habitar la destrucción? ¿De qué forma decir, accionar, significar?

Motivación

Un koltés. Adaptación criolla, es un espectáculo que resulta lecturas azarosas y fragmentadas de la obra de B.M. Koltes, luego de una intensa búsqueda de textos de diversos autores tanto nacionales como internacionales, sin que ninguno llegara a afianzarse ni convencer del todo. Como grupo veníamos trabajando previamente en otro tipo de experiencias como la creación colectiva, haciendo uso de textos propios que devinieron en un espectáculo de sala (Los Puntuales. esos que siempre regresan), otro de calle (La turné) y finalmente un unipersonal (Bajo un sol de sílice). Esto nos llevó a la búsqueda de un nuevo desafío, como en este caso lo es la posibilidad de trabajar a partir de un material textual de uno de los mayores autores del siglo XX. Por lo tanto, se trabajó a partir del imaginario de obras que no pertenecieran a los considerados textos canónicos. En este sentido, distintos teóricos se han encargado de desmenuzar y clasificar sus escritos, al mismo tiempo que decidir cuales han ingresado al podio y cuales se han quedado en los umbrales, como primeras pruebas, experimentos que apenas dejan entrever el genio posterior. Lejos de esto, se elige entonces obras como La Herencia o Sallinger. Correspondientes a los años tempranos del dramaturgo, entre 1970 y 1974, que no portan en sí mismas el peso de una obra maestra. Incluso, como sostiene Dubatti, pertenecen a un grupo de textos inéditos que circulaban como borradores y manuscritos entre amigos del autor, cuyo valor residiría más como documentos que como obra en sí, ya que presupondrían al teatro como una práctica subsidiaria a la literatura. Sin embargo, el grupo trabajó justamente a partir del carácter de borrador, basándose en aquello por lo que la crítica no toma a la obra como canónica, lo que abre el pensamiento a nuevas formas de puesta en escena y reescritura de los textos de Koltès. Esto es, la posibilidad de no representar un texto, ni de hacer un teatro para el texto, sino el uso del mismo como una materialidad concreta a manipular, por su potencia como manuscrito que escapa a su cristalización. Por lo tanto, encontramos un material que se presenta como “tradicional” y textual, pero que se torna una plataforma para lanzar múltiples preguntas sobre sus posibilidades poéticas y performativas, lo cual se actualiza en un híbrido escénico puesto en tensión permanente.

Participantes

Más sobre la obra

Actúan: Facundo Ibarra,Rocío Passarelli,Rosario Miranda Cochella,Sabino Larocca,Franco Biscussi

Cuerpo de sirvientes: Agustina Amato Fernández, Leonardo Contreras, Carla Rod, Valentina Cánepa, Macarena Mreuid, Suani Pacheco Marino.

Escenografía e iluminación: Donna Sgarbi, María Luján Vivas

Vestuario: Mara Mroczek

Registro fotográfico: Luciana Demichelis, María Alejandra Arce

Ilustración y diseño gráfico: María Eugenia Biffaretti

Dramaturgia: Julián Poncetta, Gisela Campanaro

Dirección: Julián Poncetta​Duración: 90min.

Sinopsis

Fútbol, una tragedia es una adaptación criolla y oportunista del clásico de Esquilo “Los siete contra Tebas”. Luego de la muerte de Eltipo, la descendencia se disputa el mando del Country Marginal “La Taba”. Arrastrados por una maldición hereditaria y cabulera, los hermanos ElTeo y ElPol resuelven el conflicto en un partido de potrero picante y con pretensiones de barriada. Una vez muerto el padre, ¿quiénes son los hijos? No se descubre nada nuevo, no hay nada nuevo aquí. Sólo repetir hasta el cansancio. Nada nuevo. Tal vez un temblor, la inminencia de una matanza mayor. Entre metáforas futboleras y privilegios trágicos, la intimidad familiar deviene espectáculo.

Motivación

Fútbol. Una tragedia plantea la hibridación de dos mundos espectaculares: el fútbol y el teatro griego clásico. De esta manera, se buscará retomar el concepto wagneriano de “obra total”, donde un elemento esencial, siguiendo la poética de Aristóteles, como la fábula se vea tensionada y reconfigurada por un uso igualitario de los diversos sistemas que conforman el acontecimiento escénico. Así, el cuerpo, sus acciones y desplazamientos, el uso de la arquitectura propia de la sala de una cancha de futbol 5 o de un potrero, el texto y el campo sonoro, serán la base de la exploración de espacios e imaginarios posibles que vayan más allá de lo escénico reducido a un espacio teatral y cuando no intimista. En este sentido, se propone el fútbol ya que es un deporte popular presente en todo el mundo y que nuclea y atraviesa diagonalmente múltiples actores sociales, individuales, colectivos e institucionales. A su vez, por este motivo mencionado, puede ser un primer lugar de encuentro y lenguaje común, como lo podría ser la matemática, presente en diversas culturas donde sería interesante partir de las coincidencias para luego encontrar y profundizar en los matices. Esto último, en un sentido dramatúrgico habilita la indagación de los usos del lenguaje y sus argot, pequeños elementos locales que friccionen con el texto clásico universal. Por otra parte, propone un campo fértil y común para indagar sobre las realidades latino e iberoamericanas. Entonces, ¿qué sucede cuando se lo lleva a escena? ¿Cómo es atravesado por otros posibles núcleos temáticos: los vínculos y ejercicios de poder, las problemáticas sociales y otras existenciales, el destino, el azar, los arreglos, las decisiones, los espacios y sus límites (alambres, fosas, campo de juego), etc.? ¿Qué fuerzas canaliza que permitan ver nuestra humanidad reflejada en el acto, qué nos habla de nosotros mismos? ¿Qué miedos, temores, fortalezas, angustias podemos contemplar y extraer? Provocar, entonces, un acontecimiento que nos saque de la cotidianidad y de la superficialidad en la que nosotros y lo espectacular estamos inmersos. Siguiendo lo planteado anteriormente, se propone entonces, tomar la tragedia de Esquilo “Los siete contra Tebas”. En el ella encontramos una batalla inminente, la resolución del conflicto entre los herederos de Edipo, un capítulo más en las desgracias que acompañan a los labdácidas. Siete caudillos de cada ejército, siete defensores de las siete puertas, siete atacantes, dos capitanes: Etéocles y Polinices. En esta estructura vemos claramente el pensamiento dialéctico, el agón y la posibilidad de tener dos equipos rivales de 7 jugadores, un picado entre dos facciones de un barrio, en el barro del potrero, de la cancha sin arcos, un partido a muerte súbita. Cuerpos agotados, violentados, trabados en la lucha por la pelota en el uno contra uno, un partido de fútbol que se asemeja a una danza o una pelea de boxeo. Acciones que ocurren en un espacio reducido, acciones que se empastan en el barro y en el deseo de la victoria, ¿qué están dispuestos a hacer? ¿por qué hacen lo que hacen y persisten en el intento? La posibilidad, a su vez, de jugar con las reglas de la tragedia, cuándo respetarlas o romperlas. En la obra original nunca escuchamos a esos cuerpos hablar, lo que acontece de la batalla nos llega a través de los ojos de los espías, que relatan y comentan, ¿es posible darles voz? ¿o quedará relegada a algún relator aficionado? Otros elementos: el coro, la hinchada; el corifeo, el jefe de la barra brava. El apriete, las presiones. La voz colectiva del coro en las tribunas. Se trata, entonces, como sugiere Zizek en el prólogo de su Antígona, de una “reescritura oportunista”, algo “propio de las culturas premodernas” que rompe con “la idea de fidelidad al original, una característica propia de la modernidad”. ¿Qué piezas podemos traer de aquella realidad pre-moderna y readaptar a nuestro presente? ¿Qué procedimientos y elementos trascienden el tiempo? Así, se irá interpelando estas primeras imágenes, pequeñas situaciones e intuiciones buscando las voces, imágenes y las materialidades performáticas, plásticas, audiovisuales y coreográficas posibles para su realización. Asumiendo, por lo tanto, pasar del lenguaje de la imaginación, relegado al poder del lenguaje corriente, al de la realidad sensible inconforme con la mera significación y descripción de la acción. Esto último, en el sentido de poder profundizar un eje de trabajos anteriores: la presentación de lo real como posibilidad de producir diversas realidades y por ende, multiplicidad de lecturas y provocaciones.

Participantes

Más sobre la obra

Proyecto ganador de un impulso a la creacióndentro de la residencia del Aúra - Festival de Artes Escénicasjunto la Secretaria de Arte y Cultura de la UNLP

Ficha técnica

​Elteo: Agustín Lontano |Elpol:German Cuello|LaIsmene: M Euge Bifaretti |LAntígona: Rocio Passarelli |Corifea: Gi Campanaro |Tiresias:Carlos Alberto Laly Lomanto |Mensajero:Carolina Vega

​Coro:

Ismael Navotka, German Botvinik, German Luguer, Coral Spatafora, Maricel Iglesias, Julieta Sanchez, Mercedes Martín, Fernando Schmendelle Servian, Ayeray Greco, Thomas Copello, Martin Mattera, Ginno Balercia , Flor Foschini, Lucio Lino, Leo Contreras, Esmeralda Maldonado, Agustina Palermo

Players:

Julián Ciancio, Damian Carillo, Agustín Castelluccio, Quique Benitez, Matías Gallo, Nicolas Martin Timossi, Agustin Leal, Nahuel Pascual, Emilio Camejo, Facundo Aguirre​Asitencia de dirección:Agustina Palermo​Dirección y adaptación:Julián PoncettaTexto original:Esquilo​

Sinopsis

¿Hay erotismo en la repetición? Ecos de voces que están, pero ausentes. Caos de ventanas multiplicadas, amuchadas. La soledad rascando las ventanas, golpeando las paredes, los pisos. Goces escondidos a punto de aullar. Siempre a punto. Casi. Nunca. ¿Quién bajó la palanca? Traqueteo de pies acompañando el humo que se vuelve infinito. Movimientos de uno por uno quemando los talones. ¿Cuántas veces se dijeron las mismas cosas creyendo ser únicas? Desatar la furia de otros tiempos. En la madrugada todo parece tan bello y tan vivo y tan irreal. ¿Existen las velas en tus ojos de vidrio? Casi nos tocamos. Con un swing infernal. Pero no. No hay textos posibles. Cero. Una y otra vez. ​ Proyecto ganador de las "Becas a la creación- 2017" otorgadas por el Fondo Nacional de las Artes

Motivación

Proyecto CERO es el despliegue escénico de una imagen urbana: en la ciudad que duerme, algunas ventanas permanecen encendidas. ¿Qué ocurre en el interior de esos espacios? ¿Qué acciones se llevan a cabo, cuáles se repiten? ¿Qué pensamientos rumian sus habitantes mientras se ven mutuamente como náufragos en islas distantes? ¿Cómo la mirada del otro penetra en el interior, qué es lo se muestra si se es consciente de esa mirada? ¿Hace falta una historia? ¿Qué pasa si sólo somos esa acción que repetimos, que mostramos? ¿Hay erotismo en la repetición? ¿Cuántas versiones hacemos de nosotros mismos? Así, el paisaje se recorre a preguntas. A través de un paréntesis nocturno contrapunto del movimiento constante de la ciudad, campo fértil para generar un imaginario que impulsa y cruza transversalmente las dramaturgias textuales, espaciales, corporales y rítmicas propias de un espectáculo que busca reconfigurarse cada vez, escapando del realismo y la narración lineal, apostando una erótica sensible de la escena, una poética furiosa, un roce nocturno que arañe la soledad. ​

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RESEÑAS Y ENTREVISTAS​

Reseña de Pilar Marchiano para la 5ta Bienal Universitaria de Arte y Cultura

<a href="https://gmomoteatro.wixsite.com/gmomoteatro" target="_blank">https://www.facebook.com/notes/5%C2%BA-bienal-universitaria-de-arte-y-cultura/intimidades-colectivas-el-compromiso-del-cuerpo-y-el-trabajo-grupal-en-el-hacer-/1548560531912908/</a>​

Reseña de Jerónimo Buffalo

<a href="https://gmomoteatro.wixsite.com/gmomoteatro" target="_blank">https://gmomoteatro.wixsite.com/gmomoteatro/buffalo</a>​

Reseña de Gustavo Radice

<a href="https://gmomoteatro.wixsite.com/gmomoteatro" target="_blank">https://gmomoteatro.wixsite.com/gmomoteatro/radice</a>​

Entrevista para La Bicicleta de Saturno - Radionauta FM 106.33/10/2018

<a href="https://gmomoteatro.wixsite.com/gmomoteatro" target="_blank">https://radiocut.fm/audiocut/proyecto-cero/</a>​

Nota para el diario "El Día" de La Plata

<a href="https://gmomoteatro.wixsite.com/gmomoteatro" target="_blank">https://www.eldia.com/nota/2018-10-3-2-2-18--proyecto-0-insomnio-y-soledad-en-el-paisaje-nocturno-de-la-ciudad-espectaculos</a>​

Entrevista a Julián Poncetta para No te la puedo believe - Radio Alta Voz FM 87.712/9/2018

<a href="https://gmomoteatro.wixsite.com/gmomoteatro" target="_blank">https://www.youtube.com/watch?v=x6q_BK60HkQ&feature=youtu.be</a>​

Entrevista a Julián Poncetta y Facundo Ibarra en el programa radial "El vodevil (escuchá teatro)"Fm Universidad 107.59/12/2017<a href="https://gmomoteatro.wixsite.com/gmomoteatro" target="_blank">https://radiocut.fm/radiostation/unlpfm/listen/2017/12/09/17/03/00/</a><brdata-mce-bogus="1" />

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Fecha de estreno: 07/04/2014
Lugar de estreno: El Puente
Una obra de: Vuelve en Julio
Formato: Espectáculo, Improvisación, Performance, Obra,
Género: Teatro,

Sinopsis

Una obra, una performance, una fiesta de casamiento donde el público participa como un invitado más de la celebración. Treinta artistas en escena convertirán la noche en una velada única.La Fiesta de Casamiento es una obra performática del grupo Vuelve en Julio en la que se recrea una fiesta típica de casamiento argentina. La particularidad y novedad de esta obra es que la misma transcurre durante una fiesta de casamiento en la cual los espectadores son los invitados a la fiesta. En esta fiesta se casan Diego y Clara. Al llegar cada uno de los espectadores adquiere un rol de acuerdo a la ubicación en el salón de la fiesta: primos o tíos del novio o de la novia, la familia más cercana, amigos de él o amigas de ella. De acuerdo a este rol, diferentes actores que estan dispuestos entre el público interactúa con los invitados.La obra transcurre en todo el espacio y el espectador debe involucrarse para poder obtener las diferentes partes de la historia. En esta obra participaron más de 30 actores por función.

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Videos

Spot 1: https://www.facebook.com/lafiestadecasamiento/videos/912177265530597/

Spot 2: https://www.facebook.com/lafiestadecasamiento/videos/913464978735159/

Spot 3: https://www.facebook.com/lafiestadecasamiento/videos/921065891308401/

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Fecha de estreno: 17/11/2017
Lugar de estreno: Museo de Ciencias Naturales - Subsuelo
Una obra de: Grupo de Estudio sobre Cuerpo
Formato: Acción, Performance, Instalación,
Género: Multidisciplinar,

Sinopsis

Ubi Sunt ¿Dónde están los que vivieron? Las cosas que tocamos no saben que nos fuimos.La construcción de memoria mediante el poder evocador de espacios, objetos, sonidos, palabras y presencias de los cuerpos en una escena cotidiana y a la vez extrañada. Una intervención artística en los subsuelos del Museo de Ciencias Naturales de La Plata a partir del proceso de investigación sobre los modos en que estudiantes y trabajadores/as de esta facultad habitaron cotidianamente y circularon por este espacio durante los años ‘60 y ‘70.

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Fecha de estreno: 27/05/2017
Lugar de estreno: VIL teatro
Una obra de: René Mantiñan, Diego Towers, Lucía Servera, Chapi Barresi, Casper Uncal, Vuelve en Julio
Basada en: textos de Casper Uncal
Formato: Obra,
Género: Teatro,

Sinopsis

Dos hermanos intentan perpetuar la estirpe familiar. Los invaden los desvelos de su historia. Una foto pintada y el pelo de la prima mas fea que se puede tener. Purgar la familia. ¿Qué realidad, fuera de esta casa, podés ver?

Motivación

La particularidad de este proyecto se relaciona al método y el modo de llevar a cabo el proceso de creación, esto es, la propuesta se basa en la realización de una obra de teatro "desde cero". A partir del interés de los actores y la propuesta del director de hacer una obra en conjunto, y que tuviera la condición de empezar su creación "desde la nada", es que convocan a los demás participantes. Esta idea, que busca apartarse de las formas tradicionales de los procesos de composición teatral, sostiene que cada uno de los integrantes forme parte y se involucre, al mismo nivel, de un modo horizontal en la propuesta creativa. Así es que desde los diferentes roles se aportan ideas, sugerencias, cambios, incluso en relación a aspectos que corresponderían a otro rol; porque se consideran valiosos los saberes específicos y por otro lado no se los establece como incuestionables o inmutables.

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Agradecimientos: Natalia Lucia, Sol Polo, Vi Calvente, VIL teatro, Centro Cultural El Escudo, Mariana del Mármol, Iván Haidar, Natalia Maldini, Constanza Copello.

Reseña colaborativa

Dos hermanos atrapados en una obsesión familiar. Un sinfín de objetos que prometen ser peajes hacia las emociones y vivencias de quienes los utilizaron en el pasado. ¿Podemos elegir a quiénes nos parecemos? Pauta y Método para la purga familiar nos habla sobre el teatro y sus recursos. Sobre la actuación. Sobre la posibilidad de ser esos otros a quienes damos cuerpo al recrear sus vivencias, acciones, diálogos y emociones. Sobre la posibilidad de trastocar el orden del tiempo, hacer presente el pasado o inscribirnos en él. {Mariana del Mármol}

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Fecha de estreno: 12/08/2017
Una obra de: Didascalia Teatro
Basada en: Textos de Händl Klaus

Sinopsis

Con más cable pelado, fuego y pobreza disfrazada de riesgo que nunca (es decir, más que en el 2016). El objetivo del nuevo montaje es investigar la vinculación entre espacio y puesta en escena, abordando el texto a partir de las obstrucciones, condiciones e ideas que los espacios imponen y aportan.

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Fecha de estreno: 10/06/2016
Lugar de estreno: NN Galería
Una obra de: Händl Klaus, Didascalia Teatro
Formato: Obra,
Género: Teatro,

Sinopsis

Olivia habla al pie de un paisaje con muertos. Bruno pasea y se tropieza con algunos muertos, a los que finalmente hunde.

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Fecha de estreno: 01/09/2013
Una obra de: Didascalia Teatro, Carolina Donnantuoni, Leonardo Basanta, Victoria Hernández, Analía Carlé
Basada en: Un texto de Daniel Veronese

Sinopsis

Citación en mano, Isabel llega a la oficina de la mina en la que trabaja su hijo. Sin noticias de Luis desde el día en que entró a trabajar doce años atrás, espera obtener información sobre él. Allí la aguardan un par de empleados que le ofrecen una ayuda que se pospone indefinidamente. Isabel es sometida a una serie de instancias de averiguación sobre su propia vida. El motivo de la cita queda en suspenso, se dilata, se distorsiona; otros hechos se suceden en su lugar para revelarnos el verdadero sentido de la escena.

Motivación

La obra surge como una continuación del trabajo grupal comenzado Intersticios. Al asomarnos a la poética de Veronese, más específicamente a la de Formas de hablar… volvemos a encontrar un mundo “extrañado”, que nos invita a crear nuevas estrategias dramatúrgicas y a profundizar las ya conocidas. Explorando un lenguaje escénico que nos permita habitar una vez más y de otro modo, el sin sentido. Desde su texto, Daniel Veronese nos ofrece un mundo que deseamos habitar teatralmente como grupo, un mundo que sólo puede ser nombrado en escena, nos invita a “…transitar un misterio que no (se) necesita explicar…”, “…un teatro inquietante porque rompe con la idea de saber pleno…”(R. Szuchmacher) Un teatro en el que actor y personaje se desdoblan permanentemente generando así un sinfín de teatralidades y puestas en abismo. Además, Formas de hablar… nos permite investigar aquellos espacios expresivos que habitan la escena desde lo fantasmal, desde aquello que se define por la acción que no se hace y que se nombra por lo omitido. Nos habilita, por lo tanto, a acercarnos a la idea central de la obra usando y pensando la idea de “… la desaparición como entidad, como aquello que no se nombra, aquello que no se dice, y en eso no solamente están los desaparecidos, está todo aquello que no se puede nombrar” (R. Szuchmacher). El texto de Veronese, remite directamente al universo kafkiano, particularmente al relato Ante la ley, y a la novela El Proceso. Nos muestra además una sucesión de escenas y situaciones de claro tinte expresionista y por ende nos propone un alejamiento del tratamiento realista del espacio escenoplástico, lumínico, sonoro y de la actuación.

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Funciones Especiales

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La estructura de Formas de hablar… con su apuesta a generar teatralidad dentro de la teatralidad dentro de la teatralidad subraya permanentemente el hecho de que en esa oficina (espacio donde transcurre la acción) nada es lo que parece. Así, pensamos en crear un espacio de acción para los personajes que active en el espectador desde el primer instante la idea de un escenario dentro de un escenario; una oficina-escenario: oficina, como marco dentro del cual cree estar Isabel, y escenario, como marco dentro del cual accionan Hombre y Secretaria quienes usan además el “foso” que comunica con la “mina” como camarín. Pensamos la puesta en disposición “a la italiana”, con los espectadores frente a la acción. Respecto del uso de la luz decidimos instalar a veces escondidos, y casi siempre a la vista una serie de pequeños y/o grandes artefactos lumínicos dentro del espacio de la acción, incluso dentro de algunos de los objetos presentes en la escena, produciendo los cambios de luz (diegética y extradiegética) a ojos vista del espectador, pero sin ser captados por Isabel, hecho que propondrá la redefinición y renovación de la idea de teatralidad con cada acción. Asimismo la iluminación será escasa y fragmentaria, delineando espacios de luz-sombra sobre determinadas zonas del espacio, objetos, y cuerpos que permitan señalar la naturaleza pesadillezca de la escena. La escenografía, vestuario y objetos serán preponderantemente de color blanco, gris y negro, proponiendo un acercamiento a la estética expresionista clásica que tendrá espacio importante también dentro del tratamiento de los cuerpos de los actores y sus voces. Algunos objetos que participen de la escena serán creados específicamente para ella y otros serán intervenidos y disfrazados de modo tal que acompañen el tono de la puesta.

Sobre los Criterios dramatúrgicos para la puesta de Formas de hablar…

“…El disfraz es la marca de la teatralidad, del teatro en el teatro y de la puesta en abismo del juego. No puede prescindir de la connivencia del público, que debe aceptar esta convención materializada…” Patrice PavisAbordar el texto de Veronese nos ha ofrecido la posibilidad de profundizar en la investigación alrededor de la noción de disfraz iniciada ya en nuestra anterior puesta (Intersticios). El disfraz permite a dos de los personajes que habitan la obra cambiar su identidad gracias a la modificación de algunos detalles en el vestuario, encubriendo así - torpemente ante el espectador, y de manera completamente verosímil para Isabel-, su verdadera identidad, estrategia utilizada con el fin de engañar y confundir a Isabel para que “hable”. La acción avanza continuamente dentro del cauce de esta estrategia dramatúrgica sobre teatralizando las situaciones haciendo que el espectador sea cada vez más consciente del juego y convirtiéndolo en cómplice de aquello que ve. Como ya dijimos en Formas de hablar… dos de los actores crean personajes -Hombre y Secretaria- que a su vez actúan de otros personajes que forman o formaron parte de la vida de Isabel; de este modo los personajes devienen en actores facilitando una continua puesta en abismo dentro del marco del espectáculo. Entonces, si cada actor, juega a ser un personaje que juega a ser un actor/actriz que hace varios personajes y sumamos a esto las repeticiones de ciertas palabras, frases, situaciones o micro escenas que propondremos para la puesta, se generará una caja de resonancia de la acción principal, convirtiendo a esta oficina en escenario dentro del escenario del teatro en el cual se pondrá la obra, evocando continuamente lo ilusorio, la “construcción de la escena”, lo avieso y planificado del texto, del trabajo del actor y en definitiva del teatro.

Apoyos recibidos

Esta obra contó con el subsidio del Instituto Nacional del Teatro (INT) y el CPTI para su realización.

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Fecha de estreno: 12/11/2011
Lugar de estreno: Centro Cultural El Núcleo
Una obra de: Didascalia Teatro, Carolina Donnantuoni, Leonardo Basanta, Analía Carlé, Victoria Hernández, Adriana Ibarra
Formato: Obra
Género: Teatro,

Sinopsis

"Cuatro actores conviviendo en un espacio cerrado y ominoso, perdidos en el tiempo, buscan de forma obsesiva crear la mejor obra de teatro de la historia."

Motivación

El proceso de creación nos llevó a construir un universo donde cuatro actores/actrices vivían en permanente ficción, en un mundo: “…aleja (do) del mundo racional (…) que nos enfrenta al miedo y asombro de lo no lineal que limita con la no razón y nos lleva hacia lo abismal de lo no referencial. En “Intersticios” existe un algo extraño que nos atrae y nos produce rechazo (…)nos preguntamos constantemente hacia dónde vamos y qué va a suceder, y es esa maquinaria discursiva y poética la que es portadora de lo sublime… “(G. Radice).

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Sobre el proceso de trabajo

Empezamos tratando de encontrar una obra que nos guste a los 4 integrantes del grupo. Leímos muchas obras y en ninguna los 4 coincidimos. Mientras íbamos leyendo, nos juntábamos una vez por semana a realizar ejercicios. Ejercicios que tenían que ver con ritmo, presencia, energía, espacio y demás elementos fundamentales del teatro. Y si bien nos conocíamos todos, íbamos conociéndonos un poco más en la forma de ver el teatro de cada uno (en los mismos ejercicios y en el discutir sobre las obras que habíamos leído). Reconocimos que cada uno tenía grandes diferencias con los demás. Eso mismo de algún modo hizo que Carolina Donnantuoni apostara a crear una creación colectiva que de algún modo nos representara. Si el único punto en común, sin dudas, era nuestras ganas de actuar, el material estaba ahí. De modo que empezamos a trabajar sobre conceptos que rodean la actuación y la ficción (y por ende la construcción de realidad) y cuestiones de esa índole que (quizás) son las inquietudes que siguen actuando como motor del grupo. Algunos de nosotros por esa época fuimos a ver “Luisa se estrella contra su casa”, obra que tenía una escenografía hecha con cajas. De esa obra, y nuestros comentarios sobre eso, Caro propuso trabajar con cajas. Y empezamos a improvisar con cajas. Eso terminó definiendo no solo gran parte de los elementos escenográficos y muchas de nuestras acciones, sino una forma de pensar el quehacer teatral, ¿Qué se encierra? ¿Qué contiene? ¿Qué está adentro? ¿Qué está afuera? ¿Qué se esconde? ¿De qué residuos estamos hechos?, etc. De esos disparadores (mayormente inconscientes), empezaron a surgir lentamente escenas (cajas) que la obra (otra caja) contiene y en la que de a poco empezamos a confiar que funcione como una caja de resonancias de las preguntas que cada espectador trae consigo mismo. El proceso creativo duró 7 meses ininterrumpidos. Al principio una vez por semana, luego la frecuencia se fue incrementando. El último mes ensayábamos 3 veces por semana. Partimos desde distintas improvisaciones. El texto es una creación colectiva.

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Fecha de estreno: 20/09/2013
Lugar de estreno: Espacio 44
Una obra de: Hierba Roja Teatro, Carolina Donnantuoni, Ayelén Dias Correia, Constanza Mosetti
Formato: Obra,
Género: Danza, Interdisciplinar,

Sinopsis

Dos mujeres jóvenes, acuden a un encuentro en un bar. Nadie acude a las citas. Ambas llegan, esperan y parten en silencio infinita cantidad de veces hasta que el espacio comienza a transformarse lentamente en otro: el espacio de su imaginario, sus recuerdos, su memoria. Recuerdos y memoria: ¿Qué espacio ocupan en nuestro cuerpo? ¿De qué estamos hechos? ¿Qué zonas de nuestra memoria decidimos visitar? ¿Qué material sensible nos habita? ¿De cuántas maneras podemos nombrarnos? ¿Cómo nombramos lo que fuimos? ¿Por qué las cosas se repiten?

Motivación

Canción Cantada surge de la necesidad de crear un espectáculo desde los materiales que aparecieron en el espacio de entrenamiento grupal. Materiales de índole práctico-creativa nacidos como respuesta a preguntas tales como: ¿cuáles son las diferencias entre espacio de investigación técnica y espacio de investigación creativa? ¿Qué diferencias y similitudes existen entre el entrenamiento físico y el vocal? ¿Cuáles son los diálogos y entrecruzamientos posibles entre dramaturgia del cuerpo, del espacio, del actor, del autor, del director? Encaramos además este proceso de creación, a partir de ciertos interrogantes sobre la memoria del cuerpo, la del individuo y la memoria “social” y cuáles podrían ser los elementos que las constituyen.

Participantes

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El proceso creativo tuvo lugar entre de marzo de 2012 y septiembre de 2013, exceptuando los meses de enero-febrero, con una frecuencia promedio de tres veces por semana. Canción cantada es una creación colectiva con dramaturgia de Carolina Donnantuoni, sobre materiales y textos creados por Ayelén Dias Correia y Constanza Mosetti.

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Una obra de: Leonardo Basanta, Carolina Donnantuoni, Didascalia Teatro

Sinopsis

Esto NO es la Metamorfosis es un proyecto escénico de danza/teatro que procura poner en escena a través de la presentación de varios bocetos una obra que cambia con el tiempo, construir una obra nunca terminada, y que aquello que se muestre en cada boceto de cuenta de los procesos internos de estudio, pensamiento e investigación sobre el cuerpo y sus potencias tomando la obra de Kafka como disparador inicial de imágenes, permitiendo que la relación con los espectadores y con el tiempo en escena y entre presentaciones se incorpore a lo obrado. Crear una obra que permanezca en cambio permanente o pueda nunca terminar de verse.

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Fecha de estreno: 15/06/2018
Lugar de estreno: La Grieta
Una obra de: Nelson Mallach
Basada en: Un crimen real sucedido en Necochea en 1982, que tuvo resonancia internacional dado que por primera vez se incriminó al homicida a partir de la identificación de sus huellas dactilares.
Temas: Justicia, verdad, ciencia, misoginia.
Formato: Espectáculo,
Género: Teatro,

Sinopsis

En 1892, en La Plata, el inmigrante croata Iván Vučetić, nacionalizado argentino con el nombre de Juan Vucetich, implementó por primera vez el sistema dactiloscópico para resolver el asesinato de dos niños de 4 y 6 años, ocurrido en el rancherío de Necochea. Aquella vez, a instancias del nuevo recurso de prueba, se determinó que la culpable había sido Francisca Rojas, su madre. El que tomó las huellas en la Oficina de Antropometría fue nada menos que Florencio Sánchez a sus dieciocho años, recién llegado del Uruguay. Triste Campero vuelve a un crimen de resonancia internacional para poner en duda su resolución judicial.

Motivación

La obra plantea, de manera verosímil, la posibilidad de que lo establecido entonces como "verdad", bajo el influjo del entusiasmo positivista, no lo haya sido. La pretendida objetividad que ofrece la rigurosidad del método científico, podría no escapar del territorio regulado por las lógicas de dominio, privilegios, abusos e injusticias que en cada época se reproducen por cuestiones de clase y de género.

Reseña Colaborativa

Una obra rica en disparadores de imágenes sensoriales que van envolviendo al espectador en una atmósfera húmeda, incierta, filosa, asfixiante... mientras la acción fluctúa entre lo onírico y lo cruelmente descarnado, modelando un relato complejo que se consuma en la revelación de una discordancia desoladora.Conmocionantes interpretaciones actorales y una puesta a la altura. Excelente pieza teatral.(Mónica Champredonde)

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Fecha de estreno: 20/10/2018
Lugar de estreno: Telón Negro Teatro
Una obra de: Paloma Ardeti
Temas: Femineidad, construcción de identidad
Formato: Obra,
Género: Danza contemporánea,

Sinopsis

obra autoreferencial de danza o preguntas sobre la feminidad.Existe un reflejo opuesto frente al molde hegemónico? Lunseslo se sumerje en un proceso de dualidades, ambiguedad y complementos en una búsqueda por complejizar su propia femineidad.

Motivación

Políticas del cuerpo

Reseña Colaborativa

"Lo uno no se explica sin lo otro" es un acto de causalidad, es una consecuencia,pero también es una búsqueda y una toma de decisión. Parecida a un acto psicomágico, logramos ver en escena la búsqueda de una intérprete, no por interpretar la obra, si no por interpretarse a sí misma.Es que esta búsqueda de reafirmación es un laberinto invisible, es una duda cartesiana que requiere despojarse de todo para poder encontrar recién tal vez alguna certeza. Así comienza la pieza con la desnudez de una artista que se pregunta por ella en la escena misma y comienza a encontrarse frente a nos. A partir de allí la danza y la interpretación lúdico-dramática se irán desenvolviendo como el hilo de Ariadna pero que está vez no guía al héroe masculino, sino a la mujer expuesta que arriesga en vivo. La danza, que por momentos es lucha, contra ella misma, contra lo que fue, contra lo que no quiere y a favor de su corazón a través de preguntas físicas que al liberar la mente liberan también la acción, pasa por recursos visuales ricos y está siempre atrayendo sentido.Es una obra que ya no podrá separarse de la artista, como la artista no podrá separarse de la obra. Porque esta obra hecha por otra persona sería sencillamente otra obra. Porque también hay reciprocidad e indivisibilidad , por eso lo uno no se explica sin lo otro.(Reseña colaborativa por Alejandro Gregorio Lonac)

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Sinopsis

En el marco del Día Internacional de las personas con Discapacidad, el 3 y 4 de diciembre del 2010, se realizo el Festival de Arte e Integración en el Auditorio Namuncurá, donde la Compañía EnCuerpo se presentó por primera vez en escena con la obra " La Leyenda del Algodón", espectáculo de danza y multimedia.

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Fecha de estreno: 22/11/2014
Lugar de estreno: Centro Cultural El Escudo
Género: Danza,

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Fecha de estreno: 04/11/2017
Lugar de estreno: Espacio Cultural Juana Azurduy
Una obra de: La Joda Teatro
Basada en: la obra de José Hernández "El gaucho Martin Fierro"
Temas: marginalidad gauchesco.
Formato: Obra,
Género: Teatro,

Sinopsis

Corre el año 2022, y la Argentina se parece demasiado a sí misma. Villas no quedan muchas; La Martín Fierro tal vez sea la última del país. Hay una causa primera: evitar el desalojo secuestrando el hijo del empresario"El cuerpo como barricadaCuerpo ficción: cuerpo cansado, destruido, cuerpo sin límites, cuerpo sin más geografía que lo contenga que los sentidos, expectantes, puestos al servicio de eso que se desea contar.El desalojo: montaje caprichoso, puesta en escena sin sentido de la estética y el buen humor. Montaje que se repite desde la sangrienta campaña al desierto hasta los chaperíos quemados y baleados de los conventillos y luego villas del aquí y ahora. Y del mañana.La mascarada que sigue generando promesas y artilugios que sólo dan una escena de muy mal teatro.“Esto es ficción y entonces, acá triunfarán los pobres"

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La obra nace tras un largo proceso de ensayo tomando como punto de partida "El Martín Fierro", Rompiendo con la estructura del gaucho, y aunque el verso se sostiene, son los sectores mas marginados quienes hablan. Es un futuro cercano, donde el poder arraso con todo y esta villa "La Martín Fierro" se une y pelea a su manera por el espacio que les pertenece.

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Fecha de estreno: 02/12/2018
Lugar de estreno: VIL teatro
Una obra de: Leonardo Basanta, Mariana del Mármol
Temas: Danza contemporánea, Belleza, Escritura, Cuerpo
Formato: Obra
Género: Danza contemporánea, Performance

Sinopsis

Abusando de la inespecificidad de la danza contemporánea actual y su tránsito por una atmósfera confusa y borrosa, en la que el punto de partida para crear deja de ser la técnica y pasa a ser un gran campo de heterogeneidades, en el que las obras surgen de zonas de indecibilidad compuestas por nebulosas y vapores, una ex-bailarina frustrada cumplirá al fin su sueño de bailar un solo en escena.

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Estrenada en Vil Teatro

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Fecha de estreno: 03/09/2017
Lugar de estreno: La Grieta
Una obra de: Diana Rogovsky, Luis Menacho, Máquina Secreta
Género: Música, Danza,

Sinopsis

Una obra de música y danza entrelazadas desde su propia génesis. Surgió de preguntas de las propias disciplinas hacia la pintura y la poesía, al cuerpo y sus superficies, a los sonidos enmarcados en la presencia constante que sobrevuela la catedral gótica de la ciudad de La Plata. La dualidad propia del gótico se reactualiza en la oposición y el contraste de elementos que transitan umbrales, del silencio a la sonoridad abrumadora, como asimismo en los materiales tímbricos escogidos: la linealidad vocal femenina y la percusión, lo acústico y la electrónica. Las Gárgolas propone con estos elementos aludir y sugerir vínculos con diversas lecturas del cuerpo, el saber, las pesadillas y sus fantasmas y el amor en la historia del arte. Así sonido y cuerpo, piel, carne, sombras, luz y un universo sonoro de reminiscencias medievales invita a revisitar un pasado de actuales resonancias.

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La obra cuenta con el acompañamiento del Programa PAR de Secretaría de Arte y Cultura (UNLP)

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Fecha de estreno: 13/09/2018
Lugar de estreno: Centro Universitario de Arte UNLP
Una obra de: Leonardo Basanta, Mariana del Mármol
Basada en: El Nº 1 de la revista El Ojo y la Navaja
Temas: Danza, Teatro, Cuerpo, Escritura
Formato: Performance,
Género: Performance,

Sinopsis

¿Existe una danza en la palabra escrita? ¿Cómo se traduce la potencialidad de la palabra escrita a un cuerpo? ¿Se puede bailar una revista? Aprovechando la oportunidad de la presentación performática del Nº 1 de la revista “El ojo y la navaja” una bailarina frustrada concretará finalmente el sueño de bailar.

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Me tiembla la voz.

Abro la revista, y encuentro en la página 32 un párrafo que me tranquiliza: su autora dice que en una entrevista realizada a Fischer-Lichte le preguntaban si, al ser el actor un productor de eventos corporizados, el público podría reconocer especificidades concernientes al trabajo que determina a un actor y a un performer. Ella responde que todo acto en escena solicita de la capacidad de imaginación del espectador, de su empatía emocional.

Me tiembla la voz o estoy completamente tensa. No sé, lo más probable es que ambas cosas retroalimentándose en un círculo vicioso de la incomodidad. Hace ya diez años que ensayo –aunque sin este marco denominativo- ambas performances: la teatral y la académica (esta última mucho más que la primera) y en ocasiones mucho más frecuentes de lo que me gustaría la incomodidad, los nervios y el tembleque o la afectación extraña de mi voz me sorprenden. Dejan al desnudo esa mentira que me invento a mí misma de que puedo nadar como un pez en el agua en esas ocasiones de exposición. Mentira. Lo entreno y lo practico desde hace años y sin embargo algo de lo inesperado siempre irrumpe dejando mi inseguridad al desnudo. Hablo con un amigo sobre este miedo y me dice que no me preocupe, que a él le parece hermoso cuando a la gente le tiembla la voz. Acto seguido enumera más de veintiun ejemplos de presentaciones orales públicas que recuerda porque a sus protagonistas les temblaba la voz. Me doy cuenta en su relato que ha armado un pequeño catálogo. Desde temblores casi imperceptibles hasta aquellos que podrían medirse en la escala de Richter, temblores tan agudos que podrían romper cristales, tan irregulares que obligan a las cardiólogas presentes en la sala a interrumpir el evento con un chequeo urgente y temblores tan cancheros que permiten a sus víctimas camuflarlos si es que se animan a empezar a rapear. Me dice que otra cosa que le parece apasionante de este tipo de experiencia es que es un caso magnífico de sinestesia ya que el temblor (fenómeno originalmente táctil) no sólo se escucha sino que se vuelve rojo en el rostro de quien lo padece y el miedo al ridículo se huele en el aire. Pero lo más lindo que me dice es que es que le gusta porque humaniza, porque nos hicieron creer que no hay que hacerlo, que hay que estar seguros, y él no coincide mucho con eso.

Imágenes

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Una obra de: Grupo de Estudio sobre Cuerpo (UNLP), Mariana del Mármol, Gisela Magri, Ana Sabrina Mora, Natalia Pagano, Mariana Sáez, Lucía Belén Merlos, Elizabeth López Betancourth
Temas: Cuerpo - Anfisbenidad
Formato: Obra
Género: Interdisciplinar

Sinopsis

En el siglo XVII Sir Thomas Browne observó que no hay animal sin abajo, arriba, adelante, atrás, izquierda y derecha y negó que pudiera existir la anfisbena, en la que ambas extremidades son anteriores. Duplicidad eficaz, sus cabezas pueden realizar más de una tarea a la vez: mientras una lloraba la otra reía, mientras una callaba la otra hablaba, mientras una estaba de pie la otra dormía. La una en su lugar y la otra en la cola, como si una no le bastara para descargar su veneno. En griego quiere decir la que va en dos direcciones. Se dice que si la cortan en dos pedazos estos se juntan.

Motivación

La obra surgió a partir de la invitación a participar del ciclo Supervivencias (coordinado por Diana Rogovsky y Renée Zgainer). Este ciclo invitaba a crear obras en un tiempo breve y con una modalidad intensiva, en vinculación con los espacios que se ofrecían para realizarlas. En este caso un centro cultural emplazado en una casa antigua. A partir de esta propuesta, el grupo construyó una obra en la que se exploran y tematizan las vinculaciones entre los mundos del arte y la investigación académica y los modos en los que estos y otros mundos se enlazan en cada una de las mujeres que lo integran, de modos ligados, en muchos casos a la monstruosidad.

Participantes

Temporadas

Más sobre la obra

Ask

Fecha de estreno: 04/12/2011
Lugar de estreno: teatro del lago
Género: Danza, Circo,

Sinopsis

Espectáculo de circo, teatro y danza con música en vivo dirigida a público adulto pero apta para todo público.

Motivación

Veo Veo invita al espectador a reflexionar sobre lo que se ve y lo que no se ve, y cómo es que se construye lo que se ve. Las imágenes como información o indicio de algo que no se termina de conocer. Qué nos dicen los sentidos a cerca de las cosas, cómo percibimos, y cómo las cualidades que percibimos de las cosas no nos terminan de definir a la cosa. La unidad de la cosa, que se podría definir por las relaciones que se establecen entre sus cualidades, queda siempre en el misterio.

Un matrimonio con 40 años de casados, como dos fantasmas que aparecen y desaparecen a lo largo de toda la obra y que se hacen visibles sólo en el campo sonoro instalan una disociación entre lo que se escucha y lo que se ve, estableciendo distintas relaciones entre estos dos discursos paralelos que se cruzan y se bifurcan.

Participantes

Más sobre la obra

Sinopsis

La memoria ocurre en lo evidente y en lo oculto. En LA RAÍZ, en LA TIERRA, en lo que nutre, y también en lo desconocido y olvidado, en el misterio que puede ser revelado mágicamente en cualquier instante. SOMOS UN CÍRCULO dentro de un círculo, donde la memoria funciona en espiral. Movimiento, sentidos, emociones e historia son los ingredientes que alimentan la VIBRACIÓN COLECTIVA. Dejarse atravesar por la humedad del estar vibrando y entre tanta RESISTENCIA, el AMOR que empuja, que amontona CUERPOS e INTENSIDADES. "En una boca está todo lo que puedo ser, en mi nombre está todo lo que somos."

Motivación

Muestra de la residencia Cuerpos y memorias en diálogo, coordinada por Nemecio Berrio Guerrero, y realizada como parte de las actividades del V ECART Encuentro Platense de Investigadorxs sobre Artes Escénicas y Performáticas. La residencia fue un espacio de investigación, creación, con y para la Danza. Se generó un proceso de creación colectiva atravesado por el concepto de memoria como motor e insumo simbólico que conectó a los dos países Colombia y Argentina. Se pensó en la memoria desde los cuerpos como patinas se pensó en la memoria como símbolo de residencia. Fue un proceso de investigación con preguntas en relación a la memoria como dispositivo para la creación colectiva a partir de la reflexión y los insumos artísticos y estéticos que aportó la danza afrocolombiana contemporánea de Permanencias "Swahili" como metodología de formación y creación.

Participantes

Más sobre la obra

Músicas Banda sonora película Babel, Gustavo Santaolalla. Música tradicional afrocolombiana Garabato, interpretado por el conjunto folclórico nacional Ekobios. Bolero de Ravel, Andre Rieu. Banda sonora película Good bye Lennin. Música tradicional de África de Oeste: Waraba, Fanta Konate, Mamdi Keita Djubafedea. Imágenes Pinturas del artista plástico Oswaldo Guayasamin.

Proyecto ganador de la Convocatoria RESIDENCIAS ARTÍSTICAS COLOMBIA-ARGENTINA. Programa Nacional de Estímulos. Ministerio de Cultura de Colombia.

Ask

Fecha de estreno: 12/07/2018
Lugar de estreno: Centro Cultural de la Cooperación Floreal Gorini
Una obra de: La Compañia de Leonardo Cuello
Formato: Espectáculo,
Género: Tango, Danza,

Sinopsis

Inside Tango es un espectáculo en el cual el autor deja convivir sus dos mundos: el del Tango Show y el de sus líneas sensibles y expresivas. Un espectáculo de trazo libre donde se abre a su debate interior y lo enfrenta dejándolo convertirse en obra. Para lograrlo se sirve de músicas de todos los tiempos y estilos, el espacio libre y alterado, los cuerpos en estado limpio y algunas historias profundas, muy tangueras, que sirven de guía para ordenar sus emociones. Ada Falcón, Agustín Magaldi, la Gricel de Contursi, Tita Merello y Sabina Olmos le prestan sus dulces y dramáticas historias para fracturar el show y crear un espacio íntimo.

Motivación

Las mujeres de INSIDE TANGO —las hermosas heroínas que guarda el tango en su historia...

Ada Falcón: Estrella, diva y voz fundamental del tango en los inicios del género. Vivió un profundo romance con Francisco Canaro, quien nunca, sin embargo, se separó de su esposa. Tal vez por ese amor imposible se retiró de la vida profesional recluyéndose en un convento franciscano hasta el fin de su vida.

Sabina Olmos: Cantante de tango y exitosa actriz de la época dorada del cine argentino. Filmó cerca de 30 películas. Fue esposa del famoso cantor Charlo de quien se divorció en 1969. Se suicidó arrojándose de un balcón a los 85 años, presa de una profunda depresión y en medio de dificultades económicas. Nunca había podido superar su divorcio.

Gricel Viganó: Conoció a José María Contursi en Capilla del Monte, Córdoba. El reconocida letrista de tango, hombre casado, se enamoró perdidamente de ella. Sin poder sostener esa relación, y lejos de ella, escribe el inolvidable tango “Gricel” al que pone música Mariano Mores. Veinte años más tarde, ya viudo, Contursi se reencuentra con Gricel; el amor renace y se casan.

Tita Merello: Enorme actriz y cantante argentina vivió un profundo romance con el popular actor Luis Sandrini. Con su nombre auténtico, Laura Ana Merello, firmó la letra del tango “Llamarada pasional”, inspirado seguramente en su amor por Sandrini, a cuyo final nunca pudo sobreponerse. Dijo sobre su vida: “hice de mí lo que quería, y tengo el orgullo de haber sacado, de entre las mujeres, una mujer íntegra. Yo le di la cara a la vida, y me la dejó marcada”.

Eva Duarte: Se dice que llegó a Buenos Aires de la mano de Agustín Magaldi (el llamado Gardel de las Pampas). Decidida a convertirse en actriz, fue mucho más lejos gracias a su amor por Juan Domingo Perón y a sus propios ideales. Transformó la realidad de la mujer logrando grandes derechos políticos y civiles. Adelantada en su tiempo, dijo respecto del siglo XX: “este siglo pasará a la historia como el siglo del feminismo victorioso”.

https://www.youtube.com/watch?v=AGa7vOZLrp0

Participantes

Temporadas

Más sobre la obra

Prensa seleccionada—

Corriendo La Voz: http://corriendolavoz.com.ar/inside-tango-feminismo-y-elegancia/

Clarín: https://www.clarin.com/espectaculos/musica/mujeres-reales-hechas-historias-tangueras_0_SkvNWYkV7.html https://www.clarin.com/espectaculos/musica/mujeres-unidas-tango_0_rJm6d27QQ.html

La Nación: https://www.lanacion.com.ar/2152958-historias-tragicas-celebres-con-el-lenguaje-del-cuerpo https://www.lanacion.com.ar/2152966-mujeres-de-la-historia-el-teatro-las-prefiere-celebres-historicas-y-famosas

Ask

Fecha de estreno: 09/01/2006
Una obra de: Vuelve en Julio, Carlos Ayala

Motivación

La motivación fue crear una obra que pueda ser representada en cualquier teatro del mundo, independientemente del idioma. Se construyó en ocho meses, con tres ensayos semanales. No tuvo interrupciones. Fue construida sobre la escena, trabajándolos personajes, el idioma, el espacio y luego sobre un hilo conductor que conformó la historia.

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Funciones Especiales

Más sobre la obra

Estrenada en Septiembre de 2006, en el Teatro “LaHermandad del Princesa”. Algunos premios recibidos fueron: en 2006, Obra Ganadora Comedia Municipal. Mención por Investigación del Lenguaje Teatral. En 2007, Ganadora Concurso Regional de Teatro. Comedia de la Provincia de Buenos Aires; realización de Gira por Bolivia, Perú y Ecuador y fue Ganadora Concurso Provincial de Teatro. Comedia de la Provincia de Buenos Aires. En 2008, Fiesta Nacional del Teatro Formosa; Mención mejor Dramaturgia Premio Teatro del Mundo. Universidad Nacional de Buenos Aires. Centro Cultura Ricardo Roja. En el año 2012, Función en Uruguay.

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Ask

Una obra de: Gabriela Rylands
Temas: Tango Danza-Fusión
Formato: Obra,
Género: Tango,

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Más sobre la obra

Trabajo Final: 1era promoción Tecnicatura en Intérprete y Coreógrafo de Tango, Escuela de Danzas Tradicionales José Hernández de La Plata.

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