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Sinopsis

A los Muchachos encierra una dedicatoria y un homenaje a todos aquellos soñadores y valientes muchachos, algunos de ellos artistas populares, que dejaron TODO para ir tras la huella del reconocimiento y del éxito. En todo viaje se repite una situación: la espera; y nadie mejor que el artista popular para reconocerla en toda su dimensión. Sobre el húmedo aserrín y la gastada alfombra de nuestro circo criollo, "EL NEGRO" y "EL RUSO" viajan, esperan... sueñan con la buena estrella

Participantes

Germán Romero

Actor

Pablo Pawlowicz

Actor

Norberto Barruti

Director

Eduardo Forese

Actor

Mito García

Músico

Hernan Oliva

Músico

Eugenio Fernandez Beltrán

Equipo Técnico

Juan Sebastián Gianella

Equipo Técnico

Oscar Sierra

Equipo Técnico

Nicolás Viaggio

Equipo Técnico

Basilio Pawlowicz

Fotografía

Mariela Mirc

Asistencia de dirección

Más sobre la obra

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La nota característica y esencial del grotesco es esa íntima relación entre lo trágico y lo cómico, es decir, simultaneidad de ambas dramáticas en una misma situación y en un mismo personaje. Pero a esta situación se llega a través de un mundo en descomposición, cuando los valores están en crisis, cuando la risa franca no tiene cabida porque adentro hay algo que se derrumba. Beatriz de Nóbile

El grotesco aparece cuando el individuo quiebra la «unidad de carácter» y queda en evidencia el dualismo de «vivir» y «verse vivir».José María Monner Sans

El grotesco es el arte de llegar a lo cómico a través de lo dramático; lo superficialmente risible, distorsiona y vela, apenas, una mueca de angustia y dolor. Armando Discépolo

Dijo la Revista TABLAS, La Habana, Cuba 1999

"A LOS MUCHACHOS": EMOCIONADO HOMENAJE AL ARTISTA POPULAR"

"...un espectáculo que a través de la síntesis escénica narra la historia de dos artistas populares, sus sueños, la utopia del triunfo y el anhelo de trascender mediante su arte. Esta propuesta teatral contó con la comunicación y el aplauso entusiasta de los espectadores concurrentes..."

"...se trata de "A LOS MUCHACHOS" puesta en escena de Norberto Barruti, sobre la dramaturgia de Maricel Beltrán y Adriana Crespi..."

"...enmarcados en una escenografía selectiva que privilegia el aserrín y los telones viejos del mundo circense sainetero redondea el origen de los personajes y su vida..."

"...los intérpretes emplean la voz en todas sus posibilidades. Su gestualidad, es rica, precisa y expresiva, subyace la técnica del mimo; por otra parte, el valor de los silencios cargados de intencionalidad enriquecen sobremanera los códigos espectaculares que el director ha sabido aprovechar sabiamente..."

"...en fin, Barruti y su equipo de creación del Taller de Teatro de la Universidad Nacional de La Plata, con trece años de fecundo quehacer logró que "A LOS MUCHACHOS", se situara entre los mejores espectáculos considerados por parte de la crítica y el público dentro del IX Festival Internacional de La Habana que tuvo lugar entre el 17 y 26 de setiembre de 1999..." Lic. Roberto Gacio Suárez TABLAS Nº 3-4, Revista de Artes Escénicas. La Habana, Cuba, 1999

Dijo la Revista CONJUNTO, La Habana, Cuba 1999

"A LOS QUE LUCHAN, A LOS QUE VUELAN…"

"...el universo del tango es la vía elegida por el Taller de Teatro de la Universidad Nacional de La Plata en A los muchachos, la puesta de Norberto Barruti programada en las salas El Sótano, Covarrubias del Teatro Nacional, Fausto y Miramar, durante el recién concluido Festival de Teatro de la Habana, posiblemente el montaje extranjero más visto, a lo largo de sus siete presentaciones..." "... los dos personajes, sólo ataviados con sus viejas valijas, nos hablan de la utopía de dos luchadores incansables que han elegido el arte para hacer valer cómo una idea mueve el tesón y la voluntad humanas..." "... en definitiva, el placer está en dar cabida a la fantasía, porque, como asegura uno de los personajes, es más interesante legar al futuro los sueños que una mediocre realidad que a nadie importa..." "...emotiva e ingeniosa, patética y sarcástica, A los muchachos es el homenaje que le hace el teatro a quienes trabajan día a día por su sobrevivencia como arte, y al ser humano que no claudica y que siempre recobra el vuelo..." Vivian Martínez Tabares CONJUNTO, Revista de Teatro Latinoamericano. Casa de las Américas, La Habana, Cuba, 1999

Dijo Yves Moraud, Crítico Teatral, Francia 2000

“EN BREST, A LOS MUCHACHOS, TODA LA MAGIA DEL TEATRO”

«...Bajo nuestros ojos fascinados, el tiempo ha sido colgado en las evoluciones de una pareja cuyas posturas y desplazamientos han sido ajustados con la precision de un reloj y un sentido poético que trastorna al espectador desde el primer minuto. La verdad de los dos personajes y, mas alla de ellos mismos, de todo el espectaculo viene de la perfecta estilizacion de los ademanes y de las voces, de la fluidez patética o humoristica de una coregrafia cuya eficiencia visual es immediata y profunda...» «...Con A los muchachos, el teatro, vuelve a sus origenes por actores incomparables capaces de convertir las ideas y los sentimientos en metaforas escénicas, supone como una hora de eternidad...»

Yves Moraud Brest, Francia, marzo de 2000

Dijo el Diario LA REPÚBLICA, Trujillo, Perú 1998

“...Un excelente trabajo pleno de emoción, fuerza, humor, plasticidad y belleza de imagen. El público llega a conocer a “El Ruso” y “El Negro” porque se mantienen siempre unidos pese a todos los conflictos y tristezas, y solamente la necesidad de soñar les permite afirmarse como seres humanos con un objetivo para vivir...”

Dijo el Diario LA INDUSTRIA, Trujillo, Perú 1998

"BELLEZA Y EMOCIÓN: TEATRO DE LA PLATA"

“...El montaje impactó por la total integración escénica demostrada: la absoluta coordinación entre los movimientos, los silencios, las luces, el manejo extraordinario de la voz, la ubicación de los artistas que por momentos sugerían el tango, el vestuario a lo Valentino, en fin, todo el proceso estético del teatro realizado en la terriblemente difícil sencillez. Trabajo que mereció el aplauso incondicional de un auditorio admirado...” Alfredo Alegría Diario LA REPUBLICA. Trujillo, Perú, 1998

Dijo el Diario EL DÍA, La Plata

"A LOS MUCHACHOS: BITACORA DE SUEÑOS"

"...El Negro y El Ruso establecen un contrapunto perfecto, un delicado equilibrio. Se enfrentan, se hermanan, se complementan, se necesitan. Delirantes, patéticos, vanidosos, apichonados, optimistas, vencidos, recorren toda la gama melodramática con asombrosa ductilidad. Norberto Barruti, desde la dirección, destacó los valores intrínsecos de la pieza: el homenaje al artista y a su azarosa carrera, difícil de mantener viva la llama de la pasión, la perseverancia ante la adversidad, el renacer de las propias cenizas, la inexorabilidad del paso del tiempo, la obsecada búsqueda de un rumbo y del sentido de la existencia.“A LOS MUCHACHOS” jerarquiza el rol de la fantasía y de los sueños como único medio para conjurar la muerte..." Irene Bianchi Diario EL DIA. La Plata, Argentina, 1998

Dijo el Diario LA CAPITAL, Mar del Plata

“LOS MUCHACHOS ESTÁN EN POS DE LA MÁS GRANDE UTOPÍA” “...El Negro y el Ruso son dos buscadores que a pesar de la realidad, más allá de las circunstancias, como verdaderos arquetipos, se ponen a salvo del patetismo gracias al motor inconfundible de los sueños. Comparten ese don de los que siguen en pos de una utopía. Contra viento y marea...” “...Porque lo inexplicable, y hasta lo absurdo de insistir en esa quimera de un triunfo que no llega, se acepta en “A LOS MUCHACHOS”, por esa zona inasible presente en algunos seres singulares: aquellos a los que su propia inocencia los resguarda de cualquier condena social...” “...El Negro y El Ruso, no son sólo partes de uno mismo, sino que conforman un homenaje a todos los artistas que alguna vez partieron no en pos de un modelo, sino tras un ideal...” “...La escenografía merece un aparte: unos pocos elementos que consiguen, gracias a la creatividad de la puesta, convertirse en varios -palco, escenario, rincón... destino-, en un juego en el que las actuaciones y la iluminación (impecable) también aportan la magia indispensable para que el espectador no sólo vea “lo que aparece”, sino lo que se evoca, y más, lo que se ansía, aquello que vive más en la mirada que en el horizonte...” “...En suma, dos actores que se las traen, un director que se luce, en una puesta especial...”

Virginia Ceratto Diario LA CAPITAL. Mar del Plata, Argentina, 11 de enero de 2000

Dijo el Diario EL NUEVO ROJENSE, Rojas, Pcia. de Buenos Aires

“...el domingo, con la sala llena, como en las mejores épocas de nuestro teatro, los personajes dejaron sentadas sus condiciones actorales, que unidas a la mano exquisita y experimentada del director Norberto Barruti, ofrecen al espectador un regalo donde la risa y las lagrimas surgen espontáneamente a través de lo que transmiten los protagonistas de esta historia, que tanto nos acercan a la realidad que viven los artistas populares que están siempre a la "espera" de esa utópica oportunidad que generalmente no se presenta y queda solamente registrada en la memoria de aquellos que sueñan con "la buena estrella"

Gonzalo Davio Diario EL NUEVO ROJENSE. Rojas, Argentina, 9 de noviembre de 2010

A LOS MUCHACHOS Y LA NOSTALGIA DE LA IDENTIDAD NACIONAL Por Gustavo Radice

Evocar la puesta en escena de A los muchachos, es en cierto modo pensar la tradición del teatro nacional. La obra escrita por Maricel Beltrán y Adriana Crespi sobre “El Clásico Binomio” de Bruza y Ricci, y con la actuación de Eduardo Forese y Pablo Pawlowicz y dirección de Norberto Barruti, nos transporta a la época de los cómicos de la legua, al circo criollo y su pista de aserrín; o más cercano a nuestro tiempo a las comedias de Discépolo en donde personajes tragicómicos desvisten su ser ante los ojos de los espectadores. La reescritura que realizó el Taller de Teatro de la UNLP sobre el texto de El Clásico Binomio nos lleva de viaje por la tradición teatral nacional, sus personajes están teñidos de melancolía y nostalgia y nos recuerdan a grandes de la escena nacional como Elías Alipi o Luis Sandrini, o ciertos gestos y posturas físicas nos traen a la mente a José Marrone. Ambos actores – Forese y Pawlowicz- sobre una escena que remite al circo criollo, enmarcada por un telón raído, nos llevan de recorrido por pasado teatral nacional. A los muchachos discurre sobre la fantasía de gloria y éxito anhelado de dos tangueros; el sueño de triunfo en el viejo continente y el regreso triunfal al país. La claridad poética que plantea Norberto Barruti a la hora de llevar a escena A los muchachos, no solo nos cuenta la historia del teatro argentino, sino también nos marca el camino para pensar cuáles son los elementos que componen la identidad nacional. Barruti lleva a escena un imaginario social sobre el argentino exitista, que solo tiene en su mente a Europa como el objetivo de grandeza. El director nos pinta en “el Ruso y el Negro” –los personajes de A los muchachos- esa dicotomía que el argentino tiene dentro de sí, la espera y los sueños, “el vivir y verse vivir”. El abandono existencial en el que se encuentran ambos personajes nos plantea la búsqueda de una identidad que pareciera haberse perdido en el pasado, y Barruti en esa recuperación de la tradición teatral nacional nos alerta de esa pérdida. La escena cubierta de valijas nos remite a ese constante ir y venir sobre nuestra historia; a ese viaje que deberíamos hacer hacia nuestro pasado, ninguno de los dos personajes puede apartarse de sus valijas, son sillas, son mesa o escenario. Las valijas son el soporte de la existencia del “Ruso” y el “Negro” sin ellas y sin su contenido dejarían de ser esos viajeros nostálgicos que buscan su identidad. Norberto Barruti, a partir de la puesta en escena de A los muchachos, nos describe como viajeros nostálgicos que vemos ir venir la vida sin comprometernos con el pasado. A los muchachos no es un espejo donde reflejarnos, es la biografía de una Argentina que se perdió en el pasado en viaje hacia el presente.

LUGARES DE LAS PRESENTACIONES EN FESTIVALES INTERNACIONALES

VII Festival Internacional de Teatro de Trujillo - Perú 1998 Teatro Municipal de Trujillo Auditorio de la Escuela “Nuestra Señora del Perpetuo Socorro”

III Encuentro del Arte y la Cultura del Mercosur - Eldorado - Misiones 1998 Salón Eibl

I Festival Internacional de Teatro Baradero 2000 Casa de la Cultura

IX Festival Internacional de Teatro de La Habana - Cuba 1999 Sala Teatro El Sótano Teatro Nacional (Sala Covarrubias) Teatro Fausto Teatro Miramar

Semana de la Argentina en Brest -Francia 2000 Auditorio Guilcher

Fundación Argentina en Paris - Francia 2000 Salon de Honor de la Casa Argentina en París

XXIX Feria Internacional del Libro de Santiago - Santiago, Chile, 2009 Sala de las Artes del Centro Cultural Estación Mapocho Sala El Rosario de la Corporación Cultural de Las Condes

Sinopsis

ACCIDENTAL, pieza coreográfica basada en creación a tiempo real. Bosquejo de composición pensado en una estrategia performática para 2 ó 3 ó 4 intérpretes en escena. ¿Es todo insistencia? ¿Podemos ocupar la resistencia como potencia? Ponemos la experiencia física como desesperación enérgica en vibración constante. Cuerpos que forman trazos, tomando decisiones, produciendo encuentros para reconciliar a otro cuerpo y generar un consenso. Pensar que somos imprescindibles, conectar nuestras intensidades, y amoldarnos para generar una estructura firme, ¿tenemos posibilidad de abandono? Solo hay esperanzas y energías que reciclan fuerzas de aliento y de grito para poder insuflar vida. Si nos distanciamos, hay un cuerpo que muere. Accidental, es una voluntad de resistencia. Es todo insistencia y ahora. Es una proeza de cuerpos. Accidental, es un ritual, una multiplicidad de fuerzas con furia. La Obra presenta una historia que se desarrolla a través de una incidencia, una tragedia que ocurrió fuera de lo acostumbrado, establecido o previsto. El gran disparador fue una situación real que quedó en el archivo de la memoria, un accidente. Los cuerpos producen un encuentro para restablecer, para reconciliar a otro cuerpo, uno que no está en escena. ¿Cómo nos reactualizamos individual y colectivamente para sobrevivir? ¿Qué pasiones nos comprometen? ¿Qué situaciones nos hacen vibrar más? ¿Cómo pierde la forma un cuerpo cuando está acontecido y agitado? ¿Cómo se conjugan las pieles? ¿Qué desequilibrios existen al separarnos? ¿Cambian nuestras fuerzas según los encuentros? ¿Cuáles son nuestros acuerdos y desacuerdos? ¿Cuáles son nuestras estructuras, figuras, hechuras? ¿Que hay en nuestras mínimas distancias? ¿Quién de nosotros sostiene más? ¿De qué forma nos encontramos?

Participantes

Vanesa Torres Pita

Idea, dirección, interpretación

Claudio Díaz

Asistente

Jairo Urtubia

Intérprete creador

Felipe Allende

Intérprete creador

Claudio Diaz

Intérprete creador

Marco Antonio Zambrano

Diseño sonoro e iluminación

Funciones Especiales

Fecha	14-03-2018
Lugar	Centro de Arte de la UNLP
Ciudad	La Plata
En el marco de	Quinta edición del Festival Danzafuera

Más sobre la obra

Sinopsis

Ser parte de un movimiento – no provocarlo o conducirlo – es como hacer la ola en la cancha: una arenga colectiva que sacude temores, amarguras o prejuicios. Nos electrifica y funde en un tiempo compartido.

Motivación

Decimos sobre NOSOTRAS: existen amistades políticas, eso dice la socióloga María Pía López en una nota que enseguida tomamos como parte de las lecturas a las que volvemos. Desde que nos cruzamos así vivimos nuestro encuentro, trabamos una complicidad afectuosa nutrida por las ganas de pensar nuevas formas (para nosotras) de intervenir en la vida pública y en la escena.

Por eso, en el sentido estricto, no somos una compañía pero decidimos trabajar acompañadas una de la otra, construyendo un espacio de colaboración, confianza y disfrute. Enlazamos nuestras experiencias y formaciones disimiles; sorteamos los mismos temores y limitantes; compartimos una edad; peleamos hoy contra las mismas cosas en una realidad que requiere gestos sensibles y meditados. Sentimos que es nuestro tiempo de abrazar las ideas e acariciarlas bailando.

Entrevista radial sobre el trabajo: https://soundcloud.com/user-26403147/radio-universidad-i-entrevista-a-jorgelina-morgan-9-03-17

Participantes

Jorgelina Mongan

Directora

Daniela Camezzana

Bailarina

Funciones Especiales

Fecha	30-03-2017
Lugar	Museo Provincial de Bellas Artes Emilio Pettorutti
Ciudad	La Plata
En el marco de	Ambas funciones se realizaron en el marco del Ciclo DANZA EN EL MUSEO organizado por el Museo. La inauguración de su temporada 2017, se realizó con el Capítulo CERO. Temporada 2017: Ellas. En esta ocasión se presentaron tres propuestas vinculadas al Día Internacional de la Mujer, dándole de este modo sentido al legado de Emilio Pettoruti que en los años 30 planteó un “espacio multicultural” en el cual circulen diferentes propuestas extendiendo los límites del espacio museo. Participaron Delfina Serra; Jorgelina Mongan y Daniela Camezzana y Las suicidas.

Fecha	10-03-2017
Lugar	Museo Provincial de Bellas Artes Emilio Pettorutti
Ciudad	La Plata

Más sobre la obra

Participantes

Fernanda Tappatá

Intérprete

Elizabeth López Betancourth

Interprete

Maisa Bohe

Interprete/ Música

Victoria Calvente

Dirección de Arte

Más sobre la obra

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Sinopsis

La escalera mecánica se toma como una alegoría del automatismo de la sociedad que yendo en la misma dirección, sin preguntarse, hace lo mismo cada vez. Cada “díahoraminutosegundo”. Y va, sin saber que el recorrido fue dibujado por otro, planificado por otro. La performance se basa en ir en contra del final, de la llegada, para no terminar. En sentido contrario a la dirección inevitable a la cual los escalones nos llevan si nos detenemos. Contraponerse a ser movido en quietud, a la unidireccionalidad, al recorrido conocido de duración idéntica para toda persona que lo inicia. Un lenguaje físico que connota lo automático en nosotros, y como lo automático, nos refleja determinados, limitados, desconocidos, como una pieza más del engranaje. Remarcar el desmantelamiento del cuerpo. Un cuerpo objetivado, un objeto corporizado La repetición, la rutina, que no se detiene, no repara, no se modifica. Continúa continuamente, como las horas…persecución infinita Ir en contra del final.

Motivación

Alegoría es un trabajo solista de Lucía Toker, quien se dedica a la investigación, creación e interpretación en danza. Desde hace tiempo, se encuentra desarrollando proyectos propios centrados en la performance urbana y la improvisación como sistema de trabajo, presentados en distintos ciclos y festivales de la ciudad de Buenos Aires y La Plata. Actualmente desarrollo un proyecto personal llamado MUTANTE. Una obra en constante cambio. Como bailarina intérprete integra la Compañía Andante dirigida por Víctor Campillay y ha realizado distintos trabajos con directores como Ivan Haidar, Ana Garat, Silvina Grinmberg y Roxana Galand, entre otros.

Participantes

Lucía Toker

Idea, Direccion, Performance

Más sobre la obra

La escalera mecánica era parte del espacio elegido para intervenir en el marco del Festival Diagonales. La idea surge al ver la foto e imaginar cómo sería bailar en una escalera mecánica, algo que resultaba desafiante y original. Al mismo tiempo, se revelaba todo un trasfondo social. No se realizaron ensayos y fue una performance/intervención urbana elaborada desde la improvisación. Tanto la idea como la creación son propias.

Participantes

Paula Brusca

directora

Más sobre la obra

Dir. Paula Brusca. Producción de la Comedia de la provincia de Buenos Aires, convocatoria de proyectos de dirección. En gira por el interior de la provincia y en la sala Armando Discépolo, Comedia de la provincia. La Plata, noviembre de 2010. • Alle Donne. Sala Gregorio de Laferrère, Argentores. 2006. Dirección de Beatriz Matar. • Alle Donne. Publicado por el Instituto Nacional del Teatro, Colección Premios. 2006. • 2006. 7mo. Concurso Nacional de Obras de Teatro del Instituto Nacional de Teatro (INT). Mención por Alle donne. Jurado: Jorge Accame, Javier Daulte y Rubén Szchumacher. • 2006. Ciclo de Teatro Semimontado, Argentores. Selección de Alle donne para ser presentada en la sala de la entidad. Jurado: Helena Tritek, Roberto Perinelli y Tito Cossa. • 2017. 11º WOMEN PLAYWRIGHTS INTERNATIONAL CONFERENCE 2018. Selección de Alle Donne para lectura. A realizarse en octubre de 2018 en Santiago de Chile. • Alle Donne. Dirección de Febe Chaves. En el ciclo Anarquistas: la fuerza de la Idea. Estación Provincial, 17 y 71, La Plata. Noviembre de 2009.

Sinopsis

Esta propuesta se tomó a pecho una de las preguntas del Festival Danzafuera: cómo habitar desde la danza los espacios cotidianos de la ciudad de La Plata y se convirtió en un laboratorio de exploración sobre el propio material bailado para la acción. Tomando el trabajo de observar cada paso, darlo vuelta y hacerlo estallar en unidades mínimas que puedan emerger en cualquier momento y espacio disponible. Bailar incómodas, bailar cayendo, bailar pegados o que nos peguen un baile son algunos de los escenarios que imaginamos para estos días de intervención en el más común de los lugares: el colectivo. Tomarse un bondi es siempre un viaje. Es aprender a compartir una trayectoria con un grupo de personas que no elegimos, nos tocan (en múltiples sentidos). Una vez arriba podemos ser público cautivo de discusiones, parte de la previa de los adolescentes, miembros de un pogo involuntario, testigos silenciosos de conversaciones privadas o protagonistas absolutos cada uno en su película. Pero siempre ponemos el cuerpo de una forma u otra. Sobre esta experiencia es que la danza puede provocar una interferencia y fantasear con otras modos posibles de habitar juntos.

Participantes

Daniela Camezzana

Coordinación de acciones

Delfina Serra

Realización de acciones

Julia Catala

Realización de acciones

Jorgelina Mongan

Realización de acciones

Temporadas

Funciones Especiales

Fecha	09-03-2018
Lugar	Transportes Públicos de La Plata
En el marco de	Danzafuera 2018

Fecha	10-03-2018
Lugar	Transportes Públicos de La Plata
En el marco de	Danzafuera 2018

Fecha	12-03-2018
Lugar	Transportes Públicos de La Plata
En el marco de	Danzafuera 2018

Más sobre la obra

Sinopsis

Venimos cargando frutos de herencias no revisadas y lo que se vive es un escenario caótico de vínculos llenos de incomprensión e incertidumbre. Dificultad en conectar, deseo de conectar y torpeza en el intento. No sabemos si seremos amados o aceptados siendo “otra cosa” no sabemos siquiera por dónde comenzar a ser auténticos. Vaciar, revisar, refinar, adaptar, interrogarse, soltar. Elegir. He aquí una travesía. Amame!

Participantes

Paloma Ardeti

Dirección

Agustina Elichiribehety

Intérprete

Nadir Toral

Intérprete

Mauro Spezia

Intérprete

Tania Suarez

Intérprete

María Teresa Bustos Cares

Intérprete

María Clara Rodriguez

Intérprete

Nadia Silva

Intérprete

Sylvina Alcolea

Intérprete

Bony Carvajal

Intérprete

Sofia Dawidiuk

Intérprete

Jeremías Pan de semillas

Música

Federico Martinez

Registro audiovisual, luces

Brenda Martinez

Registro audiovisual

Más sobre la obra

Sinopsis

En el siglo XVII Sir Thomas Browne observó que no hay animal sin abajo, arriba, adelante, atrás, izquierda y derecha y negó que pudiera existir la anfisbena, en la que ambas extremidades son anteriores. Duplicidad eficaz, sus cabezas pueden realizar más de una tarea a la vez: mientras una lloraba la otra reía, mientras una callaba la otra hablaba, mientras una estaba de pie la otra dormía. La una en su lugar y la otra en la cola, como si una no le bastara para descargar su veneno. En griego quiere decir la que va en dos direcciones. Se dice que si la cortan en dos pedazos estos se juntan.

Motivación

La obra surgió a partir de la invitación a participar del ciclo Supervivencias (coordinado por Diana Rogovsky y Renée Zgainer). Este ciclo invitaba a crear obras en un tiempo breve y con una modalidad intensiva, en vinculación con los espacios que se ofrecían para realizarlas. En este caso un centro cultural emplazado en una casa antigua. A partir de esta propuesta, el grupo construyó una obra en la que se exploran y tematizan las vinculaciones entre los mundos del arte y la investigación académica y los modos en los que estos y otros mundos se enlazan en cada una de las mujeres que lo integran, de modos ligados, en muchos casos a la monstruosidad.

Participantes

Mariana del Mármol

Intérprete-Creadora

Gisela Magri

Intérprete-Creadora

Mariana Sáez

Intérprete-Creadora

Lucía Belén Merlos

Intérprete-Creadora

Natalia Pagano

Intérprete-Creadora

Elizabeth López Betancourth

Intérprete-Creadora, Ilustradora

Ana Sabrina Mora

Intérprete-Creadora

Mónica Menacho

Diseño Audio Museo

Diego Torres

Diseño y edición de video

Victoria Calvente

Diseño de iluminación

Temporadas

Fecha desde	26-09-2014
Fecha hasta	04-10-2014
Lugar	Centro Cultural Atahualpa
Ciudad	La Plata

Más sobre la obra

Sinopsis

Olivia habla al pie de un paisaje con muertos. Bruno pasea y se tropieza con algunos muertos, a los que finalmente hunde.

Participantes

Leonardo Basanta

actor

Analía Carlé

actriz

Carolina Donnantuoni

actriz

Nahuel Ortiz

actor

Victoria Hernández

directora

Lau de Benito

vestuario

Ade Lar

foto/video

Agustín Salzano

música

Temporadas

Fecha desde	10-06-2016
Fecha hasta	25-06-2016
Lugar	NN Galería
Ciudad	La Plata

Más sobre la obra

Sinopsis

Con más cable pelado, fuego y pobreza disfrazada de riesgo que nunca (es decir, más que en el 2016). El objetivo del nuevo montaje es investigar la vinculación entre espacio y puesta en escena, abordando el texto a partir de las obstrucciones, condiciones e ideas que los espacios imponen y aportan.

Participantes

Leonardo Basanta

Actor

Analía Carlé

Actriz

Carolina Donnantuoni

Actriz

Nahuel Ortiz

Actor

Rocío Martínez

Sonido

Julian Di Pietro

Sonido

Lau de Benito

Vestuario

Victoria Hernández

Dirección

Temporadas

Fecha desde	12-08-2017
Fecha hasta	20-08-2017

Fecha desde	27-07-2018
Fecha hasta	04-08-2018

Más sobre la obra

Sinopsis

Un lugar desde donde el cuerpo que oculta la luz aparece contenido por un anillo iluminado proveniente de la misma luz que obstruye. Ella situada en la antumbra experimenta el eclipse anular, pero si se acerca a la fuente de luz el tamaño aparente del cuerpo de oclusión crecerá hasta que genere una sombra total, umbra.

Antumbra es la relación de la luz con los cuerpos y del estado de aquellos con el contexto. Es sombra. Es un lugar donde ellas se encuentran, se ocultan, viven, aman y mueren. El universo de movimiento parte de un constante desequilibrio y descontrol. Lo que les sucede, las excede. El dispositivo lumínico resalta los cuerpos y sus recorridos en el espacio, por un lado, y por el otro, integra al espectador a este mundo siniestro.

Esta obra recibió el apoyo de OI HOY, Casa abierta

Participantes

Macarena Cambre

Creación de movimiento e interpretación

Ana Borré

Creación de movimiento e interpretación

René Mantiñan

Asistencia técnica y creación de objetos lumínicos

Luisina Anderson

Fotografía

Constanza Copello

Creación de movimiento y dirección

Funciones Especiales

Fecha	26-11-2016
Lugar	VIL teatro
Ciudad	La Plata
En el marco de	Inauguración del Centro Cultural Vil Teatro

Fecha	20-12-2016
Lugar	La Grieta
Ciudad	La Plata
En el marco de	Ciclo de danza organizado conjuntamente entre el Colectivo La Grieta y ACIADIP

Más sobre la obra

Sinopsis

El tema está inspirado en un conocido pasaje de las Metamorfosis de Ovidio (10.4). Apolo, el dios de las Artes y Céfiro, el viento de poniente, están enamorados del bello muchacho Jacinto, hijo de Oebal, rey de Lacedemonia (Esparta). Jacinto prefiere a Apolo, y Céfiro, celoso, desvía con su soplo el disco lanzado por Apolo, haciendo que hiera en la frente a Jacinto y le cause la muerte. El dios, profundamente afligido por la pérdida de su amado lo transforma en la flor que todavía llamamos Jacinto. La obra fue compuesta por Wolfgang Amadeus Mozart.

Participantes

Gastón Aparicio Galeano

Dirección musical

Nicolás Isasi

Dirección Escénica

Damián Ramírez

Interpretación

Maria Paula Alberdi

Interpretación

Norberto Miranda

Interpretación

Diana Salazar

Interpretación

Sofía Romagnoli

Interpretación

Mauro Di Noto

Interpretación

Alejandra Claus

Músico

María Eugenia Grandez

Músico

Ángel Soveron

Músico

Miguel Toro Herrera

Músico

Ariel Napoli

Músico

Agustina Bril

Músico

Diana Gasparini

Músico

Noelia Capucho

Músico

Ana Díaz

Músico

Laura Borrajo

Músico

Juan José Caselli

Músico

Carlos Scopel

Músico

Más sobre la obra

Debido al éxito con la primera ópera de la Compañía, fue que se decidió realizar Apolo, obra que le sigue a la línea mozartiana ya que fue compuesta por el mismo músico en una edad adolescente. La realización de la obra fue de manera conjunta entre el Director Musical y el Director Escénico, sumado al conjunto orquestal que se sumará a los próximos proyectos. El proceso de trabajo implicó 3 meses desde el inicio de los ensayos hasta el estreno, alternando 3 días por semana, ensayos escénicos y musicales de entre 3 y 5hs cada uno.

Participantes

Yamila Tumine

Actriz

Cecilia Fallesen

Actriz

Aurelia Osorio

Actriz

Más sobre la obra

Sinopsis

A través del lenguaje lúdico y comprometido de Julio Cortázar, Así habló el que te dije propone un circuito de instalaciones, ahondando en tres momentos de la historia argentina. Casa Tomada (1947), anclada en el surgimiento del peronismo; Graffiti (1981) una historia de amor en plena dictadura militar; y “La Realidad y Lostein of masturbeiton”, a partir de extractos de Libro de Manuel (1973), que expresan la sociedad mediatizada actual y las barreras sociales del individuo posmoderno. La propuesta del circuito y el concepto de instalación teatral, es una apuesta a un público activo, que recorre las escenas y es interpelado por las diferentes imágenes oníricas que componen cada instalación.

Motivación

En un primer momento la motivación fue el texto realizado por Keko LeMoal y Rolando Canelo, a partir de adaptaciones de tres obras de Cortázar, el cual en su momento se denominaba: TripticoCortazar. Luego comenzaron las múltiples puestas y composiciones por las que pasaron cada una de las escenas; prueba y error que transformó tanto texto como idea inicial de cómo habitaban los cuerpos cada situación.

El proceso para llegar al espectáculo que hoy trabajamos, en total duró 4 años. Pasamos por distintos elencos, dispositivos escenográficos, distintas dinámicas y apropiaciones de espacios. Por lo general, cada escena/instalación tenía su grupo de actores y un director, que a su vez era un compañero que actuaba en otra escena/instalación; se juntaban entre una y dos veces por semana, según la necesidad que demandaba el proceso. La composición final de cada escena surgía (y surge) de cada elenco que trabaja específicamente en ellas. Después, en una segunda instancia, todo el grupo ve los productos finales y hacemos una lectura integral con devoluciones para abordar la idea de la obra, y para que las escenas/instalaciones tengan un mismo lenguaje. En la actualidad, no consideramos que sea un producto acabado, sino que se sigue ajustando, repensando y creciendo ante una lectura crítica y vital de cada uno de los participantes que conforman La Joda Teatro.

Participantes

Gisela Nomdedeu

Actriz, Directora

Nacha Citati

Actriz; Diseño de Maquillaje

María Paula Ponce

Actriz

Damián Le Moal

Actor; Director

Flavio Bosco

Actor

Rodrigo Garrigue

Actor

Juan José Bayinay

Actor

Rolando Canelo

Actor

Emilia Quintela

Escenógrafa y vestuarista

Valentina Rodríguez Kees

Escenógrafa y vestuarista

Daniel Ayala

Músico y fotógrafo

Mauro Iommi

Asistencia técnica

Nicolás Battilana

Asistencia técnica

Emmanuel Burgueño

Asistencia técnica

Más sobre la obra

La obra se estrenó el 1 de octubre de 2013 en el Centro Cultural Pasaje Dardo Rocha. En ese mismo mes y en la misma sala, participó del Ciclo de Teatro Independiente. Mientras que en noviembre, se presentó en el Centro Cultural El Clu de Berisso, el Centro Cultural En Eso Estamos, El Fondo Espacio Teatral, Centro Cultural Azulunala, Rey Lagarto Bar y Centro Cultural Casa Brava, situados todos en la ciudad de La Plata. Luego se realizó una función en diciembre en el Centro Cultural Musicante de Gualeguaychú y Saverio Bar, en abril de 2014.

Sinopsis

Un hombre multiplicado por el tiempo, por el camino, por las historias. Todos los actores son y están en él. Mojones de un viaje de vida, que en cada función, que en cada mirada, llevará a todos por un camino diferente. El ritual del teatro, el ritual del folklore, el ritual de la vida. ¡Taba!

Motivación

La propuesta artística nace de la idea de crear un espectáculo que pueda transmitir algo de la esencia del gran músico argentino Atahualpa Yupanqui. Pretendemos en la puesta en escena recuperar, así como él lo hizo con el folklore, las raíces del teatro, el carácter de juego y rito del hecho teatral. “Un deseo profundo vive en mí: ser un día el rostro de una sombra sin imagen alguna, y sin historia. Ser solamente el eco de un canto apenas acorde que señala a sus hermanos la libertad del espíritu…”, decía Atahualpa, y tomando este texto como hoja de ruta, nos introdujimos en el mundo de Roberto Chavero, más precisamente en su poética visión del mundo. En ese viaje por su vida y por su historia, rescatamos su búsqueda recurrente por transmitir el silencio, hacerlo canción, hasta llegar a tenerle rabia por ser un desafío y una búsqueda inabarcable. Decidor, más que cantor, andador de caminos, que a cada paso se encontraba con gentes que alimentaban sus versos. Cada copla que escuchaba, la metía dentro de sus bagajes, para trasmitirlas, para seguir plantando raíces en diferentes tierras, sin ninguna que lo detenga. Logró llevar los versos de la montaña a los valles, de la pampa a los mares, cruzó líneas preestablecidas, ayudó abrir caminos y surcos, él acostumbrado a decir “que es demasiado aburrido seguir y seguir la huella”, repartió versos para que cada quien haga su propio camino. Y es así que hoy, muchos jóvenes piensan que “El arriero” es una canción de Divididos, una especie de profecía cumplida: Atahualpa creía en que las canciones no tienen dueño, y es así que sus versos siguen volando, cabalgando por el viento para que diferentes artistas los recuperen para mantenerlos “como abrojo en la memoria”. Para crear este espectáculo pensamos como primeros destinatarios adolescentes. ¿Por qué? Porque ellos, justamente, están en plena etapa de búsqueda, de preguntas, de emociones, de pensar y repensar los límites para romperlos, para transformarlos, para generar nuevos horizontes. Atahualpa Yupanqui, transformó el folklore recuperándolo y transmitiéndolo. Proponemos un espectáculo que recupere lo ritual, tanto folklórico, como teatral, recuperar el espíritu de juego, de peña, de reunión. Que se base en transformar la poesía en metáfora escénica, caminar por la cornisa de montañas y valles, para que ese camino nos modifique y nos motive a reflexionar en cada paso. Para conocernos y para reconocernos.

Participantes

Diego Biancotto

Director

Estanislao Pedernera

Actor

Lisandro Amado

Actor

Gonzalo Correa

Actor

Diego Biancotto

Actor

Temporadas

Lugar	Crisoles Centro de Arte

Lugar	Sala 420

Lugar	Centro Cultural El Núcleo

Más sobre la obra

Obra seleccionada para el Festival Regional de Teatro 2014, La Plata. Cuenta con subsidios del INSTITUTO NACIONAL DEL TEATRO y del FONDO NACIONAL DE LAS ARTES.

Sinopsis

En un espacio desértico una mujer porta su cuerpo, sus imágenes-palabras, su vestido. En un espacio desértico un vestido porta el cuerpo de una mujer, sus imágenes-palabras, su vestido. Las piedras se acumulan y el sol transita iluminando un sueño que revoluciona el dormir.

Motivación

Bajo un sol de sílice es una propuesta escénica que trabaja en principio sobre el vínculo que se establece entre el cuerpo de una actriz y el espacio que la rodea. Jugando con los límites de lo teatral y lo performativo, el espacio es un interrogante que cruza constantemente todos los componentes del espectáculo: los objetos, la luz, el vestuario, la voz y cuerpo de la actriz. En él se lanzan las preguntas que crean el imaginario, ¿Cómo aparecer y desaparecer? ¿Cómo suspenderse o seguir la gravedad? ¿Cómo se deambula? ¿Cómo encontrar el espacio entre los espacios? ¿Qué lectura sensible se desprende de la relación ambigua entre el espacio (lo concreto) y lo invisible? ¿Cuáles son sus límites? ¿Cómo tocarlo o negarlo?

Participantes

Rocio Passarelli

Intérprete

Julián Poncetta

Dramaturgia y dirección

Mara Mroczec

Diseño de Arte y Vestuario

Dona Sgarbi

Escenografía, iluminación y Sonido

Lujan Vivas

Escenografía, iluminación y Sonido

Rosario Miranda Cochella

Maquillaje

Funciones Especiales

Fecha	07-10-2017
Lugar	La Grieta
Ciudad	La Plata

Fecha	25-03-2017
Lugar	Centro Cultural Pasaje Dardo Rocha.
Ciudad	La Plata

Fecha	18-03-2017
Lugar	Centro Cultural Pasaje Dardo Rocha.
Ciudad	La Plata
En el marco de	Festival de Teatro en el mes de la Mujer

Fecha	17-11-2016
Lugar	Centro Cultural Pasaje Dardo Rocha.
Ciudad	La Plata
En el marco de	Ciclo de Teatro Independiente 2016

Fecha	15-09-2016
Lugar	Centro Cultural Estacion Provincial
Ciudad	La Plata
En el marco de	2° Ciclo de Teatro por la Identidad La Plata 2016

Más sobre la obra

Mariana Arocena para Agenda ZAZ!: http://agendazaz.com.ar/site/?p=17436 Gustavo Radice para La Escena está servida: http://laescenaestaservida.com.ar/?p=2524 Rocío Bergé para La Escena está servida: http://laescenaestaservida.com.ar/?p=2491 Jerónimo Buffalo https://www.facebook.com/rocio.passarelli/posts/10212525309710406

Sinopsis

Ella es una pastora que cree que ha perdido el cariño de su amigo por lo que recurre al gran mago Colas. Este le aconseja a Bastiana que actúe con frialdad hacia Bastián, que finja amar a otro, y así él volverá corriendo. Bastián queda asombrado y pide la ayuda del mago. Finalmente, los dos deciden que han llegado demasiado lejos y se muestran conformes en reconciliarse. A través de las travesuras de Colas, ellos solos entienden el amor y la amistad, ambos sentimientos sustentados en el respeto. La obra fue compuesta por Wolfgang Amadeus Mozart.

Participantes

Gastón Aparicio Galeano

Dirección musical

Nicolás Isasi

Dirección Escénica, Diseño de luces

María Carranza

Interpretación

Matías Klemm

Interpretación

Esteban Salvador Gómez

Interpretación

Zoe Deborah Cano

Figurante

Valentina Poggio

Figurante

Paula De Giusto

Escenografía

Sofía Campoy

Diseño y comunicación visual

Marisol Bustamante Carballo

Maquillaje

Raúl Carranza

Asesoramiento idiomático y subtitulado

Maximiliano Martiniau

Fotografía

Alejandra Claus

Músico

María Eugenia Grandez

Músico

Ángel Soveron

Músico

Miguel Toro Herrera

Músico

Ariel Napoli

Músico

Agustina Bril

Músico

Diana Gasparini

Músico

Noelia Capucho

Músico

Ana Díaz

Músico

Laura Borrajo

Músico

Juan José Caselli

Músico

Carlos Scopel

Músico

Temporadas

Fecha desde	20-06-2013
Fecha hasta	31-10-2013
Lugar	Teatro El Bombín
Ciudad	La Plata

Fecha desde	06-07-2013
Fecha hasta	06-07-2013
Lugar	Teatro de Cámara de City Bell
Ciudad	La Plata

Más sobre la obra

Sobre el proceso de trabajo

La realización de la obra fue de manera conjunta entre el Director Musical y el Director Escénico con el objetivo de presentar una obra simple, siendo compuesta por un Mozart de tan sólo 12 años, donde desarrolló la relación de dos adolescentes que juegan una historia de amor. El proceso de trabajo implicó 6 meses desde que se propuso la idea y se comenzó a desarrollar la puesta, pero los ensayos duraron 3 meses de 3 días por semana donde se alternaban ensayos escénicos y musicales de entre 3 y 5hs cada uno.

Motivación

Muestra anual de la Escuela de Danzas Clásicas de La Plata.

Participantes

Pilar Serrano

Intérprete Bailarina

Agustina May Landa

Intérprete Bailarina

Andrea Cordova

Intérprete Bailarina

Rocio Laria

Intérprete Bailarina

Maria Paz Vega Lorenzo

Intérprete Bailarina

Guadalupe González

Intérprete Bailarina

Constanza García

Intérprete Bailarina

Funciones Especiales

Fecha	16-10-2016
Lugar	Centro Cultural Islas Malvinas, La Plata
Ciudad	La Plata
En el marco de	Muestra Día de la Madre

Fecha	23-09-2016
Lugar	Salón de los espejos, Facultad de Ciencias Jurídicas, UNLP
Ciudad	La Plata
En el marco de	Festival Derecho al Arte

Fecha	29-06-2016
Lugar	Teatro Municipal Coliseo Podestá. La Plata
Ciudad	La Plata
En el marco de	Muestra anual EDCLP

Más sobre la obra

Sinopsis

El espectáculo se basa en improvisar una entrevista -abierta a preguntas del público- donde el eterno hacedor de laberintos literarios responde con anécdotas personales, citas a sus textos favoritos y opiniones sobre cualquier tema que se aborde. Además, según palabras que sugiera el público a modo de títulos, el Maestro recitará poemas al mejor estilo borgesiano (improvisados por el intérprete) que se presentarán como el producto inédito de los años en que el poeta estuvo ausente de la vida pública, los cuales dedicó a componer poesías tan infinitas como infinitas son las combinaciones de palabras del idioma Castellano.

Participantes

Casper Uncal

Director, Intérprete

Jorge Pinarello

Intérprete

Funciones Especiales

Fecha	10-05-2012
Lugar	Rincón de los amigos
Ciudad	La Plata
En el marco de	varieté "Luna Negra".

Fecha	24-01-2013
Lugar	Piano bar
Ciudad	Mar Del Plata
En el marco de	Prosa mutante

Fecha	27-01-2013
Lugar	Museo y bibliteca popular
Ciudad	Mechongué
En el marco de	2do Festival "Mecharte".

Fecha	21-03-2013
Lugar	La Carpintería Cultural
En el marco de	ciclo “Puchero Misterioso”.

Fecha	21-03-2013
Lugar	Rey Lagarto bar
En el marco de	Ciclo “Domingos Alterados”.

Fecha	06-10-2013
Lugar	Intendencia Municipal
Ciudad	Montevideo
En el marco de	36° Feria del Libro Uruguay

Fecha	17-01-2014
Lugar	Piano bar
Ciudad	Mar del Plata
En el marco de	ciclo “Prosa Mutante”.

Fecha	22-02-2014
Lugar	Casa Hawái
Ciudad	Capital Federal

Fecha	28-02-2014
Lugar	Saverio
Ciudad	La Plata

Más sobre la obra

El espectáculo surge de un taller de improvisación dictado por Jorge Pinarello, cuya muestra en el año 2010 estuvo estructurada bajo el estilo “borgesiano”. De allí, tomó cada vez más importancia la figura misma de Borges como personaje de su literatura, y su estilo poético como un riesgo que motive el vértigo de la improvisación. La propuesta se fue modificando a lo largo de las funciones hasta su estructura actual (preguntas del entrevistador, preguntas del público, poemas espontáneos). Las mismas han sido esporádicas pero constantes

Sinopsis

CARNADA es una declaración textil. Una travesía desde el Río de la Plata hasta el Mar Egeo. Un rejunte de redes que traen en sus coordenadas la fantasía, el paisaje. La ilusión de nadar en todas las aguas para llegar al origen.

Motivación

La obra surge del deseo de trabajar con el paisaje de mi infancia. Con el Arroyo Rodriguez y la carga simbólica del Barrio Nirvana de Gonnet. Surge también de una pregunta sobre la trama textil de la red, como herramienta de acopio, como metáafora de la seducción y también como un lazo social

Participantes

Carla Sivila Sosa

Diseño de Traje de Baño

Renata Daguerre

Dirección de Video

Tatiana Garro

Cámara

Más sobre la obra

“No siempre son gusanos las carnadas. No siempre son de acero los anzuelos. Algunas tardes hay cuerdas, babas de araña, arabescos de hilo, declaraciones textiles rondando el curso del agua, seduciendo las piedras. A veces hay ninfas desterradas. Las ninfas son de viento, hadas blancas, hijas de Zeus. Crean un cuerpo de luz y lo habitan. Se visten de transparencia. Se desvisten de piel. Las ninfas son mujeres. Y jóvenes. Y abismadas. Ella sólo va. Los peces y las algas del arroyo se le acercan para ser acariciados sin temor a quedarse ciegos. Los sauces se arrodillan a su paso como súbditos callados. Ella cura animales heridos y repara las flores. Ella toca las ramas, y brotan. Ella calma el sol. La del agua, la náyade, anda en los arroyos y los lagos dulces. Los ojos son siempre solos y las redes son siempre griegas. Es un baile místico el que mueve el paisaje. Arrastra con su red la oscuridad del mundo, barre los deshechos, limpia los bordes. Y luego, como en las tormentas, entre relámpagos salvajes, en un trueno de lobos, en un canto feroz, realiza la alquimia. Ella alquimiza el mundo. Vuelve al origen perfecto. El aire se puede respirar.” Texto por Maria Marta Urrutia Video por Renata Daguerre, asistente de cámara Tatiana Garro Traje de baño: Caschi @biencaschi Arroyo Rodriguez, Gonnet

Sinopsis

A la medianoche sin piedad, arrancamos. Quizás escuches la música del mar y hasta quieras bailar...

Participantes

Ricardo Pilu Pontano

Orquesta y elenco

Ariel Plum Salinas

Orquesta y elenco

Juan Johann Manuel Farías

Orquesta y elenco

Nahuel Aquino

Elenco

Débora Brandwajnman

Elenco

Delia Aguinaga

Elenco

Cecilia Fallesen

Elenco

Silvana Haro

Elenco

Clara Tapia

Elenco

Cochoco Abbatangelo

Elenco

Yherman Guersi

Elenco

Roberto Tettamanti

Elenco

Aurelia Osorio

Elenco

Laura Verón

Elenco

Pablo Laszeski

Elenco

Daniel Abalde Schmidt

Elenco

Patricia Ríos

Elenco

Daniela Camezzana

Elenco

Clara Tapia

Asesoramiento y Aporte Escenográfico

Franco Durante

Asesoramiento y Aporte Escenográfico

Temporadas

Fecha desde	19-05-2017
Lugar	Galpón de La Grieta
Ciudad	La Plata

Fecha desde	03-06-2017
Lugar	Galpón de La Grieta
Ciudad	La Plata

Fecha desde	09-06-2017
Lugar	Galpón de La Grieta

Fecha desde	15-07-2017
Lugar	Galpón de La Grieta

Fecha desde	26-08-2017
Lugar	Galpón de La Grieta

Más sobre la obra

Sinopsis

Dos mujeres jóvenes, acuden a un encuentro en un bar. Nadie acude a las citas. Ambas llegan, esperan y parten en silencio infinita cantidad de veces hasta que el espacio comienza a transformarse lentamente en otro: el espacio de su imaginario, sus recuerdos, su memoria. Recuerdos y memoria: ¿Qué espacio ocupan en nuestro cuerpo? ¿De qué estamos hechos? ¿Qué zonas de nuestra memoria decidimos visitar? ¿Qué material sensible nos habita? ¿De cuántas maneras podemos nombrarnos? ¿Cómo nombramos lo que fuimos? ¿Por qué las cosas se repiten?

Motivación

Canción Cantada surge de la necesidad de crear un espectáculo desde los materiales que aparecieron en el espacio de entrenamiento grupal. Materiales de índole práctico-creativa nacidos como respuesta a preguntas tales como: ¿cuáles son las diferencias entre espacio de investigación técnica y espacio de investigación creativa? ¿Qué diferencias y similitudes existen entre el entrenamiento físico y el vocal? ¿Cuáles son los diálogos y entrecruzamientos posibles entre dramaturgia del cuerpo, del espacio, del actor, del autor, del director? Encaramos además este proceso de creación, a partir de ciertos interrogantes sobre la memoria del cuerpo, la del individuo y la memoria “social” y cuáles podrían ser los elementos que las constituyen.

Participantes

Ayelén Dias Correia

Actor

Constanza Mosetti

Actor

Hierba Roja Teatro

Espacio y fotografía

Natalia Suárez

Vestuario

Magalí Salvatore

Vestuario

Mate EP

Iluminacion

Alejandra Buitrón

Asistente de direccion

Liliana Perdomo

Asistente de direccion

Carolina Donnantuoni

Dramaturgia, Dirección

Más sobre la obra

El proceso creativo tuvo lugar entre de marzo de 2012 y septiembre de 2013, exceptuando los meses de enero-febrero, con una frecuencia promedio de tres veces por semana. Canción cantada es una creación colectiva con dramaturgia de Carolina Donnantuoni, sobre materiales y textos creados por Ayelén Dias Correia y Constanza Mosetti.

Sinopsis

Cuatro jumanjis están en una fahrenheit re marcianes hasta que una lali propone una macayada: hacer una Carcassonne. ¿Vos te ecualizarías?

Motivación

Carcassonne explora la re-significación de las palabras, alejándolas de las convenciones tradicionales, tomando usos del lunfardo, el “slang”, y las construcciones contemporáneas; con el fin de continuar y exacerbar la evolución del lenguaje hacia nuevas significaciones y usos de las mismas palabras y gestos. Así como “tirar onda” puede significar seducir, o emitir una frecuencia determinada (según se tome su sentido metafórico o literal), Carcassonne construye gradualmente distintos universos de construcciones metafóricas que cobran sentido sólo en contextos determinados, permitiéndose indagar, a través de las interpretaciones, cómo sería la convivencia entre las personas con esas nuevas significaciones de la lengua española; y cómo continuaría evolucionando (o involucionando) el uso de ésta.

Participantes

Jorge Pinarello

Director

Clara Fontana

Actriz

Damián Cametho

Actor

Lucía Uncal

Actriz

Diego Towers

Actor

Temporadas

Fecha desde	05-11-2016
Fecha hasta	26-11-2016
Lugar	Centro Cultural El Escudo
Ciudad	La Plata

Más sobre la obra

Sinopsis

Un hombre, mezcla de espectro y capanga, reconstruye aquel pasado mítico de los mensú, quienes eran enganchados, engañados y explotados en los yerbales del Alto Paraná. Carmen recorre el yerbal cargando un raído su espalda (bolsón de 100kg. en el que se acumula las hojas de yerba mate). Bajo el abrazante calor del monte, su cuerpo se funde, su piel se reseca, sus huesos se pasman1. Paso a paso, tropiezo tras tropiezo, caída tras caída, a lo largo de su caminar en el yerbal se transforma en una sufriente bestia de carga. Zunilda y Pulga comentan sobre lo sucedido a Carmen. Las habladurías dicen que ella recorre los yerbales convertida en buey. Sus historias, y las de tantos otros tareferos transcurren en medio de estos relatos en una polifonía al compás de los gritos sapucais y la cruda melodía de un acordeón que repercuten en la amplitud del monte.

Motivación

Carne oscura y triste ¿qué hay en ti? es un proceso que va desde la etnografía antropológica hasta la acción escénica, desde la instalación visual hasta el teatro. En él dos actores se adentran en el mundo de los cosecheros de yerba mate (tareferos) de la provincia de Misiones, para dar cuenta del ser tarefero a través de una poética de la cultura. Con textos documentales de Rafael Barrett sobre los mensú -antecesores históricos de los tareferos-, extractos de entrevistas realizados a lo largo de una investigación sociológica y música original del folclorista Chango Spasiuk, la obra hilvana un argumento de imágenes, sonidos, olores y palabras sobre las maneras de ser, estar, hacer y sentir tareferas a lo largo del destino trágico de la pobreza.

Participantes

Facundo Nahuel Giménez

Actor

Mariana Brusse

Actor

Chango Spasiuk

Musica

Marcelo Páez

Voz locutor radio

Violeta Zuvialde

Puesta en movimiento

Eliana Antún

Escenografia, Vestuario, Edición audiovisual

Camila Lusetti

Escenografia, Diseño Gráfico

Diego Marcone

Diseño sonoro, Material fotográfico y audiovisual de campo

Ricardo Sica

Diseño de luces

María Luz Roa

Producción, Direccion, Investigacion social, Dramatugia

Tatiana Ivancovich

Asistente de direccion

Más sobre la obra

Una búsqueda etnográfico-teatral. Una poética de la cultura

“Sabés, ciertas cosas hay que mirarlas con los ojos desnudos. No es que me oponga a la ciencia, pero pienso que sólo una visión poética puede abarcar el sentido de las figuras que escriben y conciertan los ángeles.” (Cortázar, 2011: 41)

En el año 2009, la socióloga y actriz, María Luz Roa �inicia �su investigación doctoral en Ciencias Sociales, la cual indaga sobre los procesos de constitución de las subjetividades juveniles de los cosecheros de yerba mate que residen en los barrios periurbanos de Misiones. Ya avanzados los trabajos de campo en las ciudades de Oberá y Montecarlo, había algo que Luz no podía transmitir desde la escritura académica. Sentía que sus palabras no alcanzaban para dar cuenta de la especificidad de la existencia tarefera y que el ámbito académico era demasiado estrecho para comunicar lo que pasaba en los yerbales. �Así�, en el 2011, inspirada por las propuestas de la “poética de la cultura” del antropólogo Robert Desjerlais y las renombradas experimentaciones teatrales del antropólogo Víctor Turner durante los años ‘70, Luz convoca a los actores Mariana Brusse y Facundo Nahuel Giménez a embarcarse en una investigación que llamó etnográfico-teatral. La misma intenta encontrar un lenguaje poético desde donde abrodar las maneras de estar, hacer y sentir tareferas.

�Tras �diversas discusiones teatrales, sociológicas y antropológicas, comenzaron los ensayos en febrero del 2012. En ellos los actores experimentaron a partir de relatos de tareferos –provenientes de ocho trabajos de campo etnográficos en Oberá y Montecarlo- y documentos históricos de los mensú, a la manera de textos teatrales. En este proceso, se incorporó el material audiovisual documental recabado por el cineasta Diego Marcone, durante tres trabajos de campo en los yerbales y barrios periurbanos de la ciudad de Montecarlo; la coreografía de Violeta Zuvialde y la colaboración musical del Chango Spasiuk. En el 2013, como síntesis de más de un año de investigación, se encontró un lenguaje poético que abarca un bricolaje de imágenes, relatos, sonidos y aromas, y que intenta interpretar las maneras culturales tácitas, los valores y sensibilidades de las experiencias tareferas. Nació Carne oscura y triste. ¿Qué hay en ti?, una obra social, política y existencial, hecha no sólo para un público general sino para los propios tareferos de Misiones.

Sinopsis

Una historia, dos almas de universos opuestos y ávidas de un amor que los salve. Anclada en los años cuarenta, época en que el tango representa el pensamiento dominante; y una cruda realidad: su vigencia.

Reseña Colaborativa

Una obra que vincula la danza, el teatro y la música a través de sus personajes y vivencias. Anclada en los años cuarenta, dos almas se cruzan desde dos posiciones diferentes, y podemos observar en cada hecho la transformación de la vida de sus protagonistas, no siempre para bien. Obra que pareciera poner en juego la dialéctica del amo y el esclavo a través de la dominación masculina hacia la mujer tan anclada en la sociedad, al punto de llegar a las peores consecuencias. Un escenario donde todo se cruza, se mezcla. Todo danza y ronda o merodea en torno de todo en una red que a veces es visible, y muchas otra es invisible. Como la vida. (Reseña de Alejandro G. Lonac)

Participantes

Kitty Di Bártolo

Adaptación de vestuario

Néstor Roux

Escenografía

Jony Durisotti

Diseño gráfico, prensa

Fabián Fornaroli

Diseño gráfico, prensa

Luciano Guglielmino

Dirección musical

Luciana Parodi

Dirección coreográfica, actriz

Roxana Giorno

Directora asistente

Marcelo Demarchi

Dirección general

Siro Colli

Actor

Santiago Epele

Actor

Bettina Giorno

Actriz

Mariela Marconi

Actriz

Diego Negri

Actor

Funciones Especiales

Fecha	14-04-2018
Lugar	Teatro Estudio
Ciudad	La Plata

Más sobre la obra

Sinopsis

El fracaso del Proyecto Paraná Las Palmas da lugar a una investigación por parte de la Organización que financia el experimento. Intentando encontrar explicaciones, surgen una serie de historias y personajes que diluyen los límites entre la realidad, los proyectos y los sueños. Células subterráneas, mensajes cifrados, parejas en crisis, tractores antiguos, lugares y personas que ya no son lo que esperamos. “¿Cuántas veces vieron a una persona esperando en la vía de enfrente desdibujada por la velocidad? ¿En dónde está? ¿Quién era? ¿Qué está intentando decirnos desde el otro lado? ¿Cuánto tiempo nos queda su imagen en la mente intentando dar una respuesta?”

Motivación

La creación de Cerrito parte del deseo de explorar en escena los vínculos afectivos insertos en un discurso sin aparente conexión: el de la ciencia ficción y el relato fantástico. Con esta premisa, los actores improvisaron durante varios meses hasta generar un imaginario propio y un material textual que se convertiría en la materia prima de la obra. La narración fragmentada y por momentos vertiginosa, va dejando pistas en el camino, invitando al espectador a construir su propia versión de la historia.� Con claras referencias a obras literarias, televisivas y cinematográficas del género fantástico, varios relatos se van entrelazando irrumpiendo de una realidad a otra. La música original, el vestuario y la escenografía, son parte fundamental en la creación de este particular universo.

Participantes

Cochoco Abbatangelo

Actor, Dramaturgia

Julia Domínguez

Actor

Julia Domínguez

Actor

Roberto Tettamanti

Actor

Javier Li

Música original

Karina Carballo

Escenografía, Vestuario

Julieta de Marziani

Fotografia

Valentino Tettamanti

Gráfica

Martín Massa

Produccion ejecutiva

Eduardo Spinola

Dramaturgia, Dirección

Más sobre la obra

El proceso de armado de la obra llevó un año, entre el comienzo de los ensayos y el estreno. En una primera etapa de ensayos, la metodología propuesta consistió en improvisaciones a partir de lecturas previas y pautas del director. Mientras que en una segunda instancia, que coincidió con un receso de dos meses, se llevó a cabo la escritura del texto dramatúrgico, compatibilizando las ideas previas con las surgidas en los encuentros de la primera etapa. Con el texto desarrollado por Cococho Abbatangelo y Eduardo Spinola, se realizó un proceso de tres meses más hasta el estreno. Los ensayos fueron semanales y con una duración de dos horas. Entre los trabajos complementarios, se realizó el visionado de películas y series de televisión que contengan elementos en su argumento, en su estructura o forma narrativa que fueron de utilidad para el proceso creativo de la obra.

Sinopsis

Espectáculo de humor absurdo donde la magia y la música son las armas de estos dos personajes tan opuestos. El desparpajo de un payaso y la elegancia de un mago se mezclarán erradicando la lógica y la razón del escenario. Risas garantizadas, sorpresas aseguradas.

Participantes

Nicolas Gentille

Mago, Comediante

Tenaza

Comediante

Más sobre la obra

Reservas 221 4232283

Sinopsis

Cod.Esto es una performance transdisciplinar en donde se dialoga sobre la relación del cuerpo butoh con los sonidos, el espacio a intervenir y su reverberancia sobre quienes se encuentren espectando.

Creación junto a Juan Andrés Gómez Orozco.

Participantes

Juan Andrés Gómez Orozco

Artista sonoro

Jorgelina Mongan

intérprete creadora

Más sobre la obra

Sinopsis

Es un unipersonal que nos habla del amor, el enamoramiento, la pasión y sus límites. Una noche calurosa, Carmen en Coronda… La pelopincho y el vermú le despertaron el apetito… Ya nada iba a ser igual… El Cdor. Vicente Ramella, apodado Monterito, tiene una vida opaca y rutinaria. Una serie de circunstancias, lo lleva a vivir un romance apasionado con la empleada de su casa, que lo hará transitar por lo más sublime y lo más degradante que le pueda suceder a un hombre enamorado. Como en un tango sentimental, queda atrapado por una pasión desmesurada de la que no podrá desprenderse jamás.

Motivación

El origen de esta puesta parte de una motivación personal del director, compartida oportunamente por el actor. El tiempo de ensayos fue de cuatro meses, con un promedio de encuentros de 4 veces por semana de 2 hs. 30 mits.

Participantes

Raúl Bongiorno

Escenografía, Iluminación, Puesta en Escena y Dirección

Marcelo Allegro

Actor

Temporadas

Fecha desde	17-08-2013
Fecha hasta	29-09-2013
Lugar	Teatro Estudio
Ciudad	La plata

Funciones Especiales

Fecha	24-09-2017
Lugar	Teatro Estudio
Ciudad	La Plata

Más sobre la obra

No ha recibido subsidios/apoyos/sponsors

Sinopsis

“Un palacio de sangre. El sabor de la nostalgia. La tierra, la tierra, la tierra. La tierra con el agua, la tierra con el viento, la tierra con los muertos. La culpa te deja sola, sola con tu propio miedo”.

Participantes

Florencia Silva

Actriz

Julieta Iribe

Vestuario

Florencia Coudannes

Maquillaje

Juan Pablo Cuomo

Música original

Mercedes Falkenberg

Dirección

Jorge Zanzio

Dirección

Pisando Pliegos

Producción

Más sobre la obra

Participantes

Más sobre la obra

Sinopsis

Hay en el escenario evocación y memoria rota.Tacos, corridas, valijas, tres mujeres. La llegada del tren, ecos de centáurides y un violín. Surrealismo contemporáneo.

Participantes

Tatiana Sandoval

Dramaturgia y Dirección

Rocío Celeste Fernandez

Performer

Bárbara García Di Yorio

Performer

Sofía Galindo

Performer

Cecilia Candia

Música Original

Pheonia Veloz

Vestuario

Jessica Tortul

Diseño de Iluminación

Nadia Farias

Asistencia de Iluminación

Claudia Araya López

Video

Alejandra D´agostino

Mapping

Sebastián Pascual

Mapping

Victor Salvatore

Realización Cajas

Sami Abadi

Asesoría Violín en escena

Tatiana Sandoval

Coreografía

Patricia Ackerman

Foto

Gabriela Messuti

Diseño Gráfico

Simkin & Franco

Asesoría en Comunicación

PICA	Equipo de producción

Belén Coluccio

Equipo de Producción

Micaela Irina Zaninovich

Equipo de Producción

Andrea Aguirre León

Asistente de dirección

Miguel Mango

Asistente de dirección

Más sobre la obra

Sinopsis

Es otro día normal en la Oficina de Trámites complejos. Gustavo afina su guitarra, Sampaoli organiza el mate, Móni lee la revista, Torito le sirve el desayuno a sus mascotas y Olga estrena pantuflas. Pero a la inesperada visita de Pedraza, el jefe, se le suma la noticia que a partir de mañana, empezará a trabajar un nuevo compañero, enviado especialmente por el viejo Pellejero, el Director general. La sorpresa y el pánico se apoderan de ellos. Está claro que a partir de mañana, la Oficina de Trámites complejos, no será la misma.

Participantes

Alejandro Orduna

Director

Agostina Zagalía

Asist. de dirección

Marcelo Zara

Actor

Lucia Romagnoli

Actriz

Daniel Villanueva

Actor

Carmen Accattoli

Actriz

Alfredo Vazques

Actor

Juan Pablo Bollini

Actor

Juan Ignacio Izaguirre

Actor

Temporadas

Fecha desde	04-11-2011
Fecha hasta	02-12-2011
Lugar	Centro Cultural El Núcleo
Ciudad	La Plata

Más sobre la obra

Equipo técnico:Eugenia Kubli, Laura Roldán, Ignacio Vaello
Música original:Rodrigo De caso y Pedro Chabán
Fotos:Espacio f
Diseño:Modhus
Producción:Squadra

Sinopsis

“Siente que las paredes comienzan a engrosarse, el cuarto la aplasta, los dibujos de las paredes giran en el lugar formando varios molinetes y Alicia espera, tranquila, impávida. Sólo un movimiento, perfecto, único y rítmico es el que la mantiene viva quizás, su mano. Ese dedo que suspendido no deja de moverse, afirma, niega, sonríe, circula, dibuja. Su mente inquieta no deja de perseguirla ¿Qué deseas? ¿A quién recuerdas? ¿Cómo lo necesitas? ¿Cuándo lo quieres? ¿Por qué lo quieres? Mejor esperar, esperar soñando.” Cuatro personajes unidos por un sueño, un recuerdo, intentando salir de él. �Intentando� librarse del estado que es la primavera.

Motivación

El deseo de investigar y entrenar grupalmente hizo que surgiera la obra. Fue apareciendo a partir de imágenes y diversos textos, entre ellos Prohibido suicidarse en primavera de Alejandro Casona. El trabajo principal fue que cada actor pudiera �extender� su narrativa y poética en el marco de los personajes para los que habían sido seleccionados, teniendo en cuenta la historia previa de los mismos y las que ellos fueron sumando después. �En este sentido, se trata de una dramaturgia colectiva.

Participantes

Antonella Benini

Actor

Azul Pocai

Actor

Surai Bellusci

Actor

Diego Bortolotti

Actor

Gastón Borrone

Iluminacion, Asistente de direccion

Mimi McFly

Musica, Asistente vocal

Er Nal

Musica

Helga Avaca Jara

Direccion

Más sobre la obra

El proceso creativo duró dos años y medio, contabilizando “algunas” pausas, con ensayos pautados una vez por semana de tres horas el primer año y dos el tiempo restante. Durante el trabajo, el material fue inclinándose hacia lo onírico, surrealista, por dar una definición. Sueños dentro de sueños para contar una sencilla historia de amor.

Sinopsis

Cuerpo urbano es una intervención performática que se despliega a través del cuerpo butoh y su afectación con diferentes transauntes que se encuentran en las calles de la ciudad de La Plata.

Creación junto a Fernanda Guaglianone y Guillermina Mongan.

Participantes

Guillermina Mongan

registro

Fernanda Guaglianone

registro

Más sobre la obra

Sinopsis

La memoria ocurre en lo evidente y en lo oculto. En LA RAÍZ, en LA TIERRA, en lo que nutre, y también en lo desconocido y olvidado, en el misterio que puede ser revelado mágicamente en cualquier instante. SOMOS UN CÍRCULO dentro de un círculo, donde la memoria funciona en espiral. Movimiento, sentidos, emociones e historia son los ingredientes que alimentan la VIBRACIÓN COLECTIVA. Dejarse atravesar por la humedad del estar vibrando y entre tanta RESISTENCIA, el AMOR que empuja, que amontona CUERPOS e INTENSIDADES. "En una boca está todo lo que puedo ser, en mi nombre está todo lo que somos."

Motivación

Muestra de la residencia Cuerpos y memorias en diálogo, coordinada por Nemecio Berrio Guerrero, y realizada como parte de las actividades del V ECART Encuentro Platense de Investigadorxs sobre Artes Escénicas y Performáticas. La residencia fue un espacio de investigación, creación, con y para la Danza. Se generó un proceso de creación colectiva atravesado por el concepto de memoria como motor e insumo simbólico que conectó a los dos países Colombia y Argentina. Se pensó en la memoria desde los cuerpos como patinas se pensó en la memoria como símbolo de residencia. Fue un proceso de investigación con preguntas en relación a la memoria como dispositivo para la creación colectiva a partir de la reflexión y los insumos artísticos y estéticos que aportó la danza afrocolombiana contemporánea de Permanencias "Swahili" como metodología de formación y creación.

Participantes

Nemecio Berrio Guerrero

Dirección/Coordinación general

María Lucía Saibene

Intérprete creadora / Foto y video

Julieta Ronchetti

Intérprete creadora

Inés Cademartori

Intérprete creadora

Victoria Cafferata

Intérprete creadora

Camila Tau

Intérprete creadora

Andrea Noemí Ajis

Intérprete creadora

Elizabeth López Betancourth

Intérprete creadora

Florencia Riafrecha

Intérprete creadora

María Belén Padula

Intérprete creadora

Amancay Ayelén Cardo Sanfilippo

Intérprete creadora

Rebeca Isabel Muñoz Bachmann

Intérprete creadora

Gabriela Witencamps

Intérprete creadora

Rocío Fernanda Russo Morantes

Intérprete creadora

Carolina Valiente

Intérprete creadora

Facundo Barrionuevo

Foto y video

Juan Manuel Sallés

Foto y video

Marcos Audisio

Foto y video

Hernán Fouillet

Foto y video

Más sobre la obra

Músicas Banda sonora película Babel, Gustavo Santaolalla. Música tradicional afrocolombiana Garabato, interpretado por el conjunto folclórico nacional Ekobios. Bolero de Ravel, Andre Rieu. Banda sonora película Good bye Lennin. Música tradicional de África de Oeste: Waraba, Fanta Konate, Mamdi Keita Djubafedea. Imágenes Pinturas del artista plástico Oswaldo Guayasamin.

Proyecto ganador de la Convocatoria RESIDENCIAS ARTÍSTICAS COLOMBIA-ARGENTINA. Programa Nacional de Estímulos. Ministerio de Cultura de Colombia.

Sinopsis

La obra es la historia de un interno psiquiátrico que representa en su celda, todos los días, el poema El cuervo de Edgar Allan Poe para contar su propia vida. En el transcurso de la obra, descubriremos los lugares más oscuros que oculta nuestro personaje.

Motivación

El disparador del trabajo fue la lectura del libro Hacia un teatro pobre de Grotowski, en el que se detalla cuales son las características que separan al teatro de las otras expresiones artísticas. Además, fue elemental el interés de crear una obra con el poema de Poe.

Participantes

Jerónimo Búffalo

Actor

Sebastián Cruz Sandoval

Director

Más sobre la obra

Sinopsis

Céfiro 15.15 es una performance en la que se cruzan diferentes lenguajes artísticos en una estructura abierta delineada por algunas pautas generales. Las imágenes que nutren esta performance tienen que ver con esas cuestiones que aparecen de modo efímero pero recurrente, ciertos climas que el recuerdo difuso activa. Las presencias y ausencias, la fugacidad y la reiteración, son algunas de las ideas que configuran el material sonoro y visual de la obra/instalación. Desde el lenguaje de movimiento no se estipuló una "coreografía" sino que se trabajó en base a una propuesta de composición en tiempo real, a partir de materiales de movimiento con los que se experimentó e improvisó durante el proceso de creación. En esta parte del proceso creativo se sumó el VJ Edgardo Rolleri, quien propuso algunas ideas de intervención multimedial que también son operadas en tiempo real durante la performance.  

Motivación

Céfiro 15.15 es una reinterpretación de una obra de música y video (instalación sonora y visual) llamada Céfiro. En la nueva versión se incorporó el lenguaje de la danza a los lenguajes preexistentes: la música y el video y se acotó la duración a 15minutos y 15 segundos. La misma fue creada de modo colectivo para el Ciclo En 2tiempos. Itinerarios de danza y mediaciones tecnológicas, organizado por la Prosecretaría de Arte y Cultura de la UNLP. El material preexistente era por un lado motivador además de fuertemente relacionado con la temática de los Itinerarios y por otro lado dado el poco tiempo que teníamos para investigar en esta línea, resultaba facilitador arrancar desde una base prefigurada.

La dramaturgia es el resultado de la interacción de los distintos artistas que intervinieron en las distintas etapas de creación, incluidos los bailarines.

Participantes

Julia Aprea

Intérprete

Belén Arcuri

Intérprete

Constanza Copello

Intérprete

Mariana Sáez

Intérprete

Julieta Scanferla

Intérprete

León Villar

Intérprete

Mariana Estévez

Dirección

Diana Montequín

Dirección

Emiliano Seminara

Música

Eduardo Sitjar

Video

Edgardo Rollieri

Multimedia

Funciones Especiales

Fecha	26-04-2013
Lugar	Patio del Rectorado de la UNLP
Ciudad	La Plata
En el marco de	Ciclo En 2Tiempos. Itinerarios de danza y mediaciones tecnológicas

Fecha	26-05-2013
Lugar	Centro Cultural Azulunala
Ciudad	La Plata

Fecha	14-06-2013
Lugar	Auditorio Sede Fonseca Facultad de Bellas Artes. UNLP
Ciudad	La Plata
En el marco de	Ciclo Unoxmes

Fecha	10-11-2013
Lugar	Casa de Victoria Ocampo
Ciudad	CABA
En el marco de	Ciclo danza en los Jardines de Villa Ocampo, VIII Encuentro de Compañías de Danza Universitarias organizado por el IUNA

Más sobre la obra

Participantes

Marisa D'Alessandro

Dirección y Coreografía

Estefania Cardoso

Bailarina

Paula Allo

Bailarina

Mariana Allo

Bailarina

Felicitas Fonseca

Bailarina

Lola Sandoval

Bailarina

Gala H.Roig

Bailarina

Raquel Rizzo

Bailarina

Marisa Velázquez

Bailarina

Temporadas

Fecha desde	19-12-2013
Fecha hasta	20-12-2013
Lugar	Centro cultural Galpón del Fondo

Más sobre la obra

Sinopsis

En un lugar imaginado, tres piratas se sumergen hacia una aventura única, buscando un cambio repentino para sus vidas. Tormentas, naufragios y diversas peleas son algunas de las hazañas que enfrentarán en el peligroso camino hacia el tesoro. "Código Pirata" invita a los espectadores a formar parte de un verdadero código lleno de magia, acción y diversión.

Participantes

René Mantiñan

Autor, director

Natalia Maldini

Actriz

Iván Haidar

Actor

Mauro Menegat

Actor

Más sobre la obra

Premios y Festivales

• OBRA GANADORA DEL CONCURSO DE LA COMEDIA MUNICIPAL 2008
• OBRA GANADORA DEL FESTIVAL DE LA COMEDIA DE LA PROVINCIA DE BUENOS AIRES 2008
• OBRA SELECCIONADA PARA PARTICIPAR EN LA 24º FIESTA NACIONAL DE TEATRO 2009
• PREMIO ATINA 2008 POR INTERPRETACIÓN MASCULINA
• PREMIO ATINA 2008 POR INTERPRETACIÓN FEMENINA
• FESTIVAL TEATRO TRUENO 2009, NECOCHEA
• FESTIVAL INTERNACIONAL AHA!, BANGALORE, LA INDIA 2009
• “OLYMPIAD THEATRE FESTIVAL”, ORISSA, LA INDIA, 2009
• 7º ENCUENTRO DE TEATRO DEL BORDE, LAS FLORES 2009
• FESTIVAL NACIONAL DE TEATRO Y TÍTERES NECOCHEA 2010
• OBRA DECLARADA DE INTERÉS CULTURAL EN LA PROVINCIA DE BUENOS AIRES
• 2° PREMIO EN EL FESTIVAL NOCTÍVAGOS DE TOLEDO, ESPAÑA 2010
• FESTIVAL ESTIVA LUGANO, SUIZA 2010
• FESTIVAL TEATRO PAN, SUIZA 2010
• FESTIVAL CASA LONDRES, INGLATERRA 2011
• FESTIVAL OTOÑO AZUL 2011, AZUL, BUENOS AIRES.
• ENCUENTRO INTERNACIONAL DE TEATRO DE SAN LUIS 2012, SAN LUIS.
• M.I.C.A. 2015 (MERCADO DE INDUSTRIAS CULTURALES) EN EL C.C. NÉSTOR KIRCHNER
• FESTIVAL LUNA CALCHAQUÍ 2016, TAFÍ DEL VALLE, TUCUMÁN

Sinopsis

Dalias de dormida luna juega desde la poesía con los recuerdos y los personajes del pasado que se alojan en el cuerpo de la actriz Margarita Xirgú, junto con la fragilidad del exilio y la carga dramática de la obra lorquiana en la promesa de un reencuentro que tarda en llegar.

Motivación

La actriz española Margarita Xirgú partió de gira con su compañía desde España hacia América en enero de 1936. El dramaturgo y poeta Federico García Lorca promete encontrarse con ella unos meses más tarde en México, pero estalla la Guerra Civil Española que toma al autor como parte de sus víctimas siendo uno de los primeros asesinados por esa dictadura. La actriz no puede regresar a su patria y toma la decisión de mantener viva la obra del poeta en toda América, siendo Yerma uno de los textos más interpretados y dirigidos por ella durante su exilio que se extiende hasta su muerte, 33 años después.

Participantes

Andrea Juliá

Actríz

Horacio "Pucho" Medrano

Director

Temporadas

Fecha desde	29-09-2017
Lugar	Auditorio Carlos M. Scelzi

Más sobre la obra

Sinopsis

Basada en un caso real, el de una niña de la tribu aché criada por los mismos colonos que habían asesinado a su familia. Luego, llevada a la casa de la madre de Alejandro Korn como muchacha para la limpieza. Mucama, sirvienta, esclava. Lo único que tenía para sí era su cuerpo y tres palabras de su antiguo idioma: caibú, aputiné, apallú. Por su comportamiento fue confinada en un hospital psiquiátrico, donde fue fotografiada desnuda por Robert Lehmann- Nietsche, antropólogo y profesor de anatomía artística del Museo de La Plata. Muere a los 14 años. Tiempo antes, su cabeza ya estaba destinada a ser estudiada en Alemania. Su cuerpo fue descarnado en el mismo museo, donde su esqueleto permaneció en un depósito hasta que antropólogos de GUIAS la descubre. Damiana hoy descansa en su tierra, donde fue llamada Kryygi.

Participantes

Raúl Bongiorno

director

Ana M. Haramboure

actriz

Mario Lombard

actor

Graciela Knesevich

actriz

Más sobre la obra

• 2012. Mención del concurso Aplausos por la inclusión por Damiana, una niña aché. En coautoría con Patricia Suárez. Ministerio de Desarrollo Social, Fundación de la Sociedad Argentina de Gestión de Actores Intérpretes (SAGAI) y Argentores. • Damiana, una niña aché. En coautoría con Patricia Suárez. Texto teatral publicado en Despojos, Ed. EDULP. 2016. Damiana, una niña aché. Dirección de Raúl Bongiorno. Viejo Almacén El Obrero, 2015. Teatro Estudio, 2016. Brandsen, 2016 • Reconocimiento de Interés Cultural del Concejo Deliberante de la ciudad de La Plata a la Obra de teatro “Damiana, una niña aché”. Julio de 2016.

Sinopsis

Ideas-fuerza:• Cuerpo/máquina• Cuerpo vivo/cuerpo muerto• Frankenstein de Mary Shelley, zombie de cualquier película clase B , Olimpia (la del Hombre de arena, cuento de Hoffman) intentando cobrar vida.• El pasado romántico y sus ideales en relación a la delicadeza femenina, traspuesto a la actualidad.• La muñeca, la marioneta, ¿viva o muerta?La performance se plantea como un recorrido, avanzando entre el público lentamente.Se utiliza una cajita de música que acciona la intérprete, ese es el diseño del plano sonoro.Se interactúa con lo emergente, incalculado, que surge desde el público y el espacio y su arquitectura, afectando a la intérprete.

Participantes

Diana Rogovsky

Idea y performance

Edgar De Santo

Asesoriamiento, Vestuario

Funciones Especiales

Fecha	01-09-2012
Lugar	Asociación Alborada
Ciudad	La Plata

Fecha	10-11-2012
Lugar	La casa de las tías
Ciudad	La Plata
En el marco de	Ciclo con Brazo de Mujer

Fecha	06-09-2013
Lugar	Centro Cultural Islas Malvinas
Ciudad	La Plata
En el marco de	Ecart

Más sobre la obra

Sinopsis

Banfield-México era un sueño. Un viaje que comenzó en 1992 y que intentaba recorrer toda América. Banfield-México es una obra que cuenta historias reales y anécdotas de ese viaje con títeres, viaje que duró 12 años. En 2004 se concretó aquello que había sido una frase alocada, un capricho.

El espectáculo consta de 6 momentos en los que el Titiritero y sus muñecos conversan con la gente, también el Titiritero comparte con los espectadores un espacio de preguntas para que los presentes puedan acercarse a esa experiencia que lo devolvió artista. Caminante y artífice de su propio sueño.

1-De Banfield a México – El Titiritero

2-Vos sabés lo que te falta – Bobi

3-El viaje – El Titiritero

4-¿Estoy? No estoy – Virginia

5-¿Vos, de qué signo sos? – Beto

6- La Vida es Maravillosa – El Titiritero

Motivación

Un Sueño

“(…) Banfield es, por sobre todas las cosas, el sitio que eligieron mis abuelos para vivir, por lo tanto Banfield es mi historia, una historia sureña, más barrial que porteña.

México es un destino necesario, un punto crucial en la historia americana, un lugar de origen, y, especialmente por esto, es que yo lo elijo como meta. Quisiera transitar un camino de encuentro para llegar a un origen.

Si elijo México es también por capricho. No hay que dudarlo.

Mi objetivo es conocer, conocerme, darle sentido a cada paso, encontrarme con la gente que puebla el oeste americano y también dar lo que llevo.

¿Y que llevo?

Llevo títeres. Esta legendaria actividad, este oficio que hice mío sin permiso. Llevo mi pasión. El sueño en bandolera y unas ganas vivas de compartir momentos.

No busco otra riqueza que la del corazón, la del riesgo, la de saberme permeable, la de crecer, la de estar.

Quisiera en algún lugar de América encontrar el verbo estar, para fundirme, aunque sea por un minuto, en el paisaje. (…)”

Fragmento extraído del libro “De Banfield a México 1992 - 2004”, Sergio Mercurio (2016) Ed. El Banfileño, Banfield.

Participantes

Sergio Mercurio

Textos, Puesta en escena, Dirección y Diseño/Construcción de títeres

Violeta Mercurio

Técnica de luz y sonido

Temporadas

Fecha desde	19-08-2017
Lugar	Teatro Estudio
Ciudad	La Plata

Más sobre la obra

Esta obra ya ha sido presentada más de 950 veces, llegando a un publico de 85.000 personas en distintos países como Uruguay, Argentina, Chile, Bolivia, Colombia, Costa Rica, Brasil, Perú, Ecuador, Nicaragua, Venezuela, Guatemala, El Salvador, Honduras y México.

Sinopsis

El proyecto busca develar la construcción de un personaje para evidenciar su complejidad. Se pregunta sobre la construcción de un ser dramático y a su vez la imposibilidad de poder quedarse él mismo encerrado en esa construcción. Las emociones, los miedos, la vitalidad, las fortalezas, la tristeza, el enojo, el placer se pone en juego a través de este personaje que convive con sí mismo y su propio mundo.

Motivación

El interés está puesto en investigar las capas que componen a ese personaje, no solo a través del lenguaje dramatúrgico y kinético sino también a través del armado en vivo del espacio y de los matices y texturas que componen la escenografía. Ir en búsqueda de un personaje, develar su mecanismo de construcción para luego habitar ese espacio de contradicciones. ¿Cómo construyo mi propio escenario?

Participantes

Lucía Giannoni

Dirección e interpretación

Francisco Reposeiras

Música

Emanuel Palavecino

Asistencia de dirección

Constanza Copello

Asistencia de dirección

Funciones Especiales

Fecha	28-04-2017
Lugar	VIL teatro
Ciudad	La Plata
En el marco de	Ciclo Intensas

Fecha	12-08-2017
Lugar	El Sótano
Ciudad	La Plata
En el marco de	NOCHE SUBTERRÁNEA

Más sobre la obra

Sinopsis

“DE-CAPITA” es una performance inspirada en formas de resistencia y fabulación, desde las actividades cotidianas de nuestra sociedad para crear en un acto poético, que invita a un grupo de artistas o más, hombres y mujeres, a que se suspendan del techo por sus pies por un tiempo de una hora aproximadamente. Estarán vestidos con una falda de tela de gasa larga y blanca que se descuelga desde sus vientres hasta arrastrarse en el piso, cubriendo la parte superior del cuerpo que lo que re-crea un bosque de carne.

La acción está atravesada por un acontecimiento político que tiene que ver con las marcas que la violencia ha dejado en todos los cuerpos, tanto la exclusión sexual, racial, religiosa, pero también una posibilidad de a través del arte, lograr el cambio, buscar otros puntos de mira, de fuga, de incorporar la complejidad artística desde narrativas diferentes. Por ello, los artistas que se colgarán del techo serán anónimos, sus caras estarán tapadas y sólo se verán sus extremos inferiores, tratando de crear en el anonimato, una manifestación de la necesidad de reconocernos como seres humanos, a pesar de la diversidad. Los performistas que estarán suspendidos trabajarán de acuerdo a sus propias posibilidades, recreando una comunidad, pero a su vez buscando en este desprendimiento, percibir las diferencias en los cuerpos, el manejo de la postura corporal, la incomodidad y la resistencia. Cuando el artista ya no pueda mantenerse por más tiempo, un grupo de auxiliares (vestidos con overoles de tela cruda), lo ayudarán a bajar y se quedará en el piso, mientras los otros siguen suspendidos. Cuando todos hayan bajado, entonces se dará por terminada la performance.

Motivación

Crear comunidad y una reflexión sobre nuestra participación en los conflictos que vivimos, en la manera en que son tratados las carnes, los cuerpos, en la violencia que vive el mundo, en la capacidad de torturar, maltratar, desgarrar (Es una idea colectiva)

“DE-CÁPITA” es una performance inspirada en todas estas reflexiones que proponen artistas y pensadores para exponernos desde otros escenarios; y desde las actividades cotidianas de nuestra sociedad, crear en un acto poético, los alcances de la resistencia, fabulación, las posibilidades del arte y permitir que a través de una puesta en escena, se ritualicen las dinámicas de las poblaciones, se reconozcan esos personajes cotidianos, que no son visibles, (como dice el director de teatro, Carmelo Bene, personajes menores) que hacen las historias y se reivindiquen, a la vez que se critiquen, se cuestionen y se transformen, las maneras como los cuerpos han dejado huella en la tierra. El espacio como significación fundamental de la performance, invita a performistas a que se suspendan del techo por sus pies a través de unos dispositivos en los tobillos, que permitan que desde unas telas que guindan del techo, puedan sostenerse. Estarán vestidos con pedazos de gasa que se descuelgan desde sus vientres hasta arrastrarse en el piso, cubriendo la parte superior del cuerpo. El proyecto tendrá una estructura inicial, (un bosque de carne, en palabras de uno de los artistas) pero será la responsabilidad de cada uno de los artistas, abrir el código que permita una singularidad. Para lograr la serenidad de los cuerpos y una danza colectiva, se harán ensayos y talleres de entrenamiento con los convocados, en los que se trabajará sobre los tiempos de aión, de cronos y de kairós, técnicas de estiramiento, de meditación y ejercicios de relajación, permanencia, además de estrategias que los acerquen a los otros y se establezcan relaciones intersubjetivas.

Participantes

Evelyn Joan Loaiza Quiceno

Performer

Nora Gabriela Galvis Orozco

Performer

Juan Felipe Orozco Posada

Performer

Jannet Fernanda Aguirre Sepúlveda

Performer

Janeth Catalina Dcadavid Osorio

Performer

Angela María Chaverra Brand

Directora

Funciones Especiales

Fecha	17-08-2013
Lugar	Talleres del Ferrocarril de Antioquia
Ciudad	Bello, Colombia

Fecha	05-09-2013
Lugar	Centro Cultural Islas Malvinas
Ciudad	La Plata
En el marco de	III Ecart

Más sobre la obra

Sinopsis

Suponiendo la existencia de un espacio interno tangible donde habitan nuestras ideas y sensaciones más íntimas. Un pozo dentro de uno. ¿Cómo lo representamos en escena? ¿Ese lugar existe?

Motivación

Dentro surgió como un solo de movimiento, creado especialmente para una casa donde se llevó a cabo el Festival Ferviente. Allí aparecieron las primeras preguntas: ¿Existe la posibilidad de entrar en mí? ¿Existe un lugar donde están mis sensaciones e ideas más íntimas, esas que resultan imposibles traducir, propias a cada uno?

A partir de estas cuestiones comenzó una investigación que en primera instancia fue llevada a cabo de modo individual y que dió como resultado un material inicial. Luego surgió la necesidad de que fuera interpretado por otra persona para poder trabajar desde otro lugar la dirección de esta investigación.

Con la intérprete viajamos a Matao (Brasil) donde realizamos una función en el Festival Fronteras. De regreso, en el curso de Dirección Escénica de la Escuela de Artes y Oficios del Teatro Argentino de La Plata, montamos el trabajo en relación con el espacio, el cual resignificamos como el dentro. Como si la intérprete pudiera entrar en su interior y convivir con sus sensaciones e ideas que habitan dentro suyo.

¿Existe ese lugar? Actualmente seguimos investigando y aparecen mezclas, cruces, entrelazos; relaciones y encuentros dentro y fuera, entre. Entre mi cuerpo y el exterior. Un entre gravitatorio donde cruzan sensaciones, ideas, conceptos, pensamientos.

Estar adentrando, estar afuerando, estando en el entre a la vez. ¿Esto es posible?

Participantes

Eliana Giommi

Intérprete

Martin Murphy

Músico

Pablo Alvarado

Iluminador

Julia Portela Gallo

Asistente de dirección

Delfina Serra

Dirección

Temporadas

Lugar	Escuela de Artes y Oficios del Teatro Argentino
Ciudad	La Plata

Lugar	Centro Cultural El Sábato, Programa El Vuelco
Ciudad	Ciudad Autónoma de Buenos Aires

Lugar	Escuela de Enseñanza Técnica N1
Ciudad	La Plata

Lugar	Galpón de La Grieta
Ciudad	La Plata

Lugar	Auditorio de la Facultad de Bellas Artes de la UNLP
Ciudad	La Plata

Funciones Especiales

Lugar	Ciudad Cultural Konex
Ciudad	Ciudad Autónoma de Buenos Aires
En el marco de	Bienal de Arte Joven de Buenos Aires, 2015.

Más sobre la obra

Seleccionada en la convocatoria Directores Teatrales y Coreógrafos (Obra terminada) de la Bienal de Arte Joven 2015.

Trailer

Sinopsis

Para esta intervención las performers se posan activamente frente a un dispositivo de comunicación experimental. No hay espacio dentro de él pero si barreras y límites. Quienes observan, encuentran cuerpos condicionados por el acto de la comunicación, y a la vez geometría oblicua, sinérgica y compleja en movimiento. Como una máquina propulsada a sangre y a intelecto reactivo e inconsciente, la sensación grupal de quienes la mueven dan cuerpo simultáneo a la obra.

Participantes

Federico Lucas Köhn

Dirección

Danila Uslenghi

Acción

Victoria Keriluk

Acción

Luciana Demichelis

Acción

Funciones Especiales

Fecha	17-03-2018
Ciudad	La Plata
En el marco de	Quinta edición del Festival Danzafuera

Más sobre la obra

Sinopsis

La Casa Curutchet vive fuera del tiempo, tiene un centro, pero no tiene fin; incontables veces la recorrimos perdiéndonos en ella, sin poder recordar exactamente que hicimos allí. La Casa Curutchet, es intocable, su claridad pura inunda todos los espacios y observamos como alucinadas que la casa flota vacía y aún con vida, como un fantasma, en la ciudad. Necesitamos tener los pies en la tierra. El Sótano de La Casa Curutchet es feo, oscuro, oculto y funciona como depósito de artículos de limpieza. El Sótano de La Casa Curutchet, no es La Casa Curutchet, es su revés; se puede tocar, es nuestro laboratorio y ahí comprendimos lo que ya sabemos: lo que podemos imaginar siempre existe en otra escala, en otro en otro tiempo, en una fotografía, en un sueño, o todo junto en un pequeño Aleph.

Motivación

Intervenir la casa Curutchet. Una obra maestra que en nuestro doble rol de bailarinas-arquitectas/plásticas nos convoca de manera especial y conflictiva ¿Qué hacer? La clave del trabajo es la elección del sitio a intervenir en la casa: el sótano, lugar olvidado, no-lugar. Y la idea de descender en la oscuridad para ver que hay oculto, que esconde la casa. Un espacio posible para reflexionar, construir y también destruir, profanar, alterar, errar. Como un laboratorio donde la casa es abierta con un bisturí. Las maquetas como ensayo, los cuerpos puestos a prueba, dando escala construyendo- destruyendo; un video como la proyección de un cerebro con imágenes mezcladas, un registro infinito, la arquitectura, los obreros, las demoliciones, el arte, Le Crbusier. El proceso creativo duró tres meses y se basa en charlas grabadas en cada encuentro que luego fueron desgrabadas y utilizadas en la obra como voz en off; dando cuenta de los pensamientos, la deriva, las asociaciones, las dudas, el proceso. Toda la obra es una construcción colectiva.

descenso -o,66mts. fue realizado en el marco de Máquina para vivir, Intervenciones en la Casa Curutchet

Participantes

Luciana Lima

Proyecto y dirección

Julia Sbriller

Proyecto y dirección

Laura Valencia

Proyecto y dirección

Temporadas

Fecha desde	23-11-2013
Fecha hasta	01-12-2013
Lugar	Casa Curutchet
Ciudad	La Plata

Más sobre la obra