Propiedad:Motivacion
De Nodos
Esta es una propiedad de tipo Texto.
P
::::''La arquitectura ya no puede ser una unidad homogénea que representa un todo. Tan sólo puede entenderse como una serie de fragmentos unidos entre sí por la persona que los experimenta. La llamada a una arquitectura flexible e interactiva ha establecido un elemento obvio, aunque olvidado durante mucho tiempo, en la proyección y construcción de edificios: las personas. Si la arquitectura solo puede comprenderse recorriéndola, únicamente puede existir si tiene uso. Si apelamos a la planificación urbana para que haga sitio a lo inesperado, entonces ello debe entenderse como un llamamiento a preparar el terreno para la interacción humana espontánea. El usuario es, una vez más, el vínculo entre la idea y la realidad física y el catalizador en la creación del espacio.''
:::::::::(Julia Schulz-Dornburg, ''Arte y arquitectura: nuevas afinidades'')
De acuerdo con Le Corbusier, el desplazamiento configura el orden de la arquitectura. El ojo y la luz son referencias generadoras del diseño, forman parte indispensable de la promenade. Por eso, Le Corbusier se sirvió de rampas, escaleras, puentes y demás pasos de circulación para infundir en sus obras expresividad y experiencias inesperadas.
En la Casa Curutchet, la rampa es el eje de la composición. Articula las dos funciones principales, la vivienda y el consultorio, y es el conector entre estas y la calle. Genera una espacialidad continua y fluida, en la que se vinculan lo interior y lo exterior, lo público y lo privado. Espacios que se revelan a sí mismos a medida que el visitante avanza. La rampa recorre los espacios generados por el diseño y las tensiones que surgen en su recorrido enriquecen la idea motriz pregonada por Le Corbusier en sus obras, un compendio de variaciones sensoriales impuestas por la arquitectura.
A diferencia de la escalera, la rampa otorga una variación dinámica del ángulo de visión, una dinámica que rompe la imagen de la perspectiva tradicional y la remplaza por una composición de planos superpuestos, entregando al usuario un recorrido constante sin cortes.
Las secuencias de planos, la percepción continua e ininterrumpida del espacio, el dialogo entre la geometría y la pulsión son algunos de los componentes de vivir una Promenade. Caminar es una danza alrededor de este espacio, reconectándolo, reexperimentándolo y viéndolo cada vez de una manera diferente
Proyecto CERO es el despliegue escénico de una imagen urbana: en la ciudad que duerme, algunas ventanas permanecen encendidas. ¿Qué ocurre en el interior de esos espacios? ¿Qué acciones se llevan a cabo, cuáles se repiten? ¿Qué pensamientos rumian sus habitantes mientras se ven mutuamente como náufragos en islas distantes? ¿Cómo la mirada del otro penetra en el interior, qué es lo se muestra si se es consciente de esa mirada? ¿Hace falta una historia? ¿Qué pasa si sólo somos esa acción que repetimos, que mostramos? ¿Hay erotismo en la repetición? ¿Cuántas versiones hacemos de nosotros mismos? Así, el paisaje se recorre a preguntas. A través de un paréntesis nocturno contrapunto del movimiento constante de la ciudad, campo fértil para generar un imaginario que impulsa y cruza transversalmente las dramaturgias textuales, espaciales, corporales y rítmicas propias de un espectáculo que busca reconfigurarse cada vez, escapando del realismo y la narración lineal, apostando una erótica sensible de la escena, una poética furiosa, un roce nocturno que arañe la soledad. +
Obra inspirada en algunos conceptos de la novela “1984” del escritor George Orwell para abordar escénicamente sistemas de vigilancia masiva, manipulación de la información y control social. +
es un proceso de creación que se desarrolla en tres instancias: Experiencia, Archivo y Escena.
1. Experiencia
Un grupo de performers realizó un ejercicio de observación en el espacio público. Cada performer hizo un recorrido siguiendo un Procedimiento. El recorrido fue seguir la línea que se forma entre el encuentro del cordón y la calle, alrededor de la manzana donde se encuentra el lugar donde vive. Un zoom sobre un borde, ampliar un margen donde se acumula basura y muchas cosas más.
Los registros se realizaron en 5 soportes: palabras, audios, fotos, videos y cosas/objetos encontrados que se consideraron valiosos. ¿Qué gestos emergen en este recorte territorial?
2. Archivo
El archivo se presenta como el primer lugar de encuentro de los materiales, un espacio virtual que vuelve a la experiencia colectiva. Se compilan y editan los registros de cada uno de los recorridos en una web (textos, audios, fotos, videos y objetos)
3. Escena
Práctica para ensanchar una línea, utiliza el recorrido como estímulo central de la acción performativa, y el espacio público como la herramientas de investigación. Devela las imaginaciones implicadas en la acción de observar y adultera esas imaginaciones en una escena.
La escena vuelve a encontrar los materiales del archivo, esta vez haciendo foco en la performatividad que sus despliegues y manipulaciones requieren, un devenir donde cuerpos, sonido, texto e imágenes generan un ambiente específico, que se define por sus movimientos y constante hibridación, desafiando la lógica del adentro y el afuera.
La instalación de los materiales del archivo en el espacio, son el comienzo de la escena. Una gran línea de bolsas transparentes colgadas sobre una pared, contienen los objetos encontrados. Una imagen proyectada del archivo web, una micro proyección que reproduce fotos. Una pila de procedimientos. Un dibujo de los recorridos. Cada performer reproduce el audio de su recorrido desde su celular, provocando una atmosfera sonora en constante movimiento. Todo un ambiente exterior, reconfigurado en este nuevo espacio interior. Tanto público como performers pueden desplazarse y recorrer el espacio como deseen.
Q
La composición de la obra coreográfica ''Quien Habita'' y la posterior investigación que se desprende de ella, son fruto del proceso de análisis realizado durante el tiempo de cursada de la carrera “Licenciatura en Composición Coreográfica con mención en Danza Teatro” del Departamento de Artes del Movimiento de la UNA y fueron el resultado de la investigación que se presentó como Tesina de Graduación de dicha Licenciatura, rendida y aprobada en diciembre de 2013.
Nombre: ''Quien Habita'': Los sujetos y el espacio, la relación. Un análisis acerca de la relación entre el espacio y los cuerpos que lo habitan a partir de la modificación que generan uno sobre los otros y viceversa.
Autora: Constanza Copello +
En el año 2012, y a partir de una invitación a participar en el Ciclo de danza “En2tiempos”, organizado por Alejandra Ceriani en el edificio de Presidencia de la Universidad Nacional de La Plata, empezamos a trabajar en una nueva propuesta escénica que desarrollara y pusiera en escena algunas de las cuestiones que habían empezado a atravesar nuestro trabajo, fundamentalmente a partir de [[Toma 3]]. Decidimos trabajar con lo que no se ve en escena, con el proceso como parte fundamental del producto, con los elementos que la escena busca ocultar, evidenciando nuestras metodologías de trabajo, la rotatividad de los roles, el uso de recursos caseros y de bajo costo, la combinación de dispositivos digitales y analógicos, entre otras. Así, decidimos montar una obra en la que el público vea el armado de las escenas con todos los accesorios, procesos y elementos que construyen la ficción, y al mismo tiempo vea también esa ficción, la selección propuesta por la cámara para cada una de esas escenas. Se generaban entonces dos universos diferentes, el real de lo que sucede 'en vivo', y el de las imágenes capturadas por la cámara y proyectadas en tiempo real. +
Luego de la participación en 2012 con la performance [[Quién te mira quién te ve]], en 2013, se reitera la invitación a participar del ciclo “En2tiempos”, pero esta vez en un nuevo espacio, el Observatorio de la Universidad Nacional de La Plata. Esta invitación y este cambio de espacio nos llevaron a profundizar lo que habíamos trabajado anteriormente, y a ahondar en la búsqueda estética hacia la cual estos procesos de trabajo nos estaban direccionando.
El espacio del observatorio, como espacio dedicado justamente al mirar, a la observación, y al juego con dispositivos que intervienen sobre la mirada, potenció la pregunta que nos veníamos realizando en ese sentido. La coexistencia, en el observatorio, de diferentes instrumentos ópticos, con diferentes grados de complejidad técnica, dialogaba con el uso de distintos dispositivos tecnológicos con los que estábamos experimentando. Hacia allí dirigimos la propuesta estética, manteniendo el juego en torno al artificio de las escenas, pero abordado esta vez, principalmente desde los artificios de la mirada y los dispositivos ópticos, y jugando en un ida y vuelta entre los diferentes recursos tecnológicos, ópticos, analógicos y digitales. +
R
La motivación de trabajo fue una propuesta que Martín Gil realizó a su grupo de trabajo.
Breve descripción de la propuesta: Un cuerpo que se pone en movimiento, en un espacio: ¿Bajo qué parámetros, ideas, o pautas se mueve este cuerpo?
¿Cómo construir un relato de acción, una trayectoria dramática, una construcción escénica, que inicie o tenga anclaje en este modo de mover y estar de este cuerpo en el espacio? He aquí mi interés principal, como encontrar material guiando a un intérprete para llegar a una fuente potable de información, sin la necesidad de imponer un material externo a él y al momento creativo.
¿Cómo encontrar la pureza de un movimiento? Si pensamos en el movimiento como acción concreta y directa, sin ningún tipo de estilización o representación de este, teniendo en cuenta todas sus cualidades como peso, dinámica, espacialidad y tiempo, siendo conscientes de la cantidad de masa corporal que se pone en funcionamiento para llevar a cabo el mismo, deberíamos encontrar el núcleo puro de cada movimiento con todas sus cualidades. Una vez encontrados estos movimientos: ¿Cómo generar situaciones o mecanismos de relación entre los cuerpos sin perder la pureza encontrada en cada movimiento? Encontrando el modo de dar protagonismo a estas situaciones dejando en un tercer plano al sujeto, intentando evitar que éste afecte previamente al movimiento. Otorgándole de esta manera lugar al espectador como receptor activo, interpretando su propia lógica de sentido dentro de lo que observa, escucha y siente.
La investigación que dio como resultado a “Relato de Acción”, se desempeña a través de 11 situaciones, cada una de ellas detalladamente pautadas, ejecutadas por tres intérpretes que comparten el mismo tiempo y espacio, sin interferir una en la acción de la otra.
“Relato de acción” surge como una idea del director. La coreografía es una propuesta de las intérpretes bajo propuesta y dirección de Martín Gil. La dramaturgia y montaje de la obra corresponde también al director.
Reversible propone el encuentro de uno con el otro, de uno en el cuerpo del otro, de uno con su otro, de uno con su propia multiplicidad. La obra permite participar del movimiento mostrado en su reversibilidad de verse reflejado en el otro como un espejo del que mira y es mirado. REVERSIBLE invertido, cambiado, re-interpretado. Cada parte de la obra suma una RE-VERSIÓN a esta idea de reversibilidad. +
S
La idea surge de la Directora de la obra: de complementación con el otro, el crecimiento que surge en la unión acertada de las partes, sentimiento que surge a partir de una experiencia personal. Todas las ideas son enriquecidas y dialogadas en su creación junto al músico Mauricio Aguirre. La construcción de la música y el lenguaje, material de movimiento, son investigados y creados en el mismo momento de producción.
El proceso creativo duró 6 meses. 2 veces por semana dos horas cada encuentro.
Se trabajó desde la idea, a través de un proceso de investigación del movimiento, para su materialización. La selección y construcción organizativa del material fue realizada por la Dirección. +
Saturno surgió de la necesidad de experimentar un formato de improvisación teatral que diera el marco necesario para contar historias argumentalmente más fuertes y pesadas que las propias de los espectáculos de humor.
La búsqueda del grupo originalmente conformado por Nazarena Torandell, Julia Ruiz, Jorge Ferreyra y Damián Cametho, se centró en improvisaciones en long form con el condimento de crear dentro de las historias una buena cuota de Realismo Mágico. +
Elegimos "El sabueso..." como texto para acercar clásicos a jóvenes y adultos (como antes lo habíamos hecho con "El fantasma de Canterville" y "la Odisea". No solo por el lado educativo, digamos, sino también la idea de "formar público".
Es pensar en cómo y con qué llegamos a los jóvenes. Que tal vez sea su primera aproximación a este arte, sin dejar de lado al público que ya tiene la costumbre de acercarse a estas manifestaciones artísticas.
Con El Esférico muchas veces discutimos sobre lo que vamos a contar y cómo lo vamos a contar. No queda solo en una decisión estética, ni de investigación. Nos parece importante el discurso y, en muchas oportunidades, en muchos procesos, fue decisivo. +
La obra relata la relación con el otro. Otro que nos define, nos inquieta, nos modifica, nos complementa, nos mide, nos da identidad. Otro a quien amamos, admiramos, repudiamos, queremos. Aquello que puede estar en una hermana, una amiga, un amor o un desconocido que modifica nuestro mundo de manera permanente o fugaz.
Surge de un interés personal por la temática. Se trabajó con sobre textos de Haruki Murakami y de Alice Munro, entre otros, como disparadores para la improvisación. Esta elección se debe a la conjunción de simpleza y potencia que poseen para hablar de los diferentes modos de relación con el otro y por las imágenes espaciales y de movimiento que sugieren. +
La obra surge de la invitación a participar del Ciclo Supervivencias, coordinado por Diana Rogovsky y Renée Zgainer.
Se trabajó específicamente con la intervención del espacio donde fue llevado a cabo, la propuesta tuvo que ver con generar un recorrido por una casa antigua intentando resaltar todos esos elementos del mundo de la casa que hacían referencia a una época lejana, en contra posición a elementos electrónicos y lumínicos de la actualidad. En cada habitación se evidenciaba una situación diferente y característica que tenía relación con el todo. +
Durante la primera mitad del año, se van definiendo las rutinas acrobáticas de cada alumno con los elementos que se requieren. A partir de la segunda mitad del año, se va definiendo la temática de la muestra y comienza a armarse la trama de la historia.
Un mes antes de la muestra se ensayan las historias completas empleando el vestuario y la música seleccionada.
Las rutinas individuales, se arman en conjunto con el alumno. Lo mismo que la temática a mostrar. Se hacen varias propuestas y se someten a votación. La historia va recibiendo aportes de los alumnos, los profesores y los coordinadores. +
“Superestática y Mr. Facciones Relajadas” es una obra “descontracturada” que juega con lo absurdo; el humor radica desde un lugar abstracto. Este lugar carente de solemnidad motivó a sus creadores para mostrar la danza contemporánea en distintos ámbitos donde no frecuenta este tipo de lenguaje. +
La obra tuvo un proceso de creación bastante arduo; no era fácil ni habitual para los miembros de “Vuelve en Julio” tomar un texto de un autor que no pertenecía al elenco y adaptarlo para transformarlo en una obra propia. Comenzaron el proceso de investigación a principios del año 2011 analizando el texto, observando que puntos les resultaban atractivos para tomar y cuáles consideraban que no los identificaban como creadores. La forma de utilización del tiempo aparecía como un elemento que los seducía y que, podría decirse que fue el único recurso (adaptado) que quedó de la obra original. Comenzaron a improvisar a partir de los temas propuestos por el texto, sin embargo, las improvisaciones carecían de texto oral; aparecía un lenguaje mucho más corporal. En ese momento nace la idea de puesta, se presenta el escenario de ciencia ficción donde los personajes parecerían estar atrapados. Durante ese período se presenta la dicotomía: escenario virtual y vida real; nace un nuevo conflicto cuando los personajes comienzan a divagar entre un mundo y otro; aparecen nuevos códigos de comunicación entre ellos. Frente a esta búsqueda, el elenco se da cuenta que está concibiendo una obra diferente; allí nace “Suspensivos”, lo que los obliga a construir grupalmente una nueva dramaturgia.
Al comienzo del proceso hubo ensayos intensivos de tres o cuatro horas tres veces por semana; en la medida que se avanzó, comenzaron a reducir ese régimen de horas.
Fue interesante, así como novedoso y complejo, atravesar una experiencia diferente de construcción de obra. Así mismo, comienzan a aparecer replanteos nuevos para los miembros de “Vuelve en Julio” que tienen que ver con la creación, la identidad y los códigos teatrales; podría decirse que “Suspensivos” acompañó este proceso de maduración de la compañía. +
T
El proceso de ''Toma 3'' surge en 2010 con la inquietud de Proyecto en Bruto de investigar en la integración de la danza con la imagen, propuesta que comienza a identificar al grupo desde ese entonces.
El proceso es de 2 años de trabajo continuo pero no intensivo en donde trabajamos en forma integrada desde cada campo o lenguaje, haciendo un camino de ida y vuelta entre versiones correcciones, material grabado revisado, editado, re editado, etc.
La dramaturgia o coreografía es grupal y buscando sobre todo la integración e interrelación de múltiples miradas tanto en el proceso como en la obra como producto final. +
Después de la función en [Doble-T] (La Plata, 26 de agosto de 2017) Tomate le comentó a NODOS que la intención siempre fue generar un espectáculo de alcance internacional, apostando a construir una manera de comunicación que llegara a todos/as sin importar edades ni fronteras. +
Es una propuesta basada en el original, tomando su estructura y versionando la historia con momentos de humor. +
Según Nicolás Isasi, Director Escénico y General podremos entender el por qué de hacer esta obra:
“Mi primer encuentro con Joplin fue a los 10 años cuando apenas comenzaba a estudiar música. A medida que escuchaba cada obra, me daba cuenta que no eran simplemente canciones, sino que había una energía especial dentro de su propio estilo, el ragtime. Y este fue el punto de partida que lo impulsó a la máxima expresión que cualquier compositor puede alcanzar: la opera. Es así que nace Treemonisha, compuesta y escrita por él mismo en 1910, publicada con dinero del propio Joplin en 1911 y con un estreno en versión concierto en 1915. Recién en 1972 se realiza el estreno escénico-musical. Generalmente apartada del ámbito operístico mundial (en las estadísticas de Operabase aparece con sólo 2 representaciones entre 2005 y 2010), esta obra posee un mensaje tan importante desarrollado a través de la maravillosa música de Joplin que tenía que ser visto y escuchado por la gente. Su mensaje a favor de la comunidad afroamericana, los valores, el respeto por el otro, la paz, la educación, el perdón y tantas otras cosas, merecía ser difundido en nuestro país en particular y sigue siendo inspirador y enriquecedor para cualquier tipo de sociedad. Considero que la vigencia de Joplin es más que contundente y su mensaje sigue siendo una enseñanza. Por último, quiero destacar que Scott Joplin creó con Treemonisha una opera lírica con mezclas de ragtime, gospel, barbershop quartet, black folk music y opereta para contar parte de su historia (complicada pero de absoluta actualidad), con la que se adelantó 40 años al pacifismo de Mahatma Gandhi y 60 al de Martin Luther King”. La realización de Treemonisha en esta producción fue un desafío enorme por las dificultades que presenta la obra, además de no ser material del repertorio lírico habitual. Llevó más de medio año de trabajo entre las diversas áreas. El elenco estable ha cambiado a lo largo del tiempo por diversas cuestiones y se realizaron varias audiciones desde marzo hasta agosto por este motivo. Se ensayaban 3 veces por semana de 3hs. c/u.
La motivación fue crear una obra que pueda ser representada en cualquier teatro del mundo, independientemente del idioma. Se construyó en ocho meses, con tres ensayos semanales. No tuvo interrupciones.
Fue construida sobre la escena, trabajándolos personajes, el idioma, el espacio y luego sobre un hilo conductor que conformó la historia. +
La obra plantea, de manera verosímil, la posibilidad de que lo establecido entonces como "verdad", bajo el influjo del entusiasmo positivista, no lo haya sido. La pretendida objetividad que ofrece la rigurosidad del método científico, podría no escapar del territorio regulado por las lógicas de dominio, privilegios, abusos e injusticias que en cada época se reproducen por cuestiones de clase y de género. +
EL UNIVERSO
El tiempo y el espacio impreciso de un cuerpo solo, de una sola vida, de una misma historia que desagua en otros tiempos, otras historias, otros lares, otros cuerpos, otros sentimientos colectivos, más urbanos, pero tal vez, y a pesar de todo, de aquel mismo cuerpo.
Una pregunta por nuestra identidad partida. ¿Quién soy? +
La obra nace a partir de la decisión grupal de trabajar sobre el tema del poder, comprendiendo su condición de “inabarcabilidad”. La motivación sobre el poder surgió a partir del propio funcionamiento grupal, porque el poder es intrínseco a las relaciones humanas y entonces, nos atraviesa de forma particular por concebirnos como un grupo que pretende trabajar desde la horizontalidad. Esto, sumado a las circunstancias de vulnerabilidad social vividas en la ciudad de La Plata a partir de la inundación impulsaron nuevas preguntas sobre el poder y sobre nuestro rol como artistas. +
U
Un koltés. Adaptación criolla, es un espectáculo que resulta lecturas azarosas y fragmentadas de la obra de B.M. Koltes, luego de una intensa búsqueda de textos de diversos autores tanto nacionales como internacionales, sin que ninguno llegara a afianzarse ni convencer del todo. Como grupo veníamos trabajando previamente en otro tipo de experiencias como la creación colectiva, haciendo uso de textos propios que devinieron en un espectáculo de sala (Los Puntuales. esos que siempre regresan), otro de calle (La turné) y finalmente un unipersonal (Bajo un sol de sílice). Esto nos llevó a la búsqueda de un nuevo desafío, como en este caso lo es la posibilidad de trabajar a partir de un material textual de uno de los mayores autores del siglo XX. Por lo tanto, se trabajó a partir del imaginario de obras que no pertenecieran a los considerados textos canónicos. En este sentido, distintos teóricos se han encargado de desmenuzar y clasificar sus escritos, al mismo tiempo que decidir cuales han ingresado al podio y cuales se han quedado en los umbrales, como primeras pruebas, experimentos que apenas dejan entrever el genio posterior. Lejos de esto, se elige entonces obras como La Herencia o Sallinger. Correspondientes a los años tempranos del dramaturgo, entre 1970 y 1974, que no portan en sí mismas el peso de una obra maestra. Incluso, como sostiene Dubatti, pertenecen a un grupo de textos inéditos que circulaban como borradores y manuscritos entre amigos del autor, cuyo valor residiría más como documentos que como obra en sí, ya que presupondrían al teatro como una práctica subsidiaria a la literatura. Sin embargo, el grupo trabajó justamente a partir del carácter de borrador, basándose en aquello por lo que la crítica no toma a la obra como canónica, lo que abre el pensamiento a nuevas formas de puesta en escena y reescritura de los textos de Koltès. Esto es, la posibilidad de no representar un texto, ni de hacer un teatro para el texto, sino el uso del mismo como una materialidad concreta a manipular, por su potencia como manuscrito que escapa a su cristalización. Por lo tanto, encontramos un material que se presenta como “tradicional” y textual, pero que se torna una plataforma para lanzar múltiples preguntas sobre sus posibilidades poéticas y performativas, lo cual se actualiza en un híbrido escénico puesto en tensión permanente.
Urbe fue pensada para ser realizada en cualquier espacio, tanto exterior como interior, escénico o urbano. Para su realización, se coloca una cinta de luz Led que delimita de forma irregular aproximadamente unos 10 metros cuadrados (aunque pueden ser menos según el lugar), intentando llamar la atención sobre puntos determinados que el contexto ofrece. El objetivo de este recorte sobre el espacio cotidiano es la creación de un nuevo espacio: el escénico, donde se lleva a cabo la acción.
El público se ubicará alrededor porque la obra no tiene un frente determinado. La obra puede realizarse tanto en teatros, halls de los mismos y en funciones compartidas. +
V
Veo Veo invita al espectador a reflexionar sobre lo que se ve y lo que no se ve, y cómo es que se construye lo que se ve. Las imágenes como información o indicio de algo que no se termina de conocer. Qué nos dicen los sentidos a cerca de las cosas, cómo percibimos, y cómo las cualidades que percibimos de las cosas no nos terminan de definir a la cosa. La unidad de la cosa, que se podría definir por las relaciones que se establecen entre sus cualidades, queda siempre en el misterio.
Un matrimonio con 40 años de casados, como dos fantasmas que aparecen y desaparecen a lo largo de toda la obra y que se hacen visibles sólo en el campo sonoro instalan una disociación entre lo que se escucha y lo que se ve, estableciendo distintas relaciones entre estos dos discursos paralelos que se cruzan y se bifurcan. +
El trabajo surgió a partir de la convocatoria del ciclo En2tiempos, que reunió performers, programadores y reseñistas en grupos de trabajo y exploración. A partir de los lineamientos generales, que apuntaban a la investigación y estudio de los procesos de creación entre la danza y las nuevas mediaciones tecnológicas, el programador y la performer acordaron trabajar con la captura óptica del movimiento y análisis del gesto corporal. Siendo el objetivo generar una experiencia sonora que surja del movimiento del intérprete en escena.
A lo largo del proceso, se exploró las posibilidades de la retroalimentación y el desarrollo de la adaptación del circuito al cuerpo de la intérprete a partir de un trabajo colectivo. +
Y
Las inquietudes y motivaciones tienen que ver con la producción de sentido inacabada, los roles hombre-mujer transfigurados, las pasiones humanas, el erotismo, los límites del lenguaje entre acontencimiento-danza-teatro. +
La obra fue compuesta en el marco de una Beca de Creación Grupal otorgada por el Fondo Nacional de las Artes en 2014 a los compositores Ramiro Mansilla Pons, Juan Cerono, Agustín Salzano, Carolina Carrizo y Luciano Kulikov, para la composición, con la guía del M° Marcelo Delgado, de obras que indaguen en la escena tomando distintos textos a elección como punto de partida. Las obras fueron estrenadas en el Ciclo de Arte Contemporáneo del Espacio de Arte de Fundación OSDE (CABA), con la curaduría de Marcelo Delgado. +
La propuesta artística nace de la idea de crear un espectáculo para todo público, que cuente una historia que no necesite palabras para ser comprendida.
Pretendemos indagar en el tiempo y el espacio del cine mudo, y dentro de ese mundo, los inicios de la animación, tan emparentado con las historietas. De hecho, muchos artistas descubrieron la animación en su necesidad de dotar de otro universo a sus viñetas y a sus personajes. En un principio, fue generar el misterio del movimiento, luego ese misterio llegó a convertirse en un género con vida propia.
Así fue que entendimos como partes importantes de este proceso al dibujante y a su dibujo, y cómo se encuentran en ese viaje por el mundo de la imaginación a la hora de crear. Un relato que es un desafío, una historia que su destinatario deberá codificar y decodificar para poder entender.
¿Por qué algo así para chicos? Porque creemos en un teatro de imágenes, de sensaciones, un modo de transmitir e intercambiar. Porque creemos en el maravilloso mundo del asombro, porque creemos en que los chicos, a pesar de estar en un tiempo donde la velocidad de estímulos es una vorágine permanente, puedan tener la oportunidad de repensar y repensarse en este y otros mundos que cada uno puede crear. Proponemos un espectáculo, que se basa en incentivar la imaginación del espectador, para traspasar los muros de una realidad concreta y poder volar a nuevos mundos. +
Á
A fines de 2013, Compañía Danseur presenta su ópera prima ÁMAME - MAREA, dos obras aparentemente independientes entre sí aunque relacionadas al buscar plasmar algo tan importante y humano como el momento en el que cada uno se enfrenta consigo mismo, con sus sentimientos, sus miedos, tristezas, fantasmas y sus deseos más recónditos, el descubrimiento de la vida y del propio sentir y existir.
El lenguaje del movimiento de ÁMAME - MAREA posee una clara orientación neoclásica, si bien es ocupación del trabajo diario de la Compañía que cada elemento técnico que se utilice, ya sea clásico o contemporáneo, sea ejecutado de manera correcta y estudiada.
Cada paso en ÁMAME – MAREA tiene una razón de ser y, más allá de la belleza que se busca en la danza existe un deseo de usar el movimiento como si fueran palabras; esto es lo que se intenta lograr en dicha obra.
Para esta Compañía, desde la Dirección resulta muy importante la elaboración actoral de cada intérprete, la investigación sobre “lo que se quiere contar”, la gestualidad que da sentido a cada paso que se ejecuta, a la conexión entre cada uno de los intérpretes. El objetivo consiste en generar diálogos físicos, razón por la cual siempre se trabaja en conjunto con un asistente actoral además del asistente técnico y coreográfico. De esta manera se orienta al bailarín en la búsqueda de cada personaje.
Desde 2013 esta Compañía se presenta en diversos espacios, festivales al aire libre, teatros convencionales y espacios culturales, a los cuales adapta sus obras para que puedan ser apreciadas de la mejor forma y llegar a diferentes públicos sin perder su esencia original.
Septiembre de 2013:
Presentación en el 2do Festival de Parque Patricios - Tango Popular al aire libre.
Noviembre y diciembre de 2013:
Estreno de ÁMAME - MAREA en Espacio Cultural Urbano.
Gala de Danza organizada por Bayres, Estudio de Arte, en el Teatro Astral.
Febrero, marzo, abril de 2014:
Temporada de siete funciones consecutivas en Espacio Cultural Urbano.
Abril de 2014:
Presentación en el 3er Festival Parque Patricios – Tango Popular al aire libre.
Julio de 2014:
Tercera temporada de ÁMAME – MAREA en Espacio Cultural Urbano
Noviembre de 2014:
Presentación de MAREA en el Conventillo Cultural Abasto, como artistas invitados de la Compañía Cuarto Intermedio.
