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Lista de resultados

• CARNADA  + (La obra surge del deseo de trabajar con el … La obra surge del deseo de trabajar con el paisaje de mi infancia. Con el Arroyo Rodriguez y la carga simbólica del Barrio Nirvana de Gonnet. Surge también de una pregunta sobre la trama textil de la red, como herramienta de acopio, como metáafora de la seducción y también como un lazo socialla seducción y también como un lazo social)
• Anfisbena. Una visita al museo del GEC  + (La obra surgió a partir de la invitación a … La obra surgió a partir de la invitación a participar del ciclo Supervivencias (coordinado por Diana Rogovsky y Renée Zgainer). Este ciclo invitaba a crear obras en un tiempo breve y con una modalidad intensiva, en vinculación con los espacios que se ofrecían para realizarlas. En este caso un centro cultural emplazado en una casa antigua. A partir de esta propuesta, el grupo construyó una obra en la que se exploran y tematizan las vinculaciones entre los mundos del arte y la investigación académica y los modos en los que estos y otros mundos se enlazan en cada una de las mujeres que lo integran, de modos ligados, en muchos casos a la monstruosidad.gados, en muchos casos a la monstruosidad.)
• Encendidos por los fósforos  + (La obra toma como trama de la composición … La obra toma como trama de la composición coreográfica la poesía Revolución de Saúl Yurkevich. En este texto, el escritor platense trabaja sobre los conceptos de revolución, inestabilidad y subversión del orden establecido. “Las sillas se sentarán sobre nosotros, seremos encendidos por los fósforos” escribe Yurkevich, describiendo una atmósfera de grandes cambios. La obra coreográfica retoma estas ideas sugiriendo situaciones que van tejiendo un clima de tensión y de constante desequilibrio. Los intérpretes atravesados por las fuerzas en pugna de esa experiencia humana, asumen diversos “roles”, nunca son los mismos: a veces son quienes accionan, otras veces los que esperan, se agrupan, conspiran, confrontan, fracasan y vuelven a intentar. El espacio escénico tiene reminiscencias de un ring de box. La obra recorre ciertos lugares de lucha primaria y visceral, como los contenidos en esa metáfora. Esta obra se estrenó durante la I Bienal de Arte organizada por la UNLP en el año 2010 que tuvo como eje principal la conmemoración del Bicentenario de la Revolución de Mayo.del Bicentenario de la Revolución de Mayo.)
• Suspensivos  + (La obra tuvo un proceso de creación bastan … La obra tuvo un proceso de creación bastante arduo; no era fácil ni habitual para los miembros de “Vuelve en Julio” tomar un texto de un autor que no pertenecía al elenco y adaptarlo para transformarlo en una obra propia. Comenzaron el proceso de investigación a principios del año 2011 analizando el texto, observando que puntos les resultaban atractivos para tomar y cuáles consideraban que no los identificaban como creadores. La forma de utilización del tiempo aparecía como un elemento que los seducía y que, podría decirse que fue el único recurso (adaptado) que quedó de la obra original. Comenzaron a improvisar a partir de los temas propuestos por el texto, sin embargo, las improvisaciones carecían de texto oral; aparecía un lenguaje mucho más corporal. En ese momento nace la idea de puesta, se presenta el escenario de ciencia ficción donde los personajes parecerían estar atrapados. Durante ese período se presenta la dicotomía: escenario virtual y vida real; nace un nuevo conflicto cuando los personajes comienzan a divagar entre un mundo y otro; aparecen nuevos códigos de comunicación entre ellos. Frente a esta búsqueda, el elenco se da cuenta que está concibiendo una obra diferente; allí nace “Suspensivos”, lo que los obliga a construir grupalmente una nueva dramaturgia. Al comienzo del proceso hubo ensayos intensivos de tres o cuatro horas tres veces por semana; en la medida que se avanzó, comenzaron a reducir ese régimen de horas. Fue interesante, así como novedoso y complejo, atravesar una experiencia diferente de construcción de obra. Así mismo, comienzan a aparecer replanteos nuevos para los miembros de “Vuelve en Julio” que tienen que ver con la creación, la identidad y los códigos teatrales; podría decirse que “Suspensivos” acompañó este proceso de maduración de la compañía.este proceso de maduración de la compañía.)
• Pauta y método para la purga familiar  + (La particularidad de este proyecto se rela … La particularidad de este proyecto se relaciona al método y el modo de llevar a cabo el proceso de creación, esto es, la propuesta se basa en la realización de una obra de teatro "desde cero". A partir del interés de los actores y la propuesta del director de hacer una obra en conjunto, y que tuviera la condición de empezar su creación "desde la nada", es que convocan a los demás participantes. Esta idea, que busca apartarse de las formas tradicionales de los procesos de composición teatral, sostiene que cada uno de los integrantes forme parte y se involucre, al mismo nivel, de un modo horizontal en la propuesta creativa. Así es que desde los diferentes roles se aportan ideas, sugerencias, cambios, incluso en relación a aspectos que corresponderían a otro rol; porque se consideran valiosos los saberes específicos y por otro lado no se los establece como incuestionables o inmutables.tablece como incuestionables o inmutables.)
• Ensayo Alcalino  + (La performance ENSAYO ALCALINO retoma la l … La performance ENSAYO ALCALINO retoma la línea de investigación que llevaba adelante la diseñadora y performer, Clara Tapia, desarrollando Acciones de Vestuario en las cuales “sin demasiadas pretensiones armaba un vestido desde la exploración física”. Después de la presentación de O mais alto en La Grieta, se asoció con Daniela Camezzana para profundizar la relación de estas acciones con el espacio escénico y el cuerpo de la artista. Así surge este trabajo pensado originalmente para la vidriera de Charo Perelli (496 entre 20 y 21, Gonnet), un cubo de vidrio de 3,50 x 2,50 emplazado en el frente de una vivienda. Durante la presentación, el público siguió desde la vereda la secuencia de acciones (corte, confección y tratamiento del textil) mediante las cuales la performer realiza una prenda, que luego fue exhibida durante una quincena en el espacio/vidriera.rante una quincena en el espacio/vidriera.)
• Yo Animé  + (La propuesta artística nace de la idea de … La propuesta artística nace de la idea de crear un espectáculo para todo público, que cuente una historia que no necesite palabras para ser comprendida. Pretendemos indagar en el tiempo y el espacio del cine mudo, y dentro de ese mundo, los inicios de la animación, tan emparentado con las historietas. De hecho, muchos artistas descubrieron la animación en su necesidad de dotar de otro universo a sus viñetas y a sus personajes. En un principio, fue generar el misterio del movimiento, luego ese misterio llegó a convertirse en un género con vida propia. Así fue que entendimos como partes importantes de este proceso al dibujante y a su dibujo, y cómo se encuentran en ese viaje por el mundo de la imaginación a la hora de crear. Un relato que es un desafío, una historia que su destinatario deberá codificar y decodificar para poder entender. ¿Por qué algo así para chicos? Porque creemos en un teatro de imágenes, de sensaciones, un modo de transmitir e intercambiar. Porque creemos en el maravilloso mundo del asombro, porque creemos en que los chicos, a pesar de estar en un tiempo donde la velocidad de estímulos es una vorágine permanente, puedan tener la oportunidad de repensar y repensarse en este y otros mundos que cada uno puede crear. Proponemos un espectáculo, que se basa en incentivar la imaginación del espectador, para traspasar los muros de una realidad concreta y poder volar a nuevos mundos.ad concreta y poder volar a nuevos mundos.)
• Atando Tabas  + (La propuesta artística nace de la idea de … La propuesta artística nace de la idea de crear un espectáculo que pueda transmitir algo de la esencia del gran músico argentino Atahualpa Yupanqui. Pretendemos en la puesta en escena recuperar, así como él lo hizo con el folklore, las raíces del teatro, el carácter de juego y rito del hecho teatral. “Un deseo profundo vive en mí: ser un día el rostro de una sombra sin imagen alguna, y sin historia. Ser solamente el eco de un canto apenas acorde que señala a sus hermanos la libertad del espíritu…”, decía Atahualpa, y tomando este texto como hoja de ruta, nos introdujimos en el mundo de Roberto Chavero, más precisamente en su poética visión del mundo. En ese viaje por su vida y por su historia, rescatamos su búsqueda recurrente por transmitir el silencio, hacerlo canción, hasta llegar a tenerle rabia por ser un desafío y una búsqueda inabarcable. Decidor, más que cantor, andador de caminos, que a cada paso se encontraba con gentes que alimentaban sus versos. Cada copla que escuchaba, la metía dentro de sus bagajes, para trasmitirlas, para seguir plantando raíces en diferentes tierras, sin ninguna que lo detenga. Logró llevar los versos de la montaña a los valles, de la pampa a los mares, cruzó líneas preestablecidas, ayudó abrir caminos y surcos, él acostumbrado a decir “que es demasiado aburrido seguir y seguir la huella”, repartió versos para que cada quien haga su propio camino. Y es así que hoy, muchos jóvenes piensan que “El arriero” es una canción de Divididos, una especie de profecía cumplida: Atahualpa creía en que las canciones no tienen dueño, y es así que sus versos siguen volando, cabalgando por el viento para que diferentes artistas los recuperen para mantenerlos “como abrojo en la memoria”. Para crear este espectáculo pensamos como primeros destinatarios adolescentes. ¿Por qué? Porque ellos, justamente, están en plena etapa de búsqueda, de preguntas, de emociones, de pensar y repensar los límites para romperlos, para transformarlos, para generar nuevos horizontes. Atahualpa Yupanqui, transformó el folklore recuperándolo y transmitiéndolo. Proponemos un espectáculo que recupere lo ritual, tanto folklórico, como teatral, recuperar el espíritu de juego, de peña, de reunión. Que se base en transformar la poesía en metáfora escénica, caminar por la cornisa de montañas y valles, para que ese camino nos modifique y nos motive a reflexionar en cada paso. Para conocernos y para reconocernos.paso. Para conocernos y para reconocernos.)
• Y es que sin aire...  + (Las inquietudes y motivaciones tienen que ver con la producción de sentido inacabada, los roles hombre-mujer transfigurados, las pasiones humanas, el erotismo, los límites del lenguaje entre acontencimiento-danza-teatro.)
• Inside Tango — Viaje Interior  + (Las mujeres de INSIDE TANGO —las hermosas … Las mujeres de INSIDE TANGO —las hermosas heroínas que guarda el tango en su historia... Ada Falcón: Estrella, diva y voz fundamental del tango en los inicios del género. Vivió un profundo romance con Francisco Canaro, quien nunca, sin embargo, se separó de su esposa. Tal vez por ese amor imposible se retiró de la vida profesional recluyéndose en un convento franciscano hasta el fin de su vida. Sabina Olmos: Cantante de tango y exitosa actriz de la época dorada del cine argentino. Filmó cerca de 30 películas. Fue esposa del famoso cantor Charlo de quien se divorció en 1969. Se suicidó arrojándose de un balcón a los 85 años, presa de una profunda depresión y en medio de dificultades económicas. Nunca había podido superar su divorcio. Gricel Viganó: Conoció a José María Contursi en Capilla del Monte, Córdoba. El reconocida letrista de tango, hombre casado, se enamoró perdidamente de ella. Sin poder sostener esa relación, y lejos de ella, escribe el inolvidable tango “Gricel” al que pone música Mariano Mores. Veinte años más tarde, ya viudo, Contursi se reencuentra con Gricel; el amor renace y se casan. Tita Merello: Enorme actriz y cantante argentina vivió un profundo romance con el popular actor Luis Sandrini. Con su nombre auténtico, Laura Ana Merello, firmó la letra del tango “Llamarada pasional”, inspirado seguramente en su amor por Sandrini, a cuyo final nunca pudo sobreponerse. Dijo sobre su vida: “hice de mí lo que quería, y tengo el orgullo de haber sacado, de entre las mujeres, una mujer íntegra. Yo le di la cara a la vida, y me la dejó marcada”. Eva Duarte: Se dice que llegó a Buenos Aires de la mano de Agustín Magaldi (el llamado Gardel de las Pampas). Decidida a convertirse en actriz, fue mucho más lejos gracias a su amor por Juan Domingo Perón y a sus propios ideales. Transformó la realidad de la mujer logrando grandes derechos políticos y civiles. Adelantada en su tiempo, dijo respecto del siglo XX: “este siglo pasará a la historia como el siglo del feminismo victorioso”. https://www.youtube.com/watch?v=AGa7vOZLrp0ttps://www.youtube.com/watch?v=AGa7vOZLrp0)
• Hansel y Gretel, un paseo por el bosque  + (Lo que motivo a adaptar este viejo cuento de los hermanos Grimm fue tratar de poder dejar una enseñanza a los niños, que las familias deben permanecer unidas por más que tengan dificultades en la vida.)
• Quién te mira quién te ve / Bajo la luz de la lupa  + (Luego de la participación en 2012 con la p … Luego de la participación en 2012 con la performance [[Quién te mira quién te ve]], en 2013, se reitera la invitación a participar del ciclo “En2tiempos”, pero esta vez en un nuevo espacio, el Observatorio de la Universidad Nacional de La Plata. Esta invitación y este cambio de espacio nos llevaron a profundizar lo que habíamos trabajado anteriormente, y a ahondar en la búsqueda estética hacia la cual estos procesos de trabajo nos estaban direccionando. El espacio del observatorio, como espacio dedicado justamente al mirar, a la observación, y al juego con dispositivos que intervienen sobre la mirada, potenció la pregunta que nos veníamos realizando en ese sentido. La coexistencia, en el observatorio, de diferentes instrumentos ópticos, con diferentes grados de complejidad técnica, dialogaba con el uso de distintos dispositivos tecnológicos con los que estábamos experimentando. Hacia allí dirigimos la propuesta estética, manteniendo el juego en torno al artificio de las escenas, pero abordado esta vez, principalmente desde los artificios de la mirada y los dispositivos ópticos, y jugando en un ida y vuelta entre los diferentes recursos tecnológicos, ópticos, analógicos y digitales.ológicos, ópticos, analógicos y digitales.)
• Bolero de Ravel (Ballet de EDCLP)  + (Muestra anual de la Escuela de Danzas Clásicas de La Plata.)
• El Mago de Oz  + (Muestra anual del grupo de teatro pre-adolescentes dirigido por [[Macarena Montes]])
• Cuerpos y Memorias en Diálogo  + (Muestra de la residencia Cuerpos y memoria … Muestra de la residencia Cuerpos y memorias en diálogo, coordinada por [[Nemecio Berrio Guerrero]], y realizada como parte de las actividades del V [[ECART Encuentro Platense de Investigadorxs sobre Artes Escénicas y Performáticas]]. La residencia fue un espacio de investigación, creación, con y para la Danza. Se generó un proceso de creación colectiva atravesado por el concepto de memoria como motor e insumo simbólico que conectó a los dos países Colombia y Argentina. Se pensó en la memoria desde los cuerpos como patinas se pensó en la memoria como símbolo de residencia. Fue un proceso de investigación con preguntas en relación a la memoria como dispositivo para la creación colectiva a partir de la reflexión y los insumos artísticos y estéticos que aportó la danza afrocolombiana contemporánea de Permanencias "Swahili" como metodología de formación y creación. como metodología de formación y creación.)
• Hacia la Contemplación  + (Nuestra motivación siempre fue la de conectar con los deseos espontáneos que surgían a la hora de expresarse con los recursos a disposición. Tratando de que cada gesto tuviera la fuerza de lo genuino.)
• La Lenta Erosión  + (Obra creada en 2016 en el marco de la cátedra de composición y proyecto de la Escuela de Danza.)
• Gianni Schicchi  + (Obra creada en el marco del Taller de Ópera de La Compañía Itinerante.)
• Proyecto Orwell  + (Obra inspirada en algunos conceptos de la novela “1984” del escritor George Orwell para abordar escénicamente sistemas de vigilancia masiva, manipulación de la información y control social.)
• Play with Bubbles  + (Play with Bubbles tiene como orígen la mem … Play with Bubbles tiene como orígen la memoria de mi infancia donde jugava con pompas de jabón con mis amigos en la calle de mi casa, y que la cantidad de borbujas que se explotavan en el coche de mi vecino dejaba marcas en la pintura y en los vidrios, dejandolo nervioso. Dentro de un contexto de investigación doctoral, buscamos encontrar procesos de dibujo determinados por transferencias de uso (mecanismos creativos y cognitivos mediante los quales el dibujo presta o adopta padrones de otros procesos, sustituyéndolos en sus própios medios y soportes - Antony Howell) con otros domínios performativos, como la propia acción de hacer borbujas de jabón. Es decir, en la transferencia de uso hay un redireccionamiento que no implica la presencia del cuerpo. El coche no está presente, pero una reproducción en escala real lo sustituye. Los actos performativos peligrosos, de má conducta o penosos son dirigidos a la representación visual, como actos fingidos – cuyo objetivo no se cumple. Esta acción usa el dibujo del coche como sustituto de lo real, donde el juego de la infancia puede ser recordado. El dibujo asume una función performativa, es experimentado como lugar e inscripción de una acción que es como un performativo infeliz. Esta propuesta piensa el juego libre como estrategia de creación para el início del proceso creativo, un juego sin reglas que, a lo largo del tiempo, podrá constituir sus propias reglas y que, a su vez, podrán ser rompidas. Lo que se pretende es iniciar el “juego” a partir de rememoraciones del pasado (como conductas restauradas – Richard Schechner), y verificar como esse “juego” puede ampliar y desarrollarse. La acción es colaborativa, donde los participantes juegan al improviso, es un acontecimiento real, sin ensayos.o, es un acontecimiento real, sin ensayos.)

• LUNSESLO  + (Políticas del cuerpo)

• Proyecto Cero  + (Proyecto CERO es el despliegue escénico de … Proyecto CERO es el despliegue escénico de una imagen urbana: en la ciudad que duerme, algunas ventanas permanecen encendidas. ¿Qué ocurre en el interior de esos espacios? ¿Qué acciones se llevan a cabo, cuáles se repiten? ¿Qué pensamientos rumian sus habitantes mientras se ven mutuamente como náufragos en islas distantes? ¿Cómo la mirada del otro penetra en el interior, qué es lo se muestra si se es consciente de esa mirada? ¿Hace falta una historia? ¿Qué pasa si sólo somos esa acción que repetimos, que mostramos? ¿Hay erotismo en la repetición? ¿Cuántas versiones hacemos de nosotros mismos? Así, el paisaje se recorre a preguntas. A través de un paréntesis nocturno contrapunto del movimiento constante de la ciudad, campo fértil para generar un imaginario que impulsa y cruza transversalmente las dramaturgias textuales, espaciales, corporales y rítmicas propias de un espectáculo que busca reconfigurarse cada vez, escapando del realismo y la narración lineal, apostando una erótica sensible de la escena, una poética furiosa, un roce nocturno que arañe la soledad.sa, un roce nocturno que arañe la soledad.)
• Efímero festín  + (Realizado en la Antártida Argentina. Base … Realizado en la Antártida Argentina. Base Esperanza. Febrero 2013 ''Efímero Festín'' fue pensado específicamente para realizarse en el continente blanco. Tiene la particularidad de surgir de dos personas, ser realizado por una sola (puede viajar a la Antártida solo un artista por obra seleccionada) y concluido por la otra. Este video danza pretende a través del arte y de una forma poética, colaborar con la concientización del cuidado del medio ambiente. Para ello, apelamos al egoísmo humano como herramienta y principal detonador de esta conciencia. La “historia” que pretendemos contar es la de una mujer, representante de nuestra humanidad y creadora de vida. Pero la creación puede conllevar a la destrucción de otra cosa que ocupaba un lugar determinado. Pretendemos apelar a la posibilidad de destrucción del ser humano frente a la estabilidad de la naturaleza: Otras especies vendrás detrás de nosotros. Así como se han extinguido los Dinosaurios, la especie humana podrá estar sólo por un breve espacio de tiempo en este planeta. Depende de nosotros permanecer la mayor cantidad de tiempo posible. La coreografía y dramaturgia de la obra es creación propia colectiva entre Ernesto Pombo y Chimene Costa. ''Efímero festín'' es una coproducción DNA-Programa Cultura y Chimene Costa
ción DNA-Programa Cultura y Chimene Costa
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• Ágora  + (Residencia en el festival Danzafuera 2016)
• Reversible  + (Reversible propone el encuentro de uno con … Reversible propone el encuentro de uno con el otro, de uno en el cuerpo del otro, de uno con su otro, de uno con su propia multiplicidad. La obra permite participar del movimiento mostrado en su reversibilidad de verse reflejado en el otro como un espejo del que mira y es mirado. REVERSIBLE invertido, cambiado, re-interpretado. Cada parte de la obra suma una RE-VERSIÓN a esta idea de reversibilidad. RE-VERSIÓN a esta idea de reversibilidad.)
• Saturno  + (Saturno surgió de la necesidad de experime … Saturno surgió de la necesidad de experimentar un formato de improvisación teatral que diera el marco necesario para contar historias argumentalmente más fuertes y pesadas que las propias de los espectáculos de humor. La búsqueda del grupo originalmente conformado por Nazarena Torandell, Julia Ruiz, Jorge Ferreyra y Damián Cametho, se centró en improvisaciones en long form con el condimento de crear dentro de las historias una buena cuota de Realismo Mágico.torias una buena cuota de Realismo Mágico.)
• Treemonisha  + (Según Nicolás Isasi, Director Escénico y G … Según Nicolás Isasi, Director Escénico y General podremos entender el por qué de hacer esta obra: “Mi primer encuentro con Joplin fue a los 10 años cuando apenas comenzaba a estudiar música. A medida que escuchaba cada obra, me daba cuenta que no eran simplemente canciones, sino que había una energía especial dentro de su propio estilo, el ragtime. Y este fue el punto de partida que lo impulsó a la máxima expresión que cualquier compositor puede alcanzar: la opera. Es así que nace Treemonisha, compuesta y escrita por él mismo en 1910, publicada con dinero del propio Joplin en 1911 y con un estreno en versión concierto en 1915. Recién en 1972 se realiza el estreno escénico-musical. Generalmente apartada del ámbito operístico mundial (en las estadísticas de Operabase aparece con sólo 2 representaciones entre 2005 y 2010), esta obra posee un mensaje tan importante desarrollado a través de la maravillosa música de Joplin que tenía que ser visto y escuchado por la gente. Su mensaje a favor de la comunidad afroamericana, los valores, el respeto por el otro, la paz, la educación, el perdón y tantas otras cosas, merecía ser difundido en nuestro país en particular y sigue siendo inspirador y enriquecedor para cualquier tipo de sociedad. Considero que la vigencia de Joplin es más que contundente y su mensaje sigue siendo una enseñanza. Por último, quiero destacar que Scott Joplin creó con Treemonisha una opera lírica con mezclas de ragtime, gospel, barbershop quartet, black folk music y opereta para contar parte de su historia (complicada pero de absoluta actualidad), con la que se adelantó 40 años al pacifismo de Mahatma Gandhi y 60 al de Martin Luther King”. La realización de Treemonisha en esta producción fue un desafío enorme por las dificultades que presenta la obra, además de no ser material del repertorio lírico habitual. Llevó más de medio año de trabajo entre las diversas áreas. El elenco estable ha cambiado a lo largo del tiempo por diversas cuestiones y se realizaron varias audiciones desde marzo hasta agosto por este motivo. Se ensayaban 3 veces por semana de 3hs. c/u. ensayaban 3 veces por semana de 3hs. c/u.)
• Las descangayadas del silencio  + (Surgió de una iniciativa individual de Dia … Surgió de una iniciativa individual de Diana Rogovsky, pero se retomaron elementos de trabajos previos realizados en conjunto. La obra se gestó en tres meses, como una creación específica para el [[Festival Danzafuera]], ensayando en el lugar específico dos veces por semana tres horas cada vez. dos veces por semana tres horas cada vez.)
• Un koltés. Adaptación criolla  + (Un koltés. Adaptación criolla, es un espec … Un koltés. Adaptación criolla, es un espectáculo que resulta lecturas azarosas y fragmentadas de la obra de B.M. Koltes, luego de una intensa búsqueda de textos de diversos autores tanto nacionales como internacionales, sin que ninguno llegara a afianzarse ni convencer del todo. Como grupo veníamos trabajando previamente en otro tipo de experiencias como la creación colectiva, haciendo uso de textos propios que devinieron en un espectáculo de sala (Los Puntuales. esos que siempre regresan), otro de calle (La turné) y finalmente un unipersonal (Bajo un sol de sílice). Esto nos llevó a la búsqueda de un nuevo desafío, como en este caso lo es la posibilidad de trabajar a partir de un material textual de uno de los mayores autores del siglo XX. Por lo tanto, se trabajó a partir del imaginario de obras que no pertenecieran a los considerados textos canónicos. En este sentido, distintos teóricos se han encargado de desmenuzar y clasificar sus escritos, al mismo tiempo que decidir cuales han ingresado al podio y cuales se han quedado en los umbrales, como primeras pruebas, experimentos que apenas dejan entrever el genio posterior. Lejos de esto, se elige entonces obras como La Herencia o Sallinger. Correspondientes a los años tempranos del dramaturgo, entre 1970 y 1974, que no portan en sí mismas el peso de una obra maestra. Incluso, como sostiene Dubatti, pertenecen a un grupo de textos inéditos que circulaban como borradores y manuscritos entre amigos del autor, cuyo valor residiría más como documentos que como obra en sí, ya que presupondrían al teatro como una práctica subsidiaria a la literatura. Sin embargo, el grupo trabajó justamente a partir del carácter de borrador, basándose en aquello por lo que la crítica no toma a la obra como canónica, lo que abre el pensamiento a nuevas formas de puesta en escena y reescritura de los textos de Koltès. Esto es, la posibilidad de no representar un texto, ni de hacer un teatro para el texto, sino el uso del mismo como una materialidad concreta a manipular, por su potencia como manuscrito que escapa a su cristalización. Por lo tanto, encontramos un material que se presenta como “tradicional” y textual, pero que se torna una plataforma para lanzar múltiples preguntas sobre sus posibilidades poéticas y performativas, lo cual se actualiza en un híbrido escénico puesto en tensión permanente.ido escénico puesto en tensión permanente.)
• El nene no me come  + (Una obra que reflexiona acerca del arte como intervención en lo "real".)
• Urbe  + (Urbe fue pensada para ser realizada en cua … Urbe fue pensada para ser realizada en cualquier espacio, tanto exterior como interior, escénico o urbano. Para su realización, se coloca una cinta de luz Led que delimita de forma irregular aproximadamente unos 10 metros cuadrados (aunque pueden ser menos según el lugar), intentando llamar la atención sobre puntos determinados que el contexto ofrece. El objetivo de este recorte sobre el espacio cotidiano es la creación de un nuevo espacio: el escénico, donde se lleva a cabo la acción. El público se ubicará alrededor porque la obra no tiene un frente determinado. La obra puede realizarse tanto en teatros, halls de los mismos y en funciones compartidas. de los mismos y en funciones compartidas.)
• VEO VEO. la unidad de la cosa que permanece en el misterio  + (Veo Veo invita al espectador a reflexionar … Veo Veo invita al espectador a reflexionar sobre lo que se ve y lo que no se ve, y cómo es que se construye lo que se ve. Las imágenes como información o indicio de algo que no se termina de conocer. Qué nos dicen los sentidos a cerca de las cosas, cómo percibimos, y cómo las cualidades que percibimos de las cosas no nos terminan de definir a la cosa. La unidad de la cosa, que se podría definir por las relaciones que se establecen entre sus cualidades, queda siempre en el misterio. Un matrimonio con 40 años de casados, como dos fantasmas que aparecen y desaparecen a lo largo de toda la obra y que se hacen visibles sólo en el campo sonoro instalan una disociación entre lo que se escucha y lo que se ve, estableciendo distintas relaciones entre estos dos discursos paralelos que se cruzan y se bifurcan.sos paralelos que se cruzan y se bifurcan.)
• Práctica para ensanchar una línea  + (es un proceso de creación que se desarroll … es un proceso de creación que se desarrolla en tres instancias: Experiencia, Archivo y Escena. 1. Experiencia Un grupo de performers realizó un ejercicio de observación en el espacio público. Cada performer hizo un recorrido siguiendo un Procedimiento. El recorrido fue seguir la línea que se forma entre el encuentro del cordón y la calle, alrededor de la manzana donde se encuentra el lugar donde vive. Un zoom sobre un borde, ampliar un margen donde se acumula basura y muchas cosas más. Los registros se realizaron en 5 soportes: palabras, audios, fotos, videos y cosas/objetos encontrados que se consideraron valiosos. ¿Qué gestos emergen en este recorte territorial? 2. Archivo El archivo se presenta como el primer lugar de encuentro de los materiales, un espacio virtual que vuelve a la experiencia colectiva. Se compilan y editan los registros de cada uno de los recorridos en una web (textos, audios, fotos, videos y objetos) 3. Escena Práctica para ensanchar una línea, utiliza el recorrido como estímulo central de la acción performativa, y el espacio público como la herramientas de investigación. Devela las imaginaciones implicadas en la acción de observar y adultera esas imaginaciones en una escena. La escena vuelve a encontrar los materiales del archivo, esta vez haciendo foco en la performatividad que sus despliegues y manipulaciones requieren, un devenir donde cuerpos, sonido, texto e imágenes generan un ambiente específico, que se define por sus movimientos y constante hibridación, desafiando la lógica del adentro y el afuera. La instalación de los materiales del archivo en el espacio, son el comienzo de la escena. Una gran línea de bolsas transparentes colgadas sobre una pared, contienen los objetos encontrados. Una imagen proyectada del archivo web, una micro proyección que reproduce fotos. Una pila de procedimientos. Un dibujo de los recorridos. Cada performer reproduce el audio de su recorrido desde su celular, provocando una atmosfera sonora en constante movimiento. Todo un ambiente exterior, reconfigurado en este nuevo espacio interior. Tanto público como performers pueden desplazarse y recorrer el espacio como deseen.lazarse y recorrer el espacio como deseen.)
• Maria Delfina  + (un conmovedor homenaje a Delfina y Pancho Ramírez)
• Montaraz  + (‘Montaraz’ ofrece al espectador un estimul … ‘Montaraz’ ofrece al espectador un estimulante despliegue de las posibilidades de los cuerpos femeninos, así como el singular tratamiento de la violencia y los vínculos, evidenciando que la fuerza y la potencia no son atributos exclusivos de la masculinidad.n atributos exclusivos de la masculinidad.)
• El de la niña gallo  + (“El de la niña gallo” es la primer obra re … “El de la niña gallo” es la primer obra realista de la compañía y quizás, sea éste el punto de mayor motivación para el elenco; el de asumir el riesgo de enfrentarse a un proceso desconocido o poco transitado aún. Los temas abordados son simples y a la vez, universales: el amor; el vínculo de pareja; la imposibilidad de comunicarse; la profesionalización del arte; el tiempo que podría llegar a ser un elemento fantástico para la obra, presentándose de forma cíclica, viciosa, una fatalidad para los protagonistas. La obra transcurre en un espacio íntimo, la casa de Ana y Martín. Allí, se vislumbra el agotamiento de esta pareja, se los ve construirse y desarmarse como sus propias obras, en un tiempo que parece detenerse o pasar demasiado rápido. La obra apareció irrumpiendo en el proceso creativo de otra obra, como si ella hubiera decidido por sobre los creadores. Durante la primer etapa del proceso aparecieron varios textos, desde “Romeo y Julieta” de Shakespeare hasta “La Invención de Morel” de Bioy Casares. Sin embargo, al comenzar a “poner el cuerpo”, los temas, el tono de actuación y las improvisaciones derivaban en cuestiones más cotidianas, realistas y mucho más cercanas a los intérpretes. Debemos aclarar que el entrenamiento actoral de los actores, contemporáneo al proceso creativo, también influyó. Es decir, que ellos hayan estado entrenando sobre sus poéticas personales junto a Juan Pablo Thomas o Ricardo Bartís durante ese tiempo; despertó un tipo específico de búsqueda, limitó el campo de la investigación. Las improvisaciones requerían de mucha entrega de los actores; debían estar muy presentes en la escena y; podríamos decir que se comenzó a investigar un tipo de técnica que tiene que ver con esta búsqueda, “robada impunemente”; y lo decimos con gran admiración; a los ya mencionados maestros. La dramaturgia de la obra fue construida a través de lo que llamamos “dinámicas expresivas”. Podríamos decir entonces que “El de la niña gallo” no es más que la partitura de cada actor, sincronizada una con la otra, puesta en marcha al servicio de la actuación, de la acción. No hay grandes textos ni tampoco es la historia es ambiciosa; pero sí hay poética, estados, espacios intervenidos, tiempos extrañados.espacios intervenidos, tiempos extrañados.)
• Lo Discepolin  + (“Lo Discepolín” es un proyecto que nace de … “Lo Discepolín” es un proyecto que nace de la profunda admiración por el poeta de la angustia moderna, Enrique Santos Discépolo. Es nuestra intención homenajearlo con un recorrido por su intensa y veloz vida, llena de éxitos y fracasos que dieron lugar a su poesía.s y fracasos que dieron lugar a su poesía.)
• Superestática y Mr. Facciones Relajadas  + (“Superestática y Mr. Facciones Relajadas” … “Superestática y Mr. Facciones Relajadas” es una obra “descontracturada” que juega con lo absurdo; el humor radica desde un lugar abstracto. Este lugar carente de solemnidad motivó a sus creadores para mostrar la danza contemporánea en distintos ámbitos donde no frecuenta este tipo de lenguaje. donde no frecuenta este tipo de lenguaje.)
• Moribundos  + (“¿Qué creo que puede haber después de la m … “¿Qué creo que puede haber después de la muerte? ¿Cómo se ve un cuerpo en agonía? ¿Que observamos de un cuerpo atravesado por el miedo a morir?” El cuerpo atravesado por el miedo. En este proyecto nos proponemos investigar el miedo a la muerte y la desaparición del cuerpo físico. Trabajaremos sobre la fragilidad, el ahogo y el pánico acentuando y delineando distintas zonas del cuerpo de los intérpretes. Las obstrucciones en el cuerpo, el flujo de la energía y los movimientos externos serán tomados como elemento para la búsqueda de un cuerpo negado, un cuerpo furioso, un cuerpo temeroso y un cuerpo expectante. Una obra de Lucho Cejas Nos interesa desarrollar una mirada crítica sobre el miedo a la muerte, jerarquizando las sensaciones internas del cuerpo ausente y la desaparición del movimiento. Poner a prueba la idea del estado del cuerpo en el umbral entre lo presente y lo ausente. el umbral entre lo presente y lo ausente.)
• Mecha em tramas  + (“É um trabalho delicado, vou entendendo co … “É um trabalho delicado, vou entendendo como posso pedir a mecha, como me aproximo, e crio uma pequena relação, até que esta pessoa se convence em deixar sua mecha de cabelo por alguma afinidade”. O Telar de trama de cabelos disponível ao olhar do outro em um espaço expositivo é o objeto de mediação entre o artista e o público estabelecendo uma relação entre estes no momento que o outro se sinta a vontade de deixar uma mecha de seu próprio cabelo mesmo na ausência do próprio artista que criará depois uma relação que pode começar do virtual ou do presencial em diferentes intensidades e disponibilidade das partes envolvidas. A sugestão de possibilidade de trocas é o tema que abrange todo o objeto de composição.a que abrange todo o objeto de composição.)