Propiedad:Sinopsis
De Nodos
Esta es una propiedad de tipo Texto.
(
FLAMENCO + VIDEODANZA: diálogo entre el cuerpo, la imagen y la tecnología. +
A
El grupo Krapp convocó a 10 artistas (coreógrafos, directores de teatro y de cine) para que ensayen posibles representaciones escénicas de la muerte.
El grupo se apropió de esas imágenes, textos e ideas propuestas y las hizo convivir en una puesta en escena en torno a un conocido dilema: "ser o no ser". Intentaron ser fieles a estas ideas, aunque terminaron siendo fieles a sí mismos.
Una obra sobre la muerte escrita por varios autores, un pequeño catálogo de diferentes miradas sobre la muerte y sus modos de exposición.
Solo un intento más, de representar una y otra vez, la muerte en un escenario. +
A los Muchachos encierra una dedicatoria y un homenaje a todos aquellos soñadores y valientes muchachos, algunos de ellos artistas populares, que dejaron TODO para ir tras la huella del reconocimiento y del éxito. En todo viaje se repite una situación: la espera; y nadie mejor que el artista popular para reconocerla en toda su dimensión. Sobre el húmedo aserrín y la gastada alfombra de nuestro circo criollo, "EL NEGRO" y "EL RUSO" viajan, esperan... sueñan con la buena estrella +
ACCIDENTAL, pieza coreográfica basada en creación a tiempo real. Bosquejo de composición pensado en una estrategia performática para 2 ó 3 ó 4 intérpretes en escena. ¿Es todo insistencia? ¿Podemos ocupar la resistencia como potencia? Ponemos la experiencia física como desesperación enérgica en vibración constante. Cuerpos que forman trazos, tomando decisiones, produciendo encuentros para reconciliar a otro cuerpo y generar un consenso. Pensar que somos imprescindibles, conectar nuestras intensidades, y amoldarnos para generar una estructura firme, ¿tenemos posibilidad de abandono? Solo hay esperanzas y energías que reciclan fuerzas de aliento y de grito para poder insuflar vida. Si nos distanciamos, hay un cuerpo que muere.
Accidental, es una voluntad de resistencia. Es todo insistencia y ahora. Es una proeza de cuerpos. Accidental, es un ritual, una multiplicidad de fuerzas con furia. La Obra presenta una historia que se desarrolla a través de una incidencia, una tragedia que ocurrió fuera de lo acostumbrado, establecido o previsto. El gran disparador fue una situación real que quedó en el archivo de la memoria, un accidente. Los cuerpos producen un encuentro para restablecer, para reconciliar a otro cuerpo, uno que no está en escena.
¿Cómo nos reactualizamos individual y colectivamente para sobrevivir? ¿Qué pasiones nos comprometen? ¿Qué situaciones nos hacen vibrar más? ¿Cómo pierde la forma un cuerpo cuando está acontecido y agitado? ¿Cómo se conjugan las pieles? ¿Qué desequilibrios existen al separarnos? ¿Cambian nuestras fuerzas según los encuentros? ¿Cuáles son nuestros acuerdos y desacuerdos? ¿Cuáles son nuestras estructuras, figuras, hechuras? ¿Que hay en nuestras mínimas distancias? ¿Quién de nosotros sostiene más? ¿De qué forma nos encontramos? +
Ser parte de un movimiento – no provocarlo o conducirlo – es como hacer la ola en la cancha: una arenga colectiva que sacude temores, amarguras o prejuicios. Nos electrifica y funde en un tiempo compartido. +
La escalera mecánica se toma como una alegoría del automatismo de la sociedad que yendo en la misma dirección, sin preguntarse, hace lo mismo cada vez. Cada “díahoraminutosegundo”. Y va, sin saber que el recorrido fue dibujado por otro, planificado por otro.
La performance se basa en ir en contra del final, de la llegada, para no terminar. En sentido contrario a la dirección inevitable a la cual los escalones nos llevan si nos detenemos. Contraponerse a ser movido en quietud, a la unidireccionalidad, al recorrido conocido de duración idéntica para toda persona que lo inicia.
Un lenguaje físico que connota lo automático en nosotros, y como lo automático, nos refleja determinados, limitados, desconocidos, como una pieza más del engranaje.
Remarcar el desmantelamiento del cuerpo.
Un cuerpo objetivado, un objeto corporizado
La repetición, la rutina, que no se detiene, no repara, no se modifica.
Continúa continuamente, como las horas…persecución infinita
Ir en contra del final. +
Esta propuesta se tomó a pecho una de las preguntas del Festival [[Danzafuera]]: cómo habitar desde la danza los espacios cotidianos de la ciudad de La Plata y se convirtió en un laboratorio de exploración sobre el propio material bailado para la acción. Tomando el trabajo de observar cada paso, darlo vuelta y hacerlo estallar en unidades mínimas que puedan emerger en cualquier momento y espacio disponible. Bailar incómodas, bailar cayendo, bailar pegados o que nos peguen un baile son algunos de los escenarios que imaginamos para estos días de intervención en el más común de los lugares: el colectivo.
Tomarse un bondi es siempre un viaje. Es aprender a compartir una trayectoria con un grupo de personas que no elegimos, nos tocan (en múltiples sentidos). Una vez arriba podemos ser público cautivo de discusiones, parte de la previa de los adolescentes, miembros de un pogo involuntario, testigos silenciosos de conversaciones privadas o protagonistas absolutos cada uno en su película. Pero siempre ponemos el cuerpo de una forma u otra. Sobre esta experiencia es que la danza puede provocar una interferencia y fantasear con otras modos posibles de habitar juntos. +
Venimos cargando frutos de herencias no revisadas y lo que se vive es un escenario caótico de vínculos llenos de incomprensión e incertidumbre. Dificultad en conectar, deseo de conectar y torpeza en el intento.
No sabemos si seremos amados o aceptados siendo “otra cosa” no sabemos siquiera por dónde comenzar a ser auténticos.
Vaciar, revisar, refinar, adaptar, interrogarse, soltar. Elegir. He aquí una travesía.
Amame! +
En el siglo XVII Sir Thomas Browne observó que no hay animal sin abajo, arriba, adelante, atrás, izquierda y derecha y negó que pudiera existir la anfisbena, en la que ambas extremidades son anteriores. Duplicidad eficaz, sus cabezas pueden realizar más de una tarea a la vez: mientras una lloraba la otra reía, mientras una callaba la otra hablaba, mientras una estaba de pie la otra dormía. La una en su lugar y la otra en la cola, como si una no le bastara para descargar su veneno.
En griego quiere decir la que va en dos direcciones. Se dice que si la cortan en dos pedazos estos se juntan. +
Olivia habla al pie de un paisaje con muertos. Bruno pasea y se tropieza con algunos muertos, a los que finalmente hunde. +
Con más cable pelado, fuego y pobreza disfrazada de riesgo que nunca (es decir, más que en el 2016). El objetivo del nuevo montaje es investigar la vinculación entre espacio y puesta en escena, abordando el texto a partir de las obstrucciones, condiciones e ideas que los espacios imponen y aportan. +
Un lugar desde donde el cuerpo que oculta la luz aparece contenido por un anillo iluminado proveniente de la misma luz que obstruye. Ella situada en la antumbra experimenta el eclipse anular, pero si se acerca a la fuente de luz el tamaño aparente del cuerpo de oclusión crecerá hasta que genere una sombra total, umbra.
Antumbra es la relación de la luz con los cuerpos y del estado de aquellos con el contexto. Es sombra. Es un lugar donde ellas se encuentran, se ocultan, viven, aman y mueren.
El universo de movimiento parte de un constante desequilibrio y descontrol. Lo que les sucede, las excede. El dispositivo lumínico resalta los cuerpos y sus recorridos en el espacio, por un lado, y por el otro, integra al espectador a este mundo siniestro.
Esta obra recibió el apoyo de OI HOY, Casa abierta
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El tema está inspirado en un conocido pasaje de las Metamorfosis de Ovidio (10.4). Apolo, el dios de las Artes y Céfiro, el viento de poniente, están enamorados del bello muchacho Jacinto, hijo de Oebal, rey de Lacedemonia (Esparta). Jacinto prefiere a Apolo, y Céfiro, celoso, desvía con su soplo el disco lanzado por Apolo, haciendo que hiera en la frente a Jacinto y le cause la muerte. El dios, profundamente afligido por la pérdida de su amado lo transforma en la flor que todavía llamamos Jacinto. La obra fue compuesta por Wolfgang Amadeus Mozart. +
A través del lenguaje lúdico y comprometido de Julio Cortázar, Así habló el que te dije propone un circuito de instalaciones, ahondando en tres momentos de la historia argentina. Casa Tomada (1947), anclada en el surgimiento del peronismo; Graffiti (1981) una historia de amor en plena dictadura militar; y “La Realidad y Lostein of masturbeiton”, a partir de extractos de Libro de Manuel (1973), que expresan la sociedad mediatizada actual y las barreras sociales del individuo posmoderno. La propuesta del circuito y el concepto de instalación teatral, es una apuesta a un público activo, que recorre las escenas y es interpelado por las diferentes imágenes oníricas que componen cada instalación. +
Un hombre multiplicado por el tiempo, por el camino, por las historias.
Todos los actores son y están en él.
Mojones de un viaje de vida, que en cada función, que en cada mirada, llevará a todos por un camino diferente.
El ritual del teatro, el ritual del folklore, el ritual de la vida.
¡Taba! +
B
En un espacio desértico una mujer porta su cuerpo, sus imágenes-palabras, su vestido. En un espacio desértico un vestido porta el cuerpo de una mujer, sus imágenes-palabras, su vestido. Las piedras se acumulan y el sol transita iluminando un sueño que revoluciona el dormir. +
Ella es una pastora que cree que ha perdido el cariño de su amigo por lo que recurre al gran mago Colas. Este le aconseja a Bastiana que actúe con frialdad hacia Bastián, que finja amar a otro, y así él volverá corriendo. Bastián queda asombrado y pide la ayuda del mago. Finalmente, los dos deciden que han llegado demasiado lejos y se muestran conformes en reconciliarse. A través de las travesuras de Colas, ellos solos entienden el amor y la amistad, ambos sentimientos sustentados en el respeto. La obra fue compuesta por Wolfgang Amadeus Mozart. +
El espectáculo se basa en improvisar una entrevista -abierta a preguntas del público- donde el eterno hacedor de laberintos literarios responde con anécdotas personales, citas a sus textos favoritos y opiniones sobre cualquier tema que se aborde. Además, según palabras que sugiera el público a modo de títulos, el Maestro recitará poemas al mejor estilo borgesiano (improvisados por el intérprete) que se presentarán como el producto inédito de los años en que el poeta estuvo ausente de la vida pública, los cuales dedicó a componer poesías tan infinitas como infinitas son las combinaciones de palabras del idioma Castellano. +
C
CARNADA es una declaración textil.
Una travesía desde el Río de la Plata hasta el Mar Egeo. Un rejunte de redes que traen en sus coordenadas la fantasía, el paisaje.
La ilusión de nadar en todas las aguas para llegar al origen. +
A la medianoche sin piedad, arrancamos.
Quizás escuches la música del mar y hasta quieras bailar... +
Dos mujeres jóvenes, acuden a un encuentro en un bar. Nadie acude a las citas. Ambas llegan, esperan y parten en silencio infinita cantidad de veces hasta que el espacio comienza a transformarse lentamente en otro: el espacio de su imaginario, sus recuerdos, su memoria. Recuerdos y memoria: ¿Qué espacio ocupan en nuestro cuerpo? ¿De qué estamos hechos? ¿Qué zonas de nuestra memoria decidimos visitar? ¿Qué material sensible nos habita? ¿De cuántas maneras podemos nombrarnos? ¿Cómo nombramos lo que fuimos? ¿Por qué las cosas se repiten? +
Cuatro jumanjis están en una fahrenheit re marcianes hasta que una lali propone una macayada: hacer una Carcassonne. ¿Vos te ecualizarías? +
Un hombre, mezcla de espectro y capanga, reconstruye aquel pasado mítico de los mensú, quienes eran enganchados, engañados y explotados en los yerbales del Alto Paraná. Carmen recorre el yerbal cargando un raído su espalda (bolsón de 100kg. en el que se acumula las hojas de yerba mate). Bajo el abrazante calor del monte, su cuerpo se funde, su piel se reseca, sus huesos se pasman1. Paso a paso, tropiezo tras tropiezo, caída tras caída, a lo largo de su caminar en el yerbal se transforma en una sufriente bestia de carga. Zunilda y Pulga comentan sobre lo sucedido a Carmen. Las habladurías dicen que ella recorre los yerbales convertida en buey. Sus historias, y las de tantos otros tareferos transcurren en medio de estos relatos en una polifonía al compás de los gritos sapucais y la cruda melodía de un acordeón que repercuten en la amplitud del monte. +
Una historia, dos almas de universos opuestos y ávidas de un amor que los salve. Anclada en los años cuarenta, época en que el tango representa el pensamiento dominante; y una cruda realidad: su vigencia. +
El fracaso del Proyecto Paraná Las Palmas da lugar a una investigación por parte de la Organización que financia el experimento. Intentando encontrar explicaciones, surgen una serie de historias y personajes que diluyen los límites entre la realidad, los proyectos y los sueños. Células subterráneas, mensajes cifrados, parejas en crisis, tractores antiguos, lugares y personas que ya no son lo que esperamos.
“¿Cuántas veces vieron a una persona esperando en la vía de enfrente desdibujada por la velocidad? ¿En dónde está? ¿Quién era? ¿Qué está intentando decirnos desde el otro lado? ¿Cuánto tiempo nos queda su imagen en la mente intentando dar una respuesta?” +
Espectáculo de humor absurdo donde la magia y la música son las armas de estos dos personajes tan opuestos. El desparpajo de un payaso y la elegancia de un mago se mezclarán erradicando la lógica y la razón del escenario.
Risas garantizadas, sorpresas aseguradas. +
Cod.Esto es una performance transdisciplinar en donde se dialoga sobre la relación del cuerpo butoh con los sonidos, el espacio a intervenir y su reverberancia sobre quienes se encuentren espectando.
Creación junto a Juan Andrés Gómez Orozco. +
Es un unipersonal que nos habla del amor, el enamoramiento, la pasión y sus límites.
Una noche calurosa, Carmen en Coronda… La pelopincho y el vermú le despertaron el apetito… Ya nada iba a ser igual… El Cdor. Vicente Ramella, apodado Monterito, tiene una vida opaca y rutinaria. Una serie de circunstancias, lo lleva a vivir un romance apasionado con la empleada de su casa, que lo hará transitar por lo más sublime y lo más degradante que le pueda suceder a un hombre enamorado. Como en un tango sentimental, queda atrapado por una pasión desmesurada de la que no podrá desprenderse jamás. +
“Un palacio de sangre. El sabor de la nostalgia. La tierra, la tierra, la tierra.
La tierra con el agua, la tierra con el viento, la tierra con los muertos. La culpa te deja sola,
sola con tu propio miedo”. +
Hay en el escenario evocación y memoria rota.Tacos, corridas, valijas, tres mujeres. La llegada del tren, ecos de centáurides y un violín. Surrealismo contemporáneo. +
Es otro día normal en la Oficina de Trámites complejos. Gustavo afina su guitarra, Sampaoli organiza el mate, Móni lee la revista, Torito le sirve el desayuno a sus mascotas y Olga estrena pantuflas. Pero a la inesperada visita de Pedraza, el jefe, se le suma la noticia que a partir de mañana, empezará a trabajar un nuevo compañero, enviado especialmente por el viejo Pellejero, el Director general. La sorpresa y el pánico se apoderan de ellos. Está claro que a partir de mañana, la Oficina de Trámites complejos, no será la misma. +
“Siente que las paredes comienzan a engrosarse, el cuarto la aplasta, los dibujos de las paredes giran en el lugar formando varios molinetes y Alicia espera, tranquila, impávida.
Sólo un movimiento, perfecto, único y rítmico es el que la mantiene viva quizás, su mano. Ese dedo que suspendido no deja de moverse, afirma, niega, sonríe, circula, dibuja.
Su mente inquieta no deja de perseguirla ¿Qué deseas? ¿A quién recuerdas? ¿Cómo lo necesitas? ¿Cuándo lo quieres? ¿Por qué lo quieres? Mejor esperar, esperar soñando.”
Cuatro personajes unidos por un sueño, un recuerdo, intentando salir de él. �Intentando� librarse del estado que es la primavera. +
Cuerpo urbano es una intervención performática que se despliega a través del cuerpo butoh y su afectación con diferentes transauntes que se encuentran en las calles de la ciudad de
La Plata.
Creación junto a Fernanda Guaglianone y Guillermina Mongan. +
La memoria ocurre en lo evidente y en lo oculto. En LA RAÍZ, en LA TIERRA, en lo que nutre, y también en lo desconocido y olvidado, en el misterio que puede ser revelado mágicamente en cualquier instante.
SOMOS UN CÍRCULO dentro de un círculo, donde la memoria funciona en espiral. Movimiento, sentidos, emociones e historia son los ingredientes que alimentan la VIBRACIÓN COLECTIVA. Dejarse atravesar por la humedad del estar vibrando y entre tanta RESISTENCIA, el AMOR que empuja, que amontona CUERPOS e INTENSIDADES.
"En una boca está todo lo que puedo ser, en mi nombre está todo lo que somos." +
La obra es la historia de un interno psiquiátrico que representa en su celda, todos los días, el poema El cuervo de Edgar Allan Poe para contar su propia vida. En el transcurso de la obra, descubriremos los lugares más oscuros que oculta nuestro personaje. +
Céfiro 15.15 es una performance en la que se cruzan diferentes lenguajes artísticos en una estructura abierta delineada por algunas pautas generales.
Las imágenes que nutren esta performance tienen que ver con esas cuestiones que aparecen de modo efímero pero recurrente, ciertos climas que el recuerdo difuso activa. Las presencias y ausencias, la fugacidad y la reiteración, son algunas de las ideas que configuran el material sonoro y visual de la obra/instalación. Desde el lenguaje de movimiento no se estipuló una "coreografía" sino que se trabajó en base a una propuesta de composición en tiempo real, a partir de materiales de movimiento con los que se experimentó e improvisó durante el proceso de creación. En esta parte del proceso creativo se sumó el VJ Edgardo Rolleri, quien propuso algunas ideas de intervención multimedial que también son operadas en tiempo real durante la performance. +
En un lugar imaginado, tres piratas se sumergen hacia una aventura única, buscando un cambio repentino para sus vidas. Tormentas, naufragios y diversas peleas son algunas de las hazañas que enfrentarán en el peligroso camino hacia el tesoro. "Código Pirata" invita a los espectadores a formar parte de un verdadero código lleno de magia, acción y diversión. +
D
Dalias de dormida luna juega desde la poesía con los recuerdos y los personajes del pasado que se alojan en el cuerpo de la actriz Margarita Xirgú, junto con la fragilidad del exilio y la carga dramática de la obra lorquiana en la promesa de un reencuentro que tarda en llegar. +
Basada en un caso real, el de una niña de la tribu aché criada por los mismos colonos que habían asesinado a su familia. Luego, llevada a la casa de la madre de Alejandro Korn como muchacha para la limpieza. Mucama, sirvienta, esclava. Lo único que tenía para sí era su cuerpo y tres palabras de su antiguo idioma: caibú, aputiné, apallú. Por su comportamiento fue confinada en un hospital psiquiátrico, donde fue fotografiada desnuda por Robert Lehmann- Nietsche, antropólogo y profesor de anatomía artística del Museo de La Plata. Muere a los 14 años. Tiempo antes, su cabeza ya estaba destinada a ser estudiada en Alemania. Su cuerpo fue descarnado en el mismo museo, donde su esqueleto permaneció en un depósito hasta que antropólogos de GUIAS la descubre. Damiana hoy descansa en su tierra, donde fue llamada Kryygi. +
Ideas-fuerza:• Cuerpo/máquina• Cuerpo vivo/cuerpo muerto• Frankenstein de Mary Shelley, zombie de cualquier película clase B , Olimpia (la del Hombre de arena, cuento de Hoffman) intentando cobrar vida.• El pasado romántico y sus ideales en relación a la delicadeza femenina, traspuesto a la actualidad.• La muñeca, la marioneta, ¿viva o muerta?La performance se plantea como un recorrido, avanzando entre el público lentamente.Se utiliza una cajita de música que acciona la intérprete, ese es el diseño del plano sonoro.Se interactúa con lo emergente, incalculado, que surge desde el público y el espacio y su arquitectura, afectando a la intérprete. +
Banfield-México era un sueño. Un viaje que comenzó en 1992 y que intentaba recorrer toda América. Banfield-México es una obra que cuenta historias reales y anécdotas de ese viaje con títeres, viaje que duró 12 años. En 2004 se concretó aquello que había sido una frase alocada, un capricho.
[[Archivo:Bobi y Sergio.jpg|thumb|El es un tipo triste y yo un tipo divertido entre los dos hacemos una nostalgia que causa gracia. Bobi]]
[[Archivo:Virginia y Sergio.jpg|thumb|Mirá cómo me escuendo. Virginia]]
[[Archivo:Beto y Sergio.jpg|thumb|Salú. Beto]]
El espectáculo consta de 6 momentos en los que el Titiritero y sus muñecos conversan con la gente, también el Titiritero comparte con los espectadores un espacio de preguntas para que los presentes puedan acercarse a esa experiencia que lo devolvió artista. Caminante y artífice de su propio sueño.
1-De Banfield a México – El Titiritero
2-Vos sabés lo que te falta – Bobi
3-El viaje – El Titiritero
4-¿Estoy? No estoy – Virginia
5-¿Vos, de qué signo sos? – Beto
6- La Vida es Maravillosa – El Titiritero +
El proyecto busca develar la construcción de un personaje para evidenciar su complejidad. Se pregunta sobre la construcción de un ser dramático y a su vez la imposibilidad de poder quedarse él mismo encerrado en esa construcción. Las emociones, los miedos, la vitalidad, las fortalezas, la tristeza, el enojo, el placer se pone en juego a través de este personaje que convive con sí mismo y su propio mundo.
[[Archivo:De eso se trata 2.jpg|thumb]]
[[Archivo:De eso se trata 1.jpg|thumb]]
[[Archivo:De eso se trata 3.jpg|thumb]] +
“DE-CAPITA” es una performance inspirada en formas de resistencia y fabulación, desde las actividades cotidianas de nuestra sociedad para crear en un acto poético, que invita a un grupo de artistas o más, hombres y mujeres, a que se suspendan del techo por sus pies por un tiempo de una hora aproximadamente. Estarán vestidos con una falda de tela de gasa larga y blanca que se descuelga desde sus vientres hasta arrastrarse en el piso, cubriendo la parte superior del cuerpo que lo que re-crea un bosque de carne.
La acción está atravesada por un acontecimiento político que tiene que ver con las marcas que la violencia ha dejado en todos los cuerpos, tanto la exclusión sexual, racial, religiosa, pero también una posibilidad de a través del arte, lograr el cambio, buscar otros puntos de mira, de fuga, de incorporar la complejidad artística desde narrativas diferentes. Por ello, los artistas que se colgarán del techo serán anónimos, sus caras estarán tapadas y sólo se verán sus extremos inferiores, tratando de crear en el anonimato, una manifestación de la necesidad de reconocernos como seres humanos, a pesar de la diversidad.
Los performistas que estarán suspendidos trabajarán de acuerdo a sus propias posibilidades, recreando una comunidad, pero a su vez buscando en este desprendimiento, percibir las diferencias en los cuerpos, el manejo de la postura corporal, la incomodidad y la resistencia. Cuando el artista ya no pueda mantenerse por más tiempo, un grupo de auxiliares (vestidos con overoles de tela cruda), lo ayudarán a bajar y se quedará en el piso, mientras los otros siguen suspendidos. Cuando todos hayan bajado, entonces se dará por terminada la performance. +
Suponiendo la existencia de un espacio interno tangible donde habitan nuestras ideas y sensaciones más íntimas.
Un pozo dentro de uno.
¿Cómo lo representamos en escena? ¿Ese lugar existe? +
Para esta intervención las performers se posan activamente frente a un dispositivo de comunicación experimental. No hay espacio dentro de él pero si barreras y límites. Quienes observan, encuentran cuerpos condicionados por el acto de la comunicación, y a la vez geometría oblicua, sinérgica y compleja en movimiento. Como una máquina propulsada a sangre y a intelecto reactivo e inconsciente, la sensación grupal de quienes la mueven dan cuerpo simultáneo a la obra. +
La Casa Curutchet vive fuera del tiempo, tiene un centro, pero no tiene fin; incontables veces la recorrimos perdiéndonos en ella, sin poder recordar exactamente que hicimos allí. La Casa Curutchet, es intocable, su claridad pura inunda todos los espacios y observamos como alucinadas que la casa flota vacía y aún con vida, como un fantasma, en la ciudad.
Necesitamos tener los pies en la tierra. El Sótano de La Casa Curutchet es feo, oscuro, oculto y funciona como depósito de artículos de limpieza. El Sótano de La Casa Curutchet, no es La Casa Curutchet, es su revés; se puede tocar, es nuestro laboratorio y ahí comprendimos lo que ya sabemos: lo que podemos imaginar siempre existe en otra escala, en otro en otro tiempo, en una fotografía, en un sueño, o todo junto en un pequeño Aleph. +
Abusando de la inespecificidad de la danza contemporánea actual y su tránsito por una atmósfera confusa y borrosa, en la que el punto de partida para crear deja de ser la técnica y pasa a ser un gran campo de heterogeneidades, en el que las obras surgen de zonas de indecibilidad compuestas por nebulosas y vapores, una ex-bailarina frustrada cumplirá al fin su sueño de bailar un solo en escena. +
¿Existe una danza en la palabra escrita? ¿Cómo se traduce la potencialidad de la palabra escrita a un cuerpo? ¿Se puede bailar una revista? Aprovechando la oportunidad de la presentación performática del Nº 1 de la revista “El ojo y la navaja” una bailarina frustrada concretará finalmente el sueño de bailar. +
Diez Minutos Después es la historia de un personaje que hace, teatralmente, todo aquello que no se debe hacer. Todo esto debido a circunstancias excepcionales. Debido a ello se pone de manifiesto la teatralidad, la metateatralidad y todo aquello que hace, desde lo periférico, al teatro. Este personaje irá resolviendo los conflictos que se presentan y hará avanzar la historia de la manera que pueda, y como pueda. +
Dorothy es una adolescente desobediente con mucho carácter que en un día como cualquier otro es llevada por un tornado junto a su perro Toto a la grandiosa tierra de Oz. Allí descubrirá personajes muy peculiares como los pequeños Munchkins y las despistadas Brujas Hermanas y sin quererlo se embarcará en un viaje para pedirle al Maravilloso Mago de Oz que la ayude a regresar a su hogar, pero no será tan sencillo porque se encontrará con la Bruja Mala del Este y Oeste. En el camino de ladrillos amarillos Dorothy y Toto conocerán amigos inolvidables como la Espantapájaros, el León y el Hombre de Hojalata que también necesitan la ayuda del Gran Mago, pero al final del recorrido descubrirán que todo lo que querían siempre lo llevaron dentro de ellos. Tambien conocerán a la Bruja Mala del Este y el Oeste que complicará este recorrido pero serán todos ayudados por las Brujas Buenas “de quien sabe donde…”. +
La historia se desarrolla a partir de la desaparición de Ana, quien atraviesa el umbral de lo conocido, para sumergirse en un mundo de fantasía. En este nuevo escenario onírico, y a medida que avance en el camino, irá construyendo su identidad y así, buscando el regreso a casa. Aniceto, su padre, oscilará entre el mundo mágico y el real, buscando a Ana, física y emocionalmente.
Durante el recorrido, aparecerán personajes que representan el silencio, el olvido, el miedo, el poder, el paso del tiempo; quienes intentarán interpelar, persuadir, y obstaculizar a Ana y a Aniceto en el camino hacia su reencuentro. +
E
EL ÉXITO surge como continuación de [[EL FRACASO, una obra de teatro acerca de una obra de teatro que nunca se pudo estrenar]], producción del TACEC Teatro Argentino de La Plata. El trabajo se centró en continuar con el tratamiento singular de algunos temas planteados en la obra anterior: qué es el éxito, qué es el fracaso, qué relación hay entre la actividad teatral y esos tópicos. EL ÉXITO partió de una profunda investigación de la poética de Federico García Lorca y su reflexión onda acerca del amor, lo masculino, lo femenino; las frustraciones y fracasos de las relaciones humanas. La obra se realizó en dos salas teatrales. El primer actor transcurrió en el [[Centro Cultural de los Balcones]], allí se hizo un abordaje del espacio real como disparador de formas escénicas y lenguajes de actuación; tomando la "La casa de Bernarda Alba" como material rector. El segundo acto se desarrolló en el [[Espacio 44]] tomando las luces, el sonido y la espectacularidad como regidor de la escena. En este acto se pudo ver una suerte de casting -ficcionalizado- de las actrices para participar en una obra de Lorca. El entreacto se realizó caminando las tres cuadras que separan un teatro del otro, allí la no-ficción marcó las reglas, el público recorrió esas cuadras junto a las actrices, dejando que lo real intervenga en la obra. +
''Efímero Festín'' trata sobre el medio ambiente y su destrucción en el tiempo. Apela a la sensibilidad y a la concientización del riesgo de la decadencia del entorno. Nos habla de una cuenta regresiva en la arrolladora inmensidad de un continente desierto, inhóspito. El recurso es apostar al impacto visual de lo blanco, en contraste con otros tonos: negros, blancos y marrones. ¿Fatalista, sangriento? Con un gran apoyo en lo sonoro, la conjunción de toda la puesta nos invita a pensar la especie humana desde lo solitario a partir un evocador personaje de rostro blanco atrapado: en la agonía de la soledad, en la cuasi ausencia de lo humano.
Este video-danza se encuentra enmarcado en el programa de cultura de la Dirección Nacional de la Antártida (DNA), dirigido por Andrea Juan, que promueve el desarrollo de proyectos artísticos en la Antártida a realizarse entre noviembre y marzo de cada año, con la posterior exhibición de los trabajos en diversas instancias. +
"Cerrar los ojos como si fuera un atajo, lo que buscamos no existe, viviendolo lo creamos"
"El huevo mestizo, chiquito pero con mucha proteína" +
“El Dojo” es un espectáculo de improvisación teatral de estilo Long Form. Es decir, la obra es construida por sus actores en el momento del convivio teatral. Los elementos preestablecidos para construir la trama son el espacio y el tiempo. La historia siempre transcurrirá en una casa cuyas paredes translucidas nos muestran distintas escenas simultáneas en sus habitaciones. Los personajes recorren este espacio, se vinculan, lo intervienen, permanecen, ingresan y lo abandonan. El espectador es el “Gran Hermano” de este hogar; es el observador omnisciente que; en la medida que transcurre el tiempo, conoce a los personajes; tiene “la supuesta verdad” de todo lo que sucede. Este hecho se convierte en un desafío para los actores, jugar con esa verdad; con lo que se deja ver y lo que se esconde. Los intérpretes tienen cincuenta minutos para construir la obra; presentar una plataforma, desarrollarla y resolverla; para ésto es necesaria una completa escucha de lo que está sucediendo y también una actitud oportuna que colabore con la trama. Es decir, es necesario que el actor sea sensible a lo que la historia necesite; por momentos será sostener, permanecer, construir desde lo pictórico y en otros casos, será útil proponer un conflicto, resolverlo e incluso, generar caos.
Estas características del formato lo convierten absolutamente atractivo y desafiante para sus actores; los cuales son dramaturgos, directores e intérpretes en el momento mismo de mostrar la obra. +
Confundir, diversificar, entrelazar, desdibujar y entremezclar los límites entra varón y mujer; humano, animal, vegetal y mineral; rostro y cuerpo; global y latinoamericano, arcaico y contemporáneo; inmanencia y trascendencia; danza profesional y no profesional. Desde una propuesta metafórico corporal y de una puesta en escena que integra una investigación en el campo de las artes visuales. +
Luego de un tornado, Dorothy y su perro Toto caen en un mundo de fantasía. En él, conocerán a el Hombre de Hojalata, y al Espantapájaros, y juntos vivirán muchas aventuras. +
Una sanción. Cuatro estudiantes sin teléfono celular. Una hora para escribir las disculpas por sus errores. ¿Quién responde a sus preguntas? ¿Quién atiende a sus reclamos? ¿Quién está del otro lado? +
Un psicoanalista que dice estar estudiando la psiquis de los personajes literarios, después de atender al último paciente del día, decide quedarse a dormir en el su consultorio. Al rato de quedarse dormido, escucha que golpean la puerta, y piensa que es su secretaria que se había olvidado algo, pero se lleva la gran sorpresa cuando se le presenta el mismo Martín Fierro en persona, pidiéndole si lo podía atender. De ahí en más, se desarrolla una serie de divertidos enredos entre los dos personajes. +
“El Pululador” es un espectáculo unipersonal de improvisación teatral dirigido por Jorge Pinarello e interpretado por René Mantiñán. La obra es construida por el actor a partir de un único estímulo sonoro que es una pieza musical, la cual se reproducirá azarosamente y musicalizará la primer escena improvisada. Allí, a través de un gran despliegue corporal del intérprete y el acompañamiento continuo de los efectos multimedia; se establecen las bases de tres historias. La obra presenta una estructura dividida en cinco partes; una primera instancia de juego físico-asociativo del actor y un planteo general de la trama; luego se construyen tres conflictos diferentes y finalmente; el espectador observará como se entraman las historias para fundirse en una sola obra. Más allá de los recursos narrativos; como los flashbacks y la utilización una tercera persona omnisciente, que encarna el actor como un narrador que describe poéticamente la escena que están viendo los espectadores; lo que implica una gran disociación y virtuosismo del intérprete; sumado al continuo acompañamiento en vivo de los recursos tecnológicos que potencian y enriquecen la escena; cabe destacar que “El Pululador” es un espectáculo teatral con los códigos propios de este lenguaje, donde los climas y los estados mantienen en permanente tensión al espectador; lo modifican y lo transforman. El diseño multimedia fue creado “a medida” por otro miembro de la compañía “Vuelve en julio”, Mauro Menegat quien trabajó teniendo en cuenta las necesidades estéticas y narrativas del espectáculo. +
"Con vacilación, con impericia se buscaron con las manos y se estrecharon en un abrazo atolondrado y tenso, y se quedaron así durante largo rato, como si el menor movimiento, pudiera permitir la fuga de esa cosa extraña y terrible que aferraban con ese abrazo".
("Stoner" de John Williams) +
Obra de danza, teatro e ilustración digital en vivo.
Un inspirada en la literatura infantil de la referente literaria brasileña Clarice Lispector.
Clarice cometió un error y quisiera ser perdonada.
Srta Wiki no se equivoca.
Clarice es contradictoria y se dispersa con facilidad.
Srta Wiki es contundente.
Clarice es franca y expresiva.
Srta Wiki es rotunda.
Una es inquieta y la otra firme.
Pero Srta Wiki y Clarice son la misma mujer…
¿Quién no se sintió así alguna vez?
Esta es la historia de un secreto.
O de la confesión de un secreto.
O de una mujer alborotada que adora a los animales.
O quizás, simplemente, es la historia de Clarice. +
Actualmente el sol se encuentra en una especie de letargo o de receso sin sus manchas características. El sol quieto.
Este proceso generará cambios insólitos en la tierra. +
Tartufo: (Sinónimo popular HIPOCRECSIA : Vicio que consiste en la afectación de una virtud, cualidad o sentimiento que no tiene uno) Decía Moliere defendiendo su obra: ”Corregir a los hombres divirtiéndolo…y entre todos los vicios la hipocresía es sin duda una de los que mas se usa de los mas molestos y peligrosos. De eso se trata esta obra, comedia escrita en el ¿1600…? Pero mas actual imposible…Es la historia conocida de un falso beato que engaña a una familia para apoderarse de sus bienes a cualquier costo, enamorándose de la mujer de su ingenuo amigo Orgon o mas bien tan vivo como el, tratando de entrar a la familia casándose con la hija del dueño de casa pero el amor mas fuerte vence al hipocresía y por un momento parece que todo va estar en su lugar cuando este vicio resurge y…. todo queda bien y no pasa nada… +
La obra “El Vestido” trata sobre la violencia no explícita, la que en forma velada interviene en todo vínculo, y es antecedente de la forma específica de género.
Los recursos expresivos aluden al lenguaje onírico del inconsciente para situarse dentro del plano del mundo emocional que nos habita. Cada elemento incluido es vehículo de un contenido simbólico que pretende resonar en el espectador para que tome contacto con lo que no se ve y no se dice, pero sí se siente. +
Imaginen recorrer las profundidades del mar, la inmensidad del universo, los misterios de la selva, o descubrir lo que se esconde en el interior de una simple caja de cartón.
El viaje de la medusa nos propone ser parte de esta expedición, guiada por un grupo de cuatro actores curiosos que nos recuerdan que para jugar solo necesitamos de nosotros mismos.
Esta obra de teatro es un viaje al mundo de la imaginación, que a veces solo esta despierta en nuestro sueños. !Marineros a bordo!! Infinitas maravillas nos esperan! +
Villa turística "Las Salinas". Tres hermanos se refugian en el viejo y abandonado Hotel Pampa. Antes de que los atrape el agua buscarán la salida:volar hacia la ciudad del futuro. Sin embargo, una nueva crecida deja sumergido aquel remoto pueblo.
El encierro, la lluvia que no para y las múltiples lecturas de un mismo acontecimiento vuelven insostenible el contexto e incomprensible su naturaleza amenazante. +
Encerrada en un círculo fractal, una pareja se condena a repetir una rutina que llevará a Ana y Martín a enfrentarse con lo peor de sí mismos. Ahogados por el aburrimiento luchan por sostener lo insostenible convirtiendo al espectador en un testigo morboso de una realidad que podría ser la suya. +
La obra narra la historia de un hombre que un día se despierta en su cama con una mujer desconocida a su lado. No se acuerda de nada. No sabe quién es ni de dónde viene. El hombre y la mujer, los dos únicos protagonistas de la obra, se dan cita para las siguientes nueve noches. Al mismo tiempo, ambos se alejan cada vez más de la realidad. Se enredan en un tejido de promesas mutuas, repasan sus recuerdos de infancia, intentan comunicar sin palabras y estar juntos en la ausencia. El animal invisible que ella le regala en la cuarta noche devora sus sombras en la última, la novena; es el desenlace nostálgico, conmovedor y descorazonador de una despedida de la materia.
La obra plantea una abstracción entre el ser espiritual y el corpóreo. Se utiliza un lenguaje contemporáneo multidisciplinario utilizando proyecciones filmadas y en vivo, sonidos procedentes de diversas fuentes, y objetos con categoría de personajes. Siempre con el fin de sostener la credibilidad del absurdo, que se plantea donde lo onírico sucede frente al espectador como si se tratara de un acto de magia. Se propone generar un clima de “extrañeza naturalizada” donde lo que ve el espectador es lo que ocurre pero no es naturalmente posible.
El espacio escenográfico aporta a la credibilidad del absurdo, ya que es casi circular y cerrado, donde el espectador espiará la obra a través de muros translucidos. A su vez, el autor muestra un cambio gradual de género. Las palabras se apoderan del espacio literalmente. Lo anulan, lo oscurecen, lo hacen nada. El montaje se apoya más en la palabra que en las imágenes y en la acción, por lo que se plantea un rico trabajo con el actor y sus propuestas. +
Dos mujeres, dos historias atravesadas por la muerte, el adulterio y el juego. Dos historias que abundan en lugares comunes pero relatadas desde el artificio y la hipocresía en los cuales habitan esas mujeres. +
María: Una mujer perdida entre recuerdos y olvido. Enferma y sola, su nombre es hoy un grito desgarrador que nadie quitará. El problema de una identidad vedada debido a las alteraciones y el dolor sufrido cuándo se niega la existencia +
Basada en textos de Genet (Las Criadas), E. Goldar (El burdel), Gerardo Brá (La mutual de los rufianes) Jacques Lacan (Tesis), es la historia dramática de Ana y La Rusa, dos hermanas judío-polacas, que habían sido traídas de su patria natal a la Argentina en 1920 y obligadas a trabajar en un prostíbulo de Avellaneda, en donde perdieron hasta su propia identidad, dado que no usaban sus verdaderos nombres y estaban indocumentadas. Después de 20 años urdieron un plan para hacer encarcelar al político que ampara el prostíbulo y desprestigiar a La Madama y así poder recuperar su identidad. +
Argentina, 2043. Los gases contaminantes del Riachuelo han propagado un virus que revive a los muertos. Los vivos se ven obligados a refugiarse en sus casas ante las hordas rabiosas, que los matan y devoran. En este mundo devastado, una familia lucha por sobrevivir sin perder su humanidad. Pero la única posibilidad de lograrlo será lobotomizar a las bestias... aunque eso signifique meter a uno de ellos en su propia casa.
Lejanamente inspirado en el teatro de fiesta y horror de Artaud y en su ideario destructivo de la peste, El país de los muertos utiliza la proximidad actor-público para potenciar el miedo del espectador: el actor es una amenaza. El cuerpo en primer plano. Se trabaja con el objetivo de conseguir gran despliegue visual, como en una película, aprovechando todas las referencias cinematográficas posibles. Hacer teatro como si fuera cine. En correspondencia a la historia del género, la obra es un espejo ácido que refleja la forma en que las clases medias ven a los pobres. Como siempre en la historia humana, la construcción del ‘otro’, su deshumanización, es lo que permite la masacre. +
El Poeta y el Duende es un recorrido por el pensamiento, la obra y el universo musical de Federico García Lorca.
Las canciones españolas se intercalan con sus poemas y monólogos teatrales. +
Construida a partir de distintas escenas, “El Pulgar oponible” propone una reflexión abierta en torno a las respuestas del hombre a la problemática ambiental. Ofrece un abanico de imágenes críticas vinculadas a la problemática del calentamiento global y la incidencia del daño del capitalismo sobre el planeta. +
El Ángel Rubio y su camarada de armas, Jorgito Rafael explican a los niños qué es un “Proceso de Reorganización Nacional” utilizando claros ejemplos escolares. +
“Ellas Saben” busca interpelar a las mujeres que en la actualidad seguimos condicionadas y atadas a los mandatos sociales y culturales. Las distintas formas de violencias que seguimos padeciendo; la cosificación y los micro- machismos que se siguen naturalizando; el condicionamiento y abuso que sufren nuestros cuerpos día a día, es lo que se expone en esta propuesta artística. Así mismo, pretende que quien no se perciba mujer pueda transitar estas ideas y sensaciones para comprender desde un lugar sensible el rol que se le ha dado a la mujer durante siglos y de esta manera poder entender la necesidad de deconstrucción para abonar a un verdadero cambio en la sociedad. Buscamos abrir y profundizar estas temáticas para sumarnos a los distintos debates de género que hoy se están dando con más frecuencia y mayor compromiso en distintos ámbitos. Entendiendo que el Arte es un eslabón central que refleja, critica y transforma nuestra realidad.
“Saben, ellas acarician un lugar íntimo generador de fuerza creativa. Recorren los sentidos volviendo a su propio origen. Sabor, olor y percepción….”
“Ellas, saben cuál es el camino, se entienden, se comunican, juegan, se acompañan desde ese lugar que las identifica. Caminan juntas buscando liberarse en cada paso. +
Esta obra performática plantea un recorrido visual y corporal por una Selva imaginada y conceptualizada como extraña, inacabable, misteriosa, ancestral. Todo el espacio y tiempo es conocido y sentido por los seres que experimentan y habitan la Selva: corren, espían, tocan, olfatean. Se atreven a permanecer allí como espíritus vivos guiados por los sonidos e invitan a quedarse. +
Espectáculo con secuencias inconexas a modo de estampa que pretende revisitar tòpicos que atraviesan el mundo de los adultos, el lenguaje, la mirada , las situaciones. Un primer cuadro indagando una situación de mandato y dejando al libre albedrío del espectador el lugar del deseo, una pregunta y una respuesta a encontrar. Un cuadro central que nos muestra la tensiòn del espacio de poder, la inquietud del espìritu confrontando lo imperativo. Como cierre: la libertad que se manifiesta simplemente en un par de anteojos que alienten y refresquen la mirada +
:::'''Revolución'''
::::''a Emilio Pernas''
Las sillas se sentarán sobre nosotros
las perchas se nos colgarán
los pisos habrán de arrastrarnos
seremos empujados por la puertas
pateados por las pelotas
tirados por las barajas
arrugados por los papeles
mojados por los pañuelos
encendidos por los fósforos
disueltos por los azúcares
revueltos por las cucharas
bebidos por el agua
y no será más que justicia.
::::Saúl Yurkievich. En: "Ciruela la loculira", Ediciones del Asterisco, La Plata, 1965.
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Lejos de los abundantes ensayos sobre mujeres, este es un ensayo de mujeres que tratan de recuperar el cuerpo vestido. ENSAYO ALCALINO es una acción premeditada que se desarrolla frente a un público sediento de espectáculo que posiblemente se vaya con las manos vacías. En esta vidriera no hay show que valga, lo único que está a la venta es una prenda resultante de 20 min de acción.
Basado en la serie de actos desarrollados durante el 2012, ENSAYO ALCALINO se nutre del análisis de los puntos fuertes de dichas experiencias como de una investigación dura y pura del material a abordar, desde su complejidad histórica, política y afectiva. El Jean entonces es más que un pedazo de tela y se presenta como una trama que nos envuelve en varios aspectos. Más allá de los mitos sobre sus orígenes, sabemos que el denim es una tela tejida en lanzaderas con urdimbre teñida de índigo, una sustancia natural a la que le debe ese color irreproducible por otros medios. Pero fundamentalmente es su “mala solidez” al lavado y el frote seco lo que nos atrae y nos vuelve locas. El “vaquero” confeccionado con la tela denim puede venderse como un producto acabado, pero lo cierto es que se termina cuando sale a la calle durante su uso, debido a la variación que produce la mala solidez. Si alguien oyó una definición más parecida a la del arte contemporáneo, que chifle durante la función.
Mucho se ha escrito sobre el jean por ese afán moderno de actualización constante y fue ropa de instrucción militar, de trabajo, underwear, casual, de noche: un pret a porter continuo. Es como la obra que lo piensa un objeto siempre inconcluso. Una versión diacrónica de la modernidad que se nos ha pegado al cuerpo.
Para ENSAYO ALCALINO partimos de dos piezas de denim Alpargata de 6mts que se comercializan bajo ese formato en Once para abaratar su costo. “Si querés de más extensión estamos hablando de otro precio” dice el señor que nos atiende ante nuestro insistente reclamo. Durante la acción usamos lo que se llaman vulgarmente y técnicamente, vaya coincidencia, retazos para armar un vestido. Somos aquel discurso que se construye a partir de la materia significante de otro discurso que se nos escapa de las manos y llegará bajo alguna marca careta a las tiendas.
Y como “diseñar un vestido es diseñar un cuerpo, vestido” de fondo nos metemos con el cuerpo escénico del artista pero también y por qué no del otro, el desfilado.
Habitamos la constante transformación de un presente que acarrea mil testimonios ancestrales y uno más. Siguiendo un mandato con vistas al fracaso, buscamos la danza de una carta astral. ¿Cuánto hay de real? ¿Cuántas danzas? ¿Quién legitima a quién? Aquí lo tradicional se come a sí mismo en un intento de ocultar las rasgaduras del museo vivo. En la búsqueda por enfrascar el aire y conceptualizar el deseo, aparece algo tan simple como una sonrisa y el susurro de alguna voz que viene de algún pasado que alguna vez sintió algún temblor. +
Eros es una obra de danza y de teatro. También cantamos.
Se trata del amor, del deseo, de la añoranza. De la piel, el goce, la imprecación y la demanda.
Es que vimos muchas películas y novelones. Es que lloramos y nos vaciamos con amores desahuciados e imposibles.
Es que luego nos abrimos y nos quisimos reír un poco de nuestro propio melodrama.
Somos mujeres, nos perdimos y te lo queremos mostrar.
Para que te encuentres y te pierdas con nosotras, diluyéndote en una casa que te envuelve, te habla y te hace vibrar. +
Teatralización de los problemas cotidianos que sufre City Bell donde la falta de recolección de residuos, el transporte público y el cambio de denominación de calles no son temas ajenos. Con ojo crítico los vecinos/actores exponen su postura sobre cómo se ha ido desdibujando la identidad de barrio y proponen de manera creativa regenerar aquellos lazos de buena vecindad entre la comunidad. +
Esto NO es la Metamorfosis es un proyecto escénico de danza/teatro que procura poner en escena a través de la presentación de varios bocetos una obra que cambia con el tiempo, construir una obra nunca terminada, y que aquello que se muestre en cada boceto de cuenta de los procesos internos de estudio, pensamiento e investigación sobre el cuerpo y sus potencias tomando la obra de Kafka como disparador inicial de imágenes, permitiendo que la relación con los espectadores y con el tiempo en escena y entre presentaciones se incorpore a lo obrado. Crear una obra que permanezca en cambio permanente o pueda nunca terminar de verse. +
En el bullicio de la ciudad, mientras todo anda sin pausa, se abre un paréntesis. Dos esencias despiertan, se observan y exploran lo sutil.
Del hallazgo fatal de la angustia existencial hay sin embargo, una salida hacia el exterior.
Así, son dos las almas que con su mirada interpelan, consuelan, requieren, comunican y se preguntan:
<blockquote>
Mientras me miras, ¿Alcanzas a verme?
Mientras tus ojos, inertes, reposan sobre mí, ¿Alcanzas a ver mi dolor?
¿Podrías por un instante estar en mi piel?
Soy la otra, el otro, tu próxima, tu próximo, sólo nos separa la vidriera.
</blockquote> +
La pieza aborda el proceso de enajenación de una persona desde una perspectiva introspectiva, dramatizando el contraste de ambos hemisferios (uno, sensible y abatido, el otro - automata, ultraracional e implacable-), alternándolo con pasajes oníricos. La obra se desarrolla en un mismo tiempo espacial y argumental divido en 9 cuadros. +
F
Feliz es un festejo de cumpleaños ritual, es celebrar la ausencia, la espera de invitados que no llegaron, la porción de torta que sobró, los deseos olvidados de pedir o que jamás se cumplieron. ¿Materializar la ausencia desde la danza? Esta pieza es un reflejo de muchas inquietudes, es un pasaje constante en una línea que es tiempo, es energía, es espacio, es danza, es un cumpleaños feliz. +
Lo anacrónico es contemporáneo.Lo contemporáneo es anacrónico.Lo que está a la moda es demodée, siempre.(Giorgio Agamben) +
Una mujer loca por amor. Alguien que lo ha dado todo sin recibir nada a cambio, cree encontrar una única salida para darle respuesta a todas sus preguntas. ¿Sus elecciones la llevaron al extremo o el destino le ha hecho trampa? Da igual, ya nada podrá empeorar las cosas. La pasión, el amor, la ira, la locura y el extravío estarán presentes en este encuentro. +
Formas de hablar de las madres de los mineros mientras esperan que sus hijos salgan a la superficie +
Citación en mano, Isabel llega a la oficina de la mina en la que trabaja su hijo. Sin noticias de Luis desde el día en que entró a trabajar doce años atrás, espera obtener información sobre él. Allí la aguardan un par de empleados que le ofrecen una ayuda que se pospone indefinidamente. Isabel es sometida a una serie de instancias de averiguación sobre su propia vida. El motivo de la cita queda en suspenso, se dilata, se distorsiona; otros hechos se suceden en su lugar para revelarnos el verdadero sentido de la escena. +
Basada en la historia de Camila O'Gorman y en la de Manuela de Rosas y Ezcurra, la obra entrecruza lenguajes y géneros, logrando un tejido complejo, que refleja tanto la sociedad de la época como la mirada actual de atrocidades similares. La búsqueda estética se intensifica hacia la superposición de formas e interpretaciones de la realidad.
Johanna Lezcano y Soledad Oubiña, encarnan la amistad de estas mujeres, desde el juego escénico tradicional y contemporáneo. Fragmentos de la Historia Argentina atravesada por innumerables posiciones y miradas que nos forman y conforman. +
Fútbol, una tragedia es una adaptación criolla y oportunista del clásico de Esquilo “Los siete contra Tebas”. Luego de la muerte de Eltipo, la descendencia se disputa el mando del Country Marginal “La Taba”. Arrastrados por una maldición hereditaria y cabulera, los hermanos ElTeo y ElPol resuelven el conflicto en un partido de potrero picante y con pretensiones de barriada. Una vez muerto el padre, ¿quiénes son los hijos? No se descubre nada nuevo, no hay nada nuevo aquí. Sólo repetir hasta el cansancio. Nada nuevo. Tal vez un temblor, la inminencia de una matanza mayor. Entre metáforas futboleras y privilegios trágicos, la intimidad familiar deviene espectáculo. +
G
Glitch : Error imprevisto en una sistema, usualmente electrónico. Falla menor que arruina el éxito sin afectar el funcionamiento o rendimiento del programa.💥
Ellas habitan una aparente estabilidad, no se conocen entre si pero sostienen al mismo mundo. La inminente falla las encuentra. Desorientadas, se vuelven más cercanas al quebrarse sus cimientos. La cosa está hecha de muchxs.
La Ferviente se sumerge en la exploración de lo multidisciplinar en la escena. Sospechan, dudan y arriesgan el éxito de sus lenguajes por la convivencia, por entrenarse en la tarea de lidiar con la diferencia. +
GALA FINOLI es un espectáculo de clown, con formato de varieté: hay números grupales que abren y cierran el show y dúos de Clowns para todos los gustos. Durante el lapso de una hora se podrá disfrutar de disparatadas escenas a cargo de distintos personajes clownescos. GALA FINOLI deleitará a un público preferentemente adulto o a niños mayores de diez años. En GALA FINOLI comenzamos con un primer dúo de clowns en apuros, donde el retraído Lino termina encontrándole el gusto a las tablas, dejando perpleja a la experimentada y estricta Fortunata. Luego presenciamos el accidentado “pas de deux” de Canela y Chicho quién termina metiendo literalmente la pata en la lata. No faltará el número de tinte político pertrechado por Gretele y Ups aunque el final se les irá, obviamente, de las manos. Tampoco estarán ausentes, en esta GALA FINOLI, la emocionante escena romántica protagonizada por Rojito y Lincoln aunque, entre ellos, el amor no sea muy correspondido, ni la escena del adorable Chapita que, en su intento por pasar por un auténtico finoli, nunca podrá llevar a cabo su ansiada presentación. Y por supuesto seremos, también, testigos de la clásica escena de teatro español muy bien interpretada por Coso y muy bien interrumpida por su vestidora personal, la Srta. Ups y del infaltable recital operístico encarnado por las emperifolladas divas de la lírica Lincoln y Cucucha. Al principio y al final del espectáculo nuestros protagonistas nos reciben y despiden con numerillos musicales, donde volvemos a comprobar que los clásicos nunca pasan de moda. +
El tío rico de la familia Donati fallece en Florencia, testando la fortuna familiar a favor del convento de Santa Reparata y a sus gordos frailes. Así comienza esta comedia irreverente en la que Gianni Schicchi (famoso malviviente y padre de Lauretta, la bella prometida del más jóven de los Donati), será el encargado de adulterar el testamento en favor de la familia caída en desgracia y garantizarse con ello la entrada al infierno. +
Yoshiwara, 1927. Ginger lo hizo una vez más. Su danza fue hipnótica; hizo el mundo girar. Con su pierna de metal, la muerte sobrevuela la ciudad. Mientras Matilda pone un disco y le baila al sicario a Lolita solo le queda un dulce consuelo debajo de esas dos cejas... +
H
En un inútil intento por lograr una unificación de criterios, las cosas sólo parecen empeorar. La grieta ya está abierta y lo único que pueda salvarlos tal vez sea ese honorable acto heroico y casi teatral de estar juntos.
Quién lo sabe, tal vez +
