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Mecha em tramas

Sinopsis

Mecha em Tramas, una composición de mechones de pelo sobre un telar que han sido donados por la gente. Una invitación para el conocimiento mutuo, el intercambio y el diálogo con el otro. Es la creación de una red. Una pantalla que se llena de cabello natural.

“Ligar personas, ligar lugares. Trama de mechas de pelos naturales. Pelo fuera del cuerpo, la pieza de cuerpo, que me lleva a otro, el individuo, que están fuera de mi cuerpo, en relación a mi interior. La experiencia de la vida cotidiana entre la gente “.

Mecha en parcelas es un proyecto que está en constante transformación, un trabajo en progreso. Es una obra móvil, tomando como referencia las redes sociales virtuales, y haciendo uso de ellos como un espacio de contacto continuo con los participantes de la obra. Un espacio configurado por las personas interesadas de cualquier parte del mundo, reuniendo ideas que afinan a algún punto.

Mechones de cabello recogido y tejido en un telar.

Mechones de cabello, cedida por las personas, é lo obyecto de composición. el artista está constantemente presente en un espacio construido para la participación del público.

Tramas del cuerpo de un punto al otro

Por Josy Panão

Un cuerpo que, más que ocupar un lugar en el espacio, se extiende allende sus fronteras, se mezcla con la exterioridad que lo rodea, intensificando su interior con el intercambio que establece. Un cuerpo que va de un punto a otro en flujo y en mutua donación, en constante transformación. He aquí un cuerpo que aprende a abrirse al mundo.

Del asfalto a la arena de playa, pasando por el espacio virtual de las redes sociales, Flávia Pavia lleva un cuerpo singular, y a la vez totalmente arraigado en la alteridad, a la invasión del paisaje. Este cuerpo (se) perturba, (se) acelera, (se) desestabiliza e (se) inquieta los lugares por donde son marcadas sus pasajes.

Un hilo de estambre revela un destino inestable para este cuerpo que se extiende por el mundo. No se trata solamente de la experiencia aislada de la artista ante la sensación de colocarse en relación con otro, sino también de la reverberación de este potente contacto que ocurre en aquel que acompaña, ve y comparte el desenrollar del estambre.

Pedazos de cuerpo en mechones de cabello encarnan historicidades de vidas que se enredan y mezclan en la cotidianidad sin nunca cruzarse.

La materialidad de los trabajos “De uma ponta a outra” y “Mechas em trama” es su proceso abierto, es una invitación a embarcarse en el descubrimiento de un cuerpo en devenir, un cuerpo que se revela en el paisaje. Esta poética del procesal, es una marca importante en la elaboración de las propuestas de Flávia Paiva, una joven artista que juega, en el mejor sentido del término, de encarnar y poetizar espacios comunes.

Motivación

“É um trabalho delicado, vou entendendo como posso pedir a mecha, como me aproximo, e crio uma pequena relação, até que esta pessoa se convence em deixar sua mecha de cabelo por alguma afinidade”.

O Telar de trama de cabelos disponível ao olhar do outro em um espaço expositivo é o objeto de mediação entre o artista e o público estabelecendo uma relação entre estes no momento que o outro se sinta a vontade de deixar uma mecha de seu próprio cabelo mesmo na ausência do próprio artista que criará depois uma relação que pode começar do virtual ou do presencial em diferentes intensidades e disponibilidade das partes envolvidas. A sugestão de possibilidade de trocas é o tema que abrange todo o objeto de composição.

Participantes

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Mi otra posibilidad

Ask

Fecha de estreno: 02/09/2012
Lugar de estreno: Halcón Peregrino
Una obra de: Lucia Tocker

Sinopsis

Este proyecto nace con la intención de investigar el duo en si mismo. Una relación de dos tanto en el plano físico, el cual uno puede visualizar y experimentar, como en un plano adimensional, ilimitado y atemporal, en donde lo uno se vuelve en verdad, el todo. Nos situamos del lado opuesto del concepto de dualidad, un principio que diferencia escencialmente o devela la oposición, preguntándonos qué nos diferencia partiendo de que podríamos ser lo mismo. Quién es el otro que no soy yo? Y si somos lo mismo viviendo situaciones diferentes? Hasta dónde el límite de la diferencia? Y si todos somos diferentes posibilidades de lo mismo? Dónde se hacen visibles los límites, dónde se tocan y donde desaparecen? Es el otro lo que yo no puedo ser? El espacio como la posibilidad de ser, de encontrar y encontrarse. La materia como potencia para existir y crear. El otro como otra posibilidad de uno mismo. El otro como revelador de lo oculto en uno, como una alimentación infinita. Cómo es la individualidad en relación al otro, cúanto me pierdo en el otro, cuánto me recupero en el otro. En el dúo, se devela el solo, en el momento en el que se elige ser otro. En la contrariedad, en la contraposición, en las diferencias, se devela lo único. Lo doble como la potenciación de lo mismo, como una repercusión inevitable. Lo doble devela, pone en evidencia lo único y a su vez lo presente en todos, lo que nos habita a todos.

Motivación

La motivación y dirección de la investigación de este proyecto fue individual, los encuentros eran de 3 horas, una vez a la semana y hasta el estreno hubo aproximadamente 3 meses de investigacion. El proceso continuó después del estreno y la obra se fue modificando, ya que se trabajaba con la improvisación como medio de creación. La obra es un dúo de improvisación, en el cual hay una dirección pero la creación es individual de cada integrante.

Participantes

Funciones Especiales

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Mide un segundo

Ask

Fecha de estreno: 25/10/2014
Lugar de estreno: Valparaíso
Una obra de: mundomoebio/escenalborde
Basada en: Foto-intervención homónima creada para el proyecto Still-Movil por Iván Sánchez, Rocío Rivera y Manuel Vasón
Temas: intervención urbana, uso del espacio, relación con el contexto
Formato: Intervención, Acción, Improvisación, Espectáculo,
Género: Danza,

Sinopsis

…el paso del tiempo, expandido a una aparente quietud… Cuerpos en el espacio, construyendo una sucesión continua de imágenes que modifican nuestros modos de ver y leer el lugar, aparece, se distancia, se aleja, se adelanta, se re escala, componiendo para el espectador un ojo coreográfico, en que los cuerpos traen la arquitectura del espacio a un primer plano.

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Moni mon amie

Ask

Fecha de estreno: 02/11/2013
Lugar de estreno: Paseo del Bosque, La Plata
Una obra de: Mónica Menacho
Género: Danza contemporánea,

Sinopsis

Moni mon amie es un solo de danza e fotografía intervenida creado en el marco de la Residencia Crepúsculo, coordinada por Laura Valencia en el marco de la 1ra edición del Festival Danzafuera.

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Montaraz

Ask

Fecha de estreno: 08/12/2017
Lugar de estreno: La Grieta
Una obra de: Braian Kobla
Basada en: Creación colectiva
Temas: Fuerza. Potencia. Cuerpos femeninos.
Género: Danza,

Sinopsis

La obra, que podría definirse como una partitura musical o rítmica en la que la textualidad devino de los cuerpos de las bailarinas, habla desde canciones, estados actorales, secuencias coreográficas, loops de textos y proezas físicas, evitando la palabra. Es una experiencia de duración acotada, pero con una intensidad alta, que busca generar un cimbronazo en el espectador. Un tiempo vertiginoso de acontecimientos que se suceden y superponen rítmicamente estableciendo un vínculo más del orden físico que intelectual.

Motivación

‘Montaraz’ ofrece al espectador un estimulante despliegue de las posibilidades de los cuerpos femeninos, así como el singular tratamiento de la violencia y los vínculos, evidenciando que la fuerza y la potencia no son atributos exclusivos de la masculinidad.

Participantes

Más sobre la obra

Luego de su estreno en el Festival "Aura" realizado en diciembre de 2017, convertida en una joyita de la escena platense, “Montaraz” llegó en 2018 a la Fiesta Regional de Teatro, de donde salió airosa con reconocimientos para su director, para su música y para su coreografía obteniendo el pase al máximo encuentro escénico del país, al haber sido elegida para representar a la Provincia de Buenos Aires en la Fiesta Nacional de Teatro de Rosario, en mayo del mismo año.

Monton

Ask

Lugar de estreno: Playón del Ministerio de Infraestructura y Servicios Publicos (Avenida 7 nº1267 e/58 y 59)
Una obra de: Aula 20, Julia Aprea, Julieta Scanferla
Temas: Manifestaciones populares
Formato: Intervención,
Género: Danza,

Sinopsis

¿Cómo crear un cuerpo colectivo? ¿Qué queda de mí en el montón? ¿Cuándo un fenómeno masivo se vuelve hecho poético? A partir de estos interrogantes surge MONTÓN, una acción multitudinaria que pretende explorar el universo de las manifestaciones populares, irrumpiendo en el espacio público, ocupándolo y resignificándolo a partir de la mirada de la danza, que se posará sobre el hecho colectivo.

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Moribundos

Ask

Fecha de estreno: 10/10/2016
Lugar de estreno: El Gapon de Guevara Teatro
Una obra de: Luciano Cejas, Compañia cdc-ifa, cdc-ifa, ciadanzaifa
Temas: El cuerpo atravesado por el miedo
Formato: Espectáculo,
Género: Danza, Danza moderna, Danza contemporánea,

Sinopsis

“En algún momento aparecerá lo inesperado, lo asombroso, y el quebranto del envoltorio se hará posible. Se preñará de fisuras y tomará a otra existencia, a otro camino. ¿Repetitivo? ¿Nuevo?¿Impredecible? No importa.” Dalia Margot Baptista Por cientos de años los marineros se han guiado a través de las estrellas buscando alguna certeza. Mientras el océano se mueve, encuentran consuelo en la luminosidad de la estrella del norte. Aquí abajo todo está en constante movimiento. Nada se detiene nunca, la masa atrae masa, los cuerpos se mueven por el espacio, se aceleran al acercarse, el empuje gravitacional entre los cuerpos se hace más fuerte y vuelve inevitable la convergencia. Resultado… lo que ocurre tras la convergencia: aun es…desconocido. El dolor es una marea constante ¿y el miedo?

Motivación

“¿Qué creo que puede haber después de la muerte? ¿Cómo se ve un cuerpo en agonía? ¿Que observamos de un cuerpo atravesado por el miedo a morir?” El cuerpo atravesado por el miedo. En este proyecto nos proponemos investigar el miedo a la muerte y la desaparición del cuerpo físico. Trabajaremos sobre la fragilidad, el ahogo y el pánico acentuando y delineando distintas zonas del cuerpo de los intérpretes. Las obstrucciones en el cuerpo, el flujo de la energía y los movimientos externos serán tomados como elemento para la búsqueda de un cuerpo negado, un cuerpo furioso, un cuerpo temeroso y un cuerpo expectante. Una obra de Lucho Cejas Nos interesa desarrollar una mirada crítica sobre el miedo a la muerte, jerarquizando las sensaciones internas del cuerpo ausente y la desaparición del movimiento. Poner a prueba la idea del estado del cuerpo en el umbral entre lo presente y lo ausente.

Participantes

Temporadas

Más sobre la obra

FICHA TÉCNICA: Dirección Artística y coreografía: Luciano Cejas Coordinación General: Monica Rodriguez Manzano Asistente de Dirección: Micaela Rivetti Dirección de Imagen: Pamela Dávalos Asistente Audiovisual: Nahuel Alejandro Lozano Asistentes de Coreografía: Lucia Girardi/Florencia Gonzalez Música Original: Sebastian Piotr Krawczuk Diseño de Escenografía: Malén Gorgone Pampin Florencia Iribarne Lucato Diseño de Iluminación: Paula García Vestuario y Maquillaje: Micaela Posteraro Community Manager: Guadalupe Peralta Cáceres Dirección General: Nicolás Pérez Costa INTÉRPRETES: Catalina Crusat Albornoz Clara Larcher Emilia Nudelman Fiorella Fontau Florencia González Jeanette Feal Luciana Edelstein Lucía Girardi Lucía Cuesta Magalí Nuñez Maite De León Milagros Gabilondo Nahuel Alejandro Lozano Sol Morales Stefania Piercamilli

Murales

Participantes

Temporadas

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Más allá de los andenes

Ask

Fecha de estreno: 27/11/2013
Basada en: Los hechos ocurridos el 26 de junio del año 2002, en la localidad de Avellaneda donde fueron asesinados Darío Santillán y Maximiliano Kosteki.

Sinopsis

El punto de partida de la obra son los hechos ocurridos el 26 de junio del año 2002, en la localidad de Avellaneda donde fueron asesinados Darío Santillán y Maximiliano Kosteki. Ellos formaban parte de los 4.000 desocupados que se movilizaron al Puente Pueyrredón junto a sus compañeras y compañeros del barrio. La obra reivindica el sentido de lucha y trata de no quedarse en el acto de denuncia, en busca de poner en movimiento el conflicto para generar conciencia en múltiples escenarios que posibiliten nuevas propuestas que aborden la política y el arte como herramientas de trasformación social. Para reconstruir así la memoria de los que pierden, reflejar problemáticas sociales “olvidadas”, en donde el arte tiene el potencial de reavivar aquello que desde el Estado, se oculta y se calla.

Motivación

Al cumplirse 10 años de la Masacre de Avellaneda, surge la obra a partir de una motivación individual, si bien hubo ideas y momentos definidos en el transcurso de la creación por los intérpretes. El proceso se inició en abril del 2012, para formar parte de una performance que se presentó en el puente de Avellaneda con motivo del décimo aniversario.

Participantes

Más sobre la obra

La obra se estrenó el 27 de noviembre 2013 en El Bombín Teatro. Luego brindaron una función en el mes de diciembre del mismo año en el Centro Social Político y Cultural Olga Vázquez, en la ciudad de La Plata.

Sobre el proceso de trabajo: Al cumplirse 10 años de la Masacre de Avellaneda, surge la obra a partir de una motivación individual, si bien hubo ideas y momentos definidos en el transcurso de la creación por los intérpretes. El proceso se inició en abril del 2012, para formar parte de una performance que se presentó en el puente de Avellaneda con motivo del décimo aniversario. El grupo ensayó una vez por semana y próximo al estreno, se sumaron algunos encuentros más.

Nada a Pehuajó

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Galería

• Galería de imágenes
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Nadie sabe que viene con guantes

Sinopsis

La motivación de este trabajo reside en poder acudir a un acontecimiento escénico sucediendo en momento presente, una improvisación conjunta con ciertas pautas en relación al tiempo. De creación colectiva, instantánea, nuestra inquietud tiene que ver con unas preguntas sobre la impronta del momento presente… ¿Cómo resolver, dilucidar, edificar respuestas a los estímulos sensacionales, sensoriales?

Participantes

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Nido

Ask

Fecha de estreno: 28/11/2015
Lugar de estreno: Jardín Botánico del Parque Saavedra
Una obra de: Dani Lorenzo

Sinopsis

Un lugar donde cobijarse, desde dónde reflexionar y observarnos. Atar, enlazar y tensar son algunos de los procedimientos. Una obra que comienza con la construcción colectiva del espacio escénico para finalizar con una activación colectiva de la estructura. Compartir el hacer y descentrar los lugares solidificados de público, intérprete y obra, porque ¿cómo se experimenta de forma colectiva la danza contemporánea?

Participantes

Temporadas

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No hay nada mas hermoso que acariciar algo quieto

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No me Quejes

Ask

Fecha de estreno: 03/11/2012
Lugar de estreno: Sala “B” del Pasaje Dardo Rocha de la ciudad de La Plata

Sinopsis

Una culpa asfixiada detrás de las paredes. Las miserias hacinadas, la sexualidad que no fue y los dolores resuenan en los umbrales de un cuerpo agotado. El hogar ya no es tierra sagrada, y solo resta quejarse hasta besar el suelo.

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Sobre el proceso de trabajo

El trabajo partió de una idea individual, por parte de la directora. La búsqueda residía en el abordaje del cuerpo no sólo desde el movimiento sino también como instrumento musical. En “No me Quejes” el intérprete se vuelve su propia música. El proceso creativo duró alrededor de 6 meses, partiendo siempre desde la improvisación hacia la composición. Fue un proceso constante con 2 ensayos por semana de 2 horas cada uno.

Norma y Regula

Ask

Una obra de: Federico Moreno, Michel Capeletti

Sinopsis

“Tú eres esa cosa de la que no puedo tener bastante. Así que te diré algo, esto puede ser amor porque…” Un dúo en una nube de colores, barba gigante enmarañada, cúmulo de desechos. Una geografía, espacio plástico y móvil como nuestros pensamientos. Constelación que se ve al sur del mundo entre Escorpio y Sagitario atravesada por la Vía Láctea, también conocida como El Juego de Reglas o El Nivel, en latín Norma et Regula, “Escuadra y Nivel”. Con nuestras herramientas, reglas de un juego o varios, trazar un trabajo, una constelación al sur. (ARG-BRA) Prácticas compartidas, juegos reglados para la construcción de escenas vinculares (con) junto (com) bater (con) flicto (con) mover (com) partir (con) struir (com) poner (con) vivir Sin (tesis) Fi (m-n)

Participantes

Funciones Especiales

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Nucleo

Sinopsis

En el fallido intento de retenerlas en su núcleo, las peores desgracias logran escapar de su encierro para enfrentar a sus guardianas y lograr diseminarse por el mundo

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Objetos Maleables

Ask

Una obra de: Miguel Luis Ambrizzi

Sinopsis

Aqui lo que se propone es una performance abierta donde el performer empieza a manipular un objecto de tejido con todo su cuerpo y dibuja en el espacio. Es una acción en que se busca la descubierta del objecto, denominado “dibujos maleables”, en el cuerpo de los participantes, pero no solo de quién lo manipula, sino aquellos que están a mirar. El proponente empieza a manipular el objeto y a una cierta hora se acerca de alguién y empieza a jugar con este, en un improviso, hasta dejar por completo el objeto en el cuerpo del otro. Estarán disponíbles dos objetos para que várias personas puedan jugar al mismo tiempo. Es una acción performativa de dibujo corporal en el espacio, a través de la manipulación de un objeto, donde la experiencia del participante queda en su cuerpo y en la memoria de los que estan a mirarlos. A partir de estos dibujos en el espacio, el acto de dibujo es pensado como una forma de visualización de una realidad espacial compleja, donde la configuración de las lineas, y el juego estructural a que están sujetas, son pensadas como una tectónica, en un espacio tridimensional. La acción performativa con los dibujos maleables nos permite una dinámica de la línea y su duración en espacio y en el tiempo, a través de una integración completa entre el sujeto – cambiado en jugador – y la línea, donde él se convierte en un “descubridor de la obra”, desentrañandola en cada parte. El dibujo ocurre durante el juego y, terminado el juego, la línea vuelve a su estado inicial y lo que queda es solamente la experiencia y la memoria del juego.

Motivación

Estos objetos son parte de una investigación doctoral que reflexiona sobre las relaciones entre la memoria y el proceso de creación en el arte contemporáneo. Los “dibujos maleables” utilizados en esta acción fueron producidos en 2012 y 2013 en la ciudad de Porto – Portugal, y toman como principio las memorias procesuales, o sea, las que corresponden a las operaciones físicas y procesos necesarios para se realizar una acción, recuperados dentro de una memoria episódica que envuelve los recuerdos de eventos especificos vividos, que detienen detalles de la época (tiempo, lugar, emociones) y de la situación en las cuales fueron adquiridas. No solo la confección de esta estructura es mirada como un proceso de dibujo, en un contexto espacial fuera del papel – un diagrama que estabelece las condiciones de donde emerge la figura. También la manipulación del maleable se experimenta como un acto de dibujo, mobilizando en su acción diversos aspectos visuales y hápticos de la percepción. La confección del maleable tiene duración de 80 horas de trabajo. La tecnica es una trama con cuatro hilos de tejido que cresce como una serpiente. La interacción de los participantes con los maleables es espontanea, no tiene una coreografia previa. En este juego de percepciones y interacciones, no solo quién está en acto de dibujo que vive una experiencia estética, pero también quién está afuera mirando la otra persona dibujar en el espacio con el maleable, son “multiexperiências”, como ya apuntó Helio Oiticica en los años 60. En esta acción no hay una determinación específica sobre la cantidad de tiempo, pues quién decide el inicio y el fin del juego son los jugadores. El tiempo es lo de la experiência del jugador, un tiempo subjetivo, simbólico.

Participantes

Funciones Especiales

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Ocho

Ask

Fecha de estreno: 09/12/2023
Lugar de estreno: La Filial
Una obra de: Danza
Género: Danza

Participantes

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Ojo al eje

Ask

Fecha de estreno: 05/12/2011
Lugar de estreno: Centro Cultural Islas Malvinas
Basada en: El video “Dote” realizado por Vicente Bastos y equipo
Temas: la temática está basada en los principios físicos más básicos (la relación con la gravedad).

Sinopsis

Se trabajaron diferentes modos de estar parado: curvando el eje en diferentes direcciones, alineando la columna en un eje en diagonal al piso, explorando momentos límites antes de salir de eje y distintas formas de caer. La sombra proyectada en la pared a creada por la luz del proyector es muy definida formando un doble de la imagen del cuerpo, dando la ilusión de un juego de relaciones entre la imagen tridimensional y bidimensional. El trabajo aborda las distintas maneras de estar en eje y salir de él en un espacio reducido (dos metros por dos metros) por lo que el foco no se pone en las traslaciones que ésto genera sino en el momento de decisión de volver a estar de pie y a la vez en la acentuación del tiempo exacto en el que el eje sale de su verticalidad. Ese momento exacto es experimentado desde distintas maneras derivadas de las decisiones acerca de nuestras direcciones en el espacio y la modulación de nuestra disponibilidad articular, el tono muscular, disociaciones espaciales y recorridos internos del movimiento, entre otros. Se atiende constantemente a las diferentes relaciones con el entorno que cada movimiento genera, sintetizándose en este estar de pie, una manera de estar en el mundo.

Motivación

La motivación principal del trabajo fue explorar una de las acciones cotidianas más simples: el estar de pie.

Participantes

Funciones Especiales

Más sobre la obra

Otras Pieles

Ask

Fecha de estreno: 20/09/2013
Una obra de: Convivencia Sagrada
Género: Danzaterapia

Sinopsis

El tema central giró en torno a “OTRAS PIELES” como metáfora del OTRO. Ese OTRO que nos nombra, nos representa, nos limita, nos estimula justamente a ver otras identidades….y es así como esas otras identidades representadas en las diferentes capacidades de los bailarines dieron sentido a la obra. Ellos, a través del movimiento, exploran las diversas posibilidades que sus propias realidades y limitaciones les ofrecen.

Motivación

El motivo de la obra fue unir diferentes disciplinas artísticas como la escultura, la poesía, la fotografía y la danza, para de esta manera experimentar la influencia de unas sobre otras, observando como la forma, el color, la música, el espacio y el sentimiento modifican al cuerpo, que lo expresa y comunica desde el movimiento. La motivación de la obra fue de carácter colectivo.

Participantes

Más sobre la obra

Recursos técnicos y escenográficos utilizados: Esculturas, fotografías, proyector de imágenes y audio, luces. (Ninguno pertenece al grupo.)

Otras aguas. . . otros tangos

Sinopsis

Es una composición coreográfica colaborativa. Cinco bailarines narran con su tango danza, emociones, encuentros y desencuentros en una jornada muy particular… El tango con su cadencia, sus pausas, su abrazo termina rescatándolos de sus dramas en tres momentos. Lo que empezó como una idea de aquel dramático 2 de abril del año pasado, cuando las aguas cubrieron gran parte de la ciudad viéndonos todos afectados por el meteoro, terminó siendo una metáfora de las situaciones límites. En momentos de gran confusión, angustia y desolación, aparecen como por arte de “magia” otros estados de ánimo. Las grandes pérdidas, a veces, nos muestran nuestra verdadera esencia. Metáfora de otras situaciones dónde socialmente hemos pasado por perderlo todo. Metáfora también de esta obra, donde aparecen, por momentos, luchas de egos, generosidades inesperadas, afectos desde el amor hasta el odio, todo bajo el lenguaje del Tango.

Motivación

La motivación fundacional de la obra fue la inundación en nuestra ciudad aquel 2 de abril del 2013 siendo la misma individual por parte de la Directora General.

Participantes

Funciones Especiales

Más sobre la obra

Recursos técnicos y escenográficos utilizados Cañón de proyección, equipo de reproducción de audio y practicables (alquilado), vestuario (propio)

PLACEBO

Ask

Fecha de estreno: 06/11/2015
Lugar de estreno: Espacio Cultural Urbano
Una obra de: Victoria Mazari
Formato: Obra,
Género: Danza-teatro,

Sinopsis

Llegará el día en el que abriremos los ojos y no seremos más que una construcción del mundo que nos rodea. Los placeres materiales, las falsas convicciones espirituales, aquellos pequeños engaños que nos llevan a otras grandes mentiras y a justificativos inocuos, nuestros reducidos instantes de consciencia que nos reafirman la necesidad de fingir, simular y callar aquello que nadie desea escuchar ni decir. Acostumbrados al silencio, chocando contra todos y contra nosotros mismos.

Motivación

En 2015, Compañía Danseur realiza una apuesta intensa desde la creación e interpretación, dando el puntapié inicial que marca el camino que desea recorrer: el de contar historias y generar en el público un sentimiento, una idea, una reflexión.

Compañía Danseur estrena Placebo en noviembre de 2015, realizando cuatro funciones en Espacio Cultural Urbano los días 6, 13, 20 y 27, teniendo fecha de reposición para marzo y abril de 2016 en el mismo Espacio y para el mes de septiembre en el Teatro La Mueca.

Participantes

Temporadas

Más sobre la obra

PRENSA

• Tiempos modernos: la Alienación de la Máquina Comunicativa (Balletin Dance, diciembre de 2015)

https://issuu.com/balletin/docs/balletin_dance_249/30?e=0

• Danseur: de obsesiones y otros dolores (Revol Revista, noviembre de 2015)

POLEAS

Ask

Fecha de estreno: 17/05/2015
Lugar de estreno: conDiT
Una obra de: Damián Paul Espina, Rosario Zorraquín, Carolina Carrizo
Formato: Obra, Instalación,
Género: Interdisciplinar,

Participantes

Más sobre la obra

PORQUENO

Ask

Una obra de: Diana Montequín
Género: Danza,

Sinopsis

PORQUENO surge a partir de la necesidad, por un lado de investigar en la construcción grupal de material coreográfico, y por el otro, en el deseo de experimentar con aspectos lúdicos del movimiento, en la intención de propiciar un clima celebratorio. En esta obra lo grupal resulta nodal, dando como resultado una producción centrada en lo colectivo. Pero en esta idea de "todas" también aparecen también diferencias y similitudes, de esta tensión surge el desprendimiento de dúos, en los que el eje esta puesto en bucear los opuestos. En PORQUENO no hay un "tema" en particular, se podría decir que sobrevuela una nueva mirada sobre nosotras mismas, un reconocimiento de la identidad grupal que nos contiene. Si bien la obra no es narrativa, se desarrolla con cierta linealidad, generando una dramaturgia sencilla en las que las diferentes escenas se van hilvanando.

Participantes

Más sobre la obra

Paradisíacas

Ask

Fecha de estreno: 11/06/2017
Lugar de estreno: La Grieta
Una obra de: Laura Valencia
Género: Teatro,

Sinopsis

Metamorfosis es un maravilloso nombre que nos introduce en una muy vieja doctrina de la mutación. Buena parte de los esfuerzos de la filosofía han sido encontrar cómo presentar con diferentes formas estos archivos del saber. Las culturas literarias más familiares atraviesan leyendas de transformación y nos traen a Ovidio, a Kafka, a las fábulas y en ellas siempre el cuerpo y sus variaciones. Tomamos esta idea y la pusimos en juego. Nuestro juego, el teatro.

Motivación

Este es un proyecto que tenemos con cinco actrices que entrenaron y se formaron en el Taller de Teatro que doy actualmente en el Galpón de La Grieta. En las clases quedamos muy involucradas con algunos temas de investigación y varias preguntas sobre las cuales reflexionar. Por un lado el cuerpo, su materialidad y su fuerza, por otro la convicción de que la actuación es el relato y no el sostén de un texto, o que el relato está escindido de la actuación. También en la idea de construir lenguaje que singularice esta obra; llámese lenguaje a todo, todo aquello que habita el universo del teatro. Nos propusimos salir de la mesa, las cuatro sillas y el living, investigar objetos y materia en profundidad sabiendo que no tienen paz y alojan en "sí" universos de sentidos. En esa dirección partimos y hoy queremos abrir esta experiencia y probar el material y que sea visto; sabemos que se desarrollará y florecerá con la mirada de las y los espectadores. Paradisíacas es simplemente experiencia poética, esto nos abre un mundo en el instante finito de la escena y nos permite opinar sobre los modos en que funciona un cuerpo entre otros cuerpos: un colectivo, un cuerpo social. Laura Valencia

Participantes

Más sobre la obra

Partida

Ask

Lugar de estreno: Espacio Cultural Pata de Ganso, Ciudad de Buenos Aires
Una obra de: Proyecto en Bruto
Formato: Obra,
Género: Danza contemporánea,

Sinopsis

Partida se piensa como un viaje, un recorrido por el espacio y el cuerpo. En ese transitar, los cuerpos atraviesan diversos estados, expresiones del movimiento que devienen de la propuesta de cada bailarina. Nueve mujeres consuman su danza, entran en contacto momentáneamente y van instaurando un diálogo en el que cada solo es uno en sí mismo y se resignifica frente a los otros, construyendo su propio universo representativo. Así, cada encuentro proporciona un nuevo sentido y recubre al otro en su espesor. Visto a través del otro, el cuerpo se vuelve extraño y conocido a la vez; adquiere, bajo nueva luz, otras connotaciones. Partidas están las miradas sobre estas mujeres, partidos están muchas veces sus cuerpos y los relatos que se construyen en la superposición de los solos. Partida está la forma desde su origen: fragmentos que se separan para volver a reunirse bajo nuevos puntos de vista. Un punto de partida, un nuevo inicio cada vez: salir para volver a llegar al comienzo y en su exploración, conocer por primera vez ese lugar.

Motivación

La obra se propone como un trabajo específico sobre el cuerpo. Parte de una visión del mismo como objeto de estudio en sí mismo, pleno de conciencia de su materialidad.

Cada intérprete accede a una particular visión de su cuerpo, partiendo de pautas comunes a todas, y a partir de las cuales se irá desenvolviendo una manera propia de entenderlo: nos encontramos con cuerpos a los que le faltan partes; se traban buscando destrabarse; erigen recorridos, trazan líneas o circuitos; cruzan el espacio, recortándolo o exploran dinámicas del movimiento; se arman y desarman constantemente, se fragmentan, se parten. En este sentido se entiende al cuerpo como referente en sí mismo y no como instrumento o medio de imitación. No parte de esquemas narrativos previos ni recurre a sistemas ajenos al mismo accionar corpóreo. Es un “cuerpo problema” que plantea interrogantes, se revela complejo, manipulable, alterable (o alterado). El movimiento en la particularidad de cada cuerpo construye su propio lenguaje. Se consigue así una disparidad de posibilidades de abordaje hacia la construcción de movimiento. Necesariamente este tipo de obra comporta un tipo de espectador. Activo, que construye sentidos. Toda práctica hermenéutica implica necesariamente un sujeto, lo interpela, lo reforma; y éste a su vez accede a la obra desde unas coordenadas que lo definen históricamente, saberes previos y expectativas puestas en suspenso. Preguntar por aquello que se descubre como otro. Reconocer la alteridad es arriesgar un pre- juicio, rehacerlo y deshacerlo constantemente, en un avance hacia la interpretación, las varias de ellas.

Participantes

Más sobre la obra

La obra se estructura en una sucesión y superposición de solos. El desarrollo de cada solo está a su vez fragmentado y se construye a partir de los otros en pequeñas secuencias donde interactúan entre sí, aparecen y desaparecen en la escena, quedan suspendidos para resolverse más adelante; cada reaparición cobra un nuevo significado.

La obra se desenvuelve en esta fragmentación hacia un esquema mayor donde cada pieza está cuidadosamente ubicada en su lugar y su tiempo para edificar un todo: ninguna parte podría desaparecer o cambiarse de lugar ya que esto provocaría un cambio sustancial en el “producto” final. La noción de ambigüedad se vuelve clave a este respecto, ya que permite pensar si la lógica de los movimientos está dispuesta de manera azarosa o se encuentra pensada detalladamente.

La construcción del lenguaje de movimiento parte de una idea común para los nueve solos: el dibujo tridimensional del nombre con distintas partes del cuerpo. A partir de esto el trabajo consiste en la exploración de las miles de formas posibles de interpretación del mismo material, donde cada bailarina encuentra su modo de apropiárselo. A partir de esta búsqueda el material es recreado, comienza a diferenciarse en cada intérprete, excede la pauta inicial encontrando un modo de decir propio. Cada cuerpo comienza a moverse de una forma particular diferencial y cada solo encuentra su modo específico de decir sin remitir a formas conocidas, haciéndose único. Los nueve abordan de modos sumamente diversos, el lenguaje del movimiento. Cada cuerpo entonces es construido a partir de este lenguaje que lo define, como si no conociera ni remotamente otro modo que no sea ése, el propio.

La disposición espacial parte de un diseño en espiral por el cual las bailarinas van a transitar. Recreando el concepto de circularidad, los traslados en continuos avances y retrocesos, retoman la idea de lo infinito, aquello que vuelve a comenzar cada vez. Asimismo la presencia en simultáneo de los diferentes solos formula la ilusión de ubicuidad: una en muchos lugares y a un tiempo, no se plantea un traslado lineal sino sincrónico. Esto contribuye a pensar en una temporalización espacial, en donde el espacio se construye en la medida en que se experimenta sobre él, utilizándolo de forma heterogénea.

La música está compuesta originalmente para la obra por Juan Orozco Gómez. El sonido esta pensado en un principio a partir de la idea de los solos de danza. Básicamente hay tantas muestras sonoras como solos hay. A partir de una manipulación temporal y tímbrica del material sonoro en vivo, se crea un margen al juego y la variación en cada puesta. La propuesta es que lo sonoro no sea lineal ni apuntalamiento obvio del movimiento, si bien hay sonidos que están trabajados sobre movimientos específicos. Son elementos sonoros de características bien distintas en algunos casos, que habitan un mismo espacio acústico y escénico. Todo esto da la posibilidad al espectador de elegir y asociar sonidos a movimientos, ver y escuchar la trama general o sencillamente percibir el sonido como un relato paralelo, independiente.

Pauta y método para la purga familiar

Ask

Fecha de estreno: 27/05/2017
Lugar de estreno: VIL teatro
Una obra de: René Mantiñan, Diego Towers, Lucía Servera, Chapi Barresi, Casper Uncal, Vuelve en Julio
Basada en: textos de Casper Uncal
Formato: Obra,
Género: Teatro,

Sinopsis

Dos hermanos intentan perpetuar la estirpe familiar. Los invaden los desvelos de su historia. Una foto pintada y el pelo de la prima mas fea que se puede tener. Purgar la familia. ¿Qué realidad, fuera de esta casa, podés ver?

Motivación

La particularidad de este proyecto se relaciona al método y el modo de llevar a cabo el proceso de creación, esto es, la propuesta se basa en la realización de una obra de teatro "desde cero". A partir del interés de los actores y la propuesta del director de hacer una obra en conjunto, y que tuviera la condición de empezar su creación "desde la nada", es que convocan a los demás participantes. Esta idea, que busca apartarse de las formas tradicionales de los procesos de composición teatral, sostiene que cada uno de los integrantes forme parte y se involucre, al mismo nivel, de un modo horizontal en la propuesta creativa. Así es que desde los diferentes roles se aportan ideas, sugerencias, cambios, incluso en relación a aspectos que corresponderían a otro rol; porque se consideran valiosos los saberes específicos y por otro lado no se los establece como incuestionables o inmutables.

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Funciones Especiales

Más sobre la obra

Agradecimientos: Natalia Lucia, Sol Polo, Vi Calvente, VIL teatro, Centro Cultural El Escudo, Mariana del Mármol, Iván Haidar, Natalia Maldini, Constanza Copello.

Reseña colaborativa

Dos hermanos atrapados en una obsesión familiar. Un sinfín de objetos que prometen ser peajes hacia las emociones y vivencias de quienes los utilizaron en el pasado. ¿Podemos elegir a quiénes nos parecemos? Pauta y Método para la purga familiar nos habla sobre el teatro y sus recursos. Sobre la actuación. Sobre la posibilidad de ser esos otros a quienes damos cuerpo al recrear sus vivencias, acciones, diálogos y emociones. Sobre la posibilidad de trastocar el orden del tiempo, hacer presente el pasado o inscribirnos en él. {Mariana del Mármol}

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Pequeña

Ask

Fecha de estreno: 16/10/2012
Lugar de estreno: Auditorio de la Facultad de Bellas Artes, UNLP
Una obra de: Aula 20
Formato: Obra,
Género: Danza contemporánea,

Sinopsis

Pequeña es una obra coreográfica que bucea en algunas ideas relacionadas con los tamaños y las escalas. Pensada para un espacio de dimensiones reducidas la obra está construida a partir de pequeñas piezas que se suceden y se articulan. Cada una de estas piezas se centra en el vínculo de los bailarines entre sí y con algunos objetos de pequeño formato, relación que también se extiende a los músicos que tocan en vivo.

Participantes

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Perderse en Casa

Ask

Fecha de estreno: 02/10/2015
Lugar de estreno: Centro Cultural Rojas
Una obra de: Vuelve en Julio
Formato: Obra, Espectáculo, Performance,
Género: Danza-teatro, Danza, Multidisciplinar, Teatro,

Sinopsis

Perderse en casa, ahí donde las cosas resultan familiares, y las personas se parecen a aquellas que alguna vez fueron. Por esa extraña y particular transformación, casi imperceptible que acontece de forma involuntaria, elegir detenerse a observar para escapar de ese lugar, ese al cual se llega sin entender porque. Entonces irse a otro lado parece ser la única forma de volver a encontrarse en el presente. Tener que frenar el impulso, superar la nostalgia, atravesar el pasado. Como si se alquilara una casa en el medio del campo en donde aislarse de la rutina, pero juntos. Como si fuera la primera vez en que relacionarse es un acontecimiento indescifrable. Como si se constituyera una nueva forma de ser familia. Como si elegirse fuese una opción. Llevarse la casa con los otros, y olvidarse de quienes pudieron ser. Dentro de casa, no saber cuál es el límite para habitarla. Perderse.

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Funciones Especiales

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Esta obra fue realizada mediante los subsidios del Instituto para el Fomento de la Actividad de la Danza no Oficial del Ministerio de Cultura del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires (Prodanza) y del Fondo Nacional de las Artes. Cuenta con producción del C.C. Ricardo Rojas.

Crítica: http://laescenaestaservida.com.ar/notas-para-perderse/

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Permanencia

Ask

Fecha de estreno: 11/08/2023
Lugar de estreno: Teatro Municipal, Santa Fe
Una obra de: Danza

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Pizar

Sinopsis

Obra de danza basada en los poemas de la escritora argentina Alejandra Pizarnik. Su intenso mundo de palabras, el amor por el viento y los espejos, las referencias a la noche, los cuerpos y el bosque como sinónimo de silencio, su fascinación por el surrealismo, el fanatismo por Janis Joplin y Edith Piaf y su amistad con Julio Cortázar, son la inspiración de esta obra que se introduce en el misterio de los miedos, en la idea de escribir para reparar la herida. Tratando de captar su espíritu, desde una atmósfera intimista, con una fuerte propuesta audiovisual, en donde se incluye además un videodanza, Ströme propone combinar las palabras y el cuerpo, los silencios y la respiración, lo real y lo imaginario.

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Funciones Especiales

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Play with Bubbles

Ask

Una obra de: Miguel Luis Ambrizzi

Sinopsis

En Play with bubbles, el acto de hacer borbujas es tomado como un acto de dibujo, donde se puso pigmientos coloridos junto al jabón, para que, cuando la borbuja se explota sobre el papel, deja su rastro, su marca, una impresión. Desta forma hay un registro de una acción colectiva efimera. La acción crea una pintura hecha con la adición de pigmientos en el jabón para que las borbujas sean impresas en el papel que delimita el espacio del juego quando se explotan. Así, el juego que es algo efímero dejará memórias en los jugadores y una memoria concreta. En esta acción de pintura performativa, se cambia el modo de hacer pintura, donde no se toca en el soporte, se pinta con tinta y aire, a través del contacto de la borbuja con la superfície, como un dripping de borbujas que se auto-representan en la tela. Veo el acto de hacer las pompas como un acto placeroso a quién lo ejecuta, sean niños o adultos, pues a través de un sopro o de un movimiento del brazo en el aire, surgen translucidas y brillantes pompas, y cuando utilizados instrumentos más grandes que hacen pompas gigantes, estos movimientos se configuran como una danza. Estubieron disponíbles a los jugadores vários juguetes diferentes para participaren del juego. La propuesta es que, durante este tiempo, los participantes puedan cambiar recuerdos, memorias y ser un momento de diversión, donde todos vuelvan a ser niños por un determinado tiempo del juevo y volver a lo cotidiano con nuevas miradas.

Motivación

Play with Bubbles tiene como orígen la memoria de mi infancia donde jugava con pompas de jabón con mis amigos en la calle de mi casa, y que la cantidad de borbujas que se explotavan en el coche de mi vecino dejaba marcas en la pintura y en los vidrios, dejandolo nervioso. Dentro de un contexto de investigación doctoral, buscamos encontrar procesos de dibujo determinados por transferencias de uso (mecanismos creativos y cognitivos mediante los quales el dibujo presta o adopta padrones de otros procesos, sustituyéndolos en sus própios medios y soportes - Antony Howell) con otros domínios performativos, como la propia acción de hacer borbujas de jabón. Es decir, en la transferencia de uso hay un redireccionamiento que no implica la presencia del cuerpo. El coche no está presente, pero una reproducción en escala real lo sustituye. Los actos performativos peligrosos, de má conducta o penosos son dirigidos a la representación visual, como actos fingidos – cuyo objetivo no se cumple. Esta acción usa el dibujo del coche como sustituto de lo real, donde el juego de la infancia puede ser recordado. El dibujo asume una función performativa, es experimentado como lugar e inscripción de una acción que es como un performativo infeliz. Esta propuesta piensa el juego libre como estrategia de creación para el início del proceso creativo, un juego sin reglas que, a lo largo del tiempo, podrá constituir sus propias reglas y que, a su vez, podrán ser rompidas. Lo que se pretende es iniciar el “juego” a partir de rememoraciones del pasado (como conductas restauradas – Richard Schechner), y verificar como esse “juego” puede ampliar y desarrollarse. La acción es colaborativa, donde los participantes juegan al improviso, es un acontecimiento real, sin ensayos.

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Pletóricxs

Ask

Fecha de estreno: 07/04/2015
Lugar de estreno: Centro Cultural Islas Malvinas
Basada en: Sensaciones y recuerdos infantiles de los actos escolares
Formato: Obra, Performance,
Género: Danza, Performance,

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Popola

Sinopsis

La obra pone en escena un mundo femenino. Se trabajan los clichés del romanticismo en la mujer, imágenes, ideas y elementos que son los supuestamente femeninos. Se manipulan chicles, carteras, zapatos, polleras, corazones, burbujas, talco y una muñeca.Los colores que completan el planteo estético son el rojo, fucsia, rosa y blanco. Partiendo de una primera mirada que puede remitir a lo superficial, subyacen y se revelan aspectos y sentimientos más profundos, que conducen a la emoción. Esto es el resultado de un proceso de creación en el cual se incluyen y desarrollan elementos autobiográficos determinantes en la vida de una persona. Se pueden ver las distintas etapas de la vida: la infancia, la adolescencia, la juventud y la adultez, evocadas a través de las diferentes escenas. Se plantea, a su vez, un “viaje a la semilla” donde se altera lo cronológico y se parte de la adultez para volver a la infancia. Con fuerte presencia de lo visual, se utilizan en lo escénico juegos de transparencias, sombras y proyecciones. En la composición coreográfica el lenguaje de la danza se combina con técnicas del teatro y del circo. Los elementos de movimiento y su tratamiento son los de la danza contemporánea. Por las relaciones que se establecen entre cuerpo-emoción-verbo, y la intención de traducir a través del movimiento imágenes, metáforas, símbolos e ideas la obra se puede enmarcar dentro de lo que es el teatro-danza.

Motivación

"En mi casa he reunido juguetes pequeños y grandes, sin los cuales no podría vivir. El niño que no juega no es un niño, pero el hombre que no juega perdió para siempre al niño que vivía en él y que le hará mucha falta. He edificado mi casa también como un juguete y juego en ella de la mañana a la noche. Pablo Neruda, "Memoria"

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Potencial Múltiple

Ask

Una obra de: Jorgelina Mongan, Sol Massera

Sinopsis

About Cv Talleres Creaciones Contacto Potencial Múltiple es una performance en conjunto con la artista visual Sol Massera.

“Para potenciar lo colectivo, desarticular lo inamovible y rearticularnos entramadxs ¿Qué fuerzas se accionan? ¿cómo hacer visible la acción que genera la reverberancia que genera una acción dentro de esta trama?

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Prehistoria

Ask

Fecha de estreno: 06/12/2016
Lugar de estreno: Centro Cultural Paco Urondo
Una obra de: Valeria Martínez
Formato: Obra, Performance,
Género: Danza contemporánea,

Sinopsis

Prehistoria trata sobre el sabor del tiempo; investiga un abordaje escénico, o performático, centrado fuertemente en la duración en tanto material tangible. Es una práctica física, emocional y poética; un procedimiento expuesto que se vuelve el tema en cuestión. Delicado tratamiento sobre la voluntad de hacer(se) en escena; excava su mismo suelo y deriva en un tipo de objeto duracional, un acontecimiento que invita a cada uno a hacer su propio trabajo. Contemplación de lo bello o lo monstruoso de los procesos más que de las cosas cuando ya están hechas.

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Promenade, recorrido performático

Ask

Fecha de estreno: 08/10/2015
Lugar de estreno: Casa Curutchet, La Plata
Una obra de: Proyecto en Bruto
Formato: Intervención, Performance,
Género: Danza contemporánea,

Sinopsis

Los visitantes, aquí, se dan la vuelta y regresan al interior y se preguntan cómo ocurre todo esto, y comprenden difícilmente las razones de lo que ven y sienten; no encuentran nada de lo que se suele llamar una “casa”. Se sienten en otra cosa del todo nueva. Y… creo que no se aburren.

(Le Corbusier, Precisiones respecto a un estado actual de la arquitectura y el urbanismo)

Una de las premisas básicas de Le Corbusier, es que la arquitectura puede ser vista como una forma de texto que se desarrolla en el espacio. La teoría que construye y manifiesta la Casa Curutchet, y en particular el concepto de cuerpo que esta contiene, son retomados para volver a habitarlos y transitarlos pero esta vez bajo nuevas formas, que permitan dar cuenta de sus apropiaciones. Volver a habitar y descubrir el lugar nuevo, puede conducir a la intromisión de lo inesperado, que llegaría con la fuerza de lo extraño. Los límites entre lo propio y lo ajeno surgidos de este modo adquirirían distintas formas. Comenzarían con la piel del cuerpo, aparecerían en forma de paredes, muros, puertas y ventanas, texturas. Ocupar un espacio es un proceso permanente de producción ficcional que constituye modos de estar en el mundo.

La promenade arquitectónica es la invitación a recorrer un edificio, estimulando en ese paseo una experiencia estética. El recorrido es este elemento de la arquitectura en el que se articulan todos los espacios que componen un edificio. Es una forma secuencial en la que las entidades formales que la integran se vinculan explícitamente por una trayectoria espacial, cuya percepción impone una temporalidad que permite la lectura de una estructura narrativa. La promenade define espacios, ofrece experiencias y contribuye a la forma en que se comprenden las características espaciales de la casa. Para poder ser comprendido, el edificio debe ser recorrido. Así, el movimiento de los cuerpos hace surgir un espacio; el espacio genera y promueve las posibilidades de movimiento. Coexistencia y origen simultáneo del cuerpo y del espacio, en tanto se imbrican y descubren mutuamente.

Motivación

La arquitectura ya no puede ser una unidad homogénea que representa un todo. Tan sólo puede entenderse como una serie de fragmentos unidos entre sí por la persona que los experimenta. La llamada a una arquitectura flexible e interactiva ha establecido un elemento obvio, aunque olvidado durante mucho tiempo, en la proyección y construcción de edificios: las personas. Si la arquitectura solo puede comprenderse recorriéndola, únicamente puede existir si tiene uso. Si apelamos a la planificación urbana para que haga sitio a lo inesperado, entonces ello debe entenderse como un llamamiento a preparar el terreno para la interacción humana espontánea. El usuario es, una vez más, el vínculo entre la idea y la realidad física y el catalizador en la creación del espacio.

(Julia Schulz-Dornburg, Arte y arquitectura: nuevas afinidades)

De acuerdo con Le Corbusier, el desplazamiento configura el orden de la arquitectura. El ojo y la luz son referencias generadoras del diseño, forman parte indispensable de la promenade. Por eso, Le Corbusier se sirvió de rampas, escaleras, puentes y demás pasos de circulación para infundir en sus obras expresividad y experiencias inesperadas. En la Casa Curutchet, la rampa es el eje de la composición. Articula las dos funciones principales, la vivienda y el consultorio, y es el conector entre estas y la calle. Genera una espacialidad continua y fluida, en la que se vinculan lo interior y lo exterior, lo público y lo privado. Espacios que se revelan a sí mismos a medida que el visitante avanza. La rampa recorre los espacios generados por el diseño y las tensiones que surgen en su recorrido enriquecen la idea motriz pregonada por Le Corbusier en sus obras, un compendio de variaciones sensoriales impuestas por la arquitectura. A diferencia de la escalera, la rampa otorga una variación dinámica del ángulo de visión, una dinámica que rompe la imagen de la perspectiva tradicional y la remplaza por una composición de planos superpuestos, entregando al usuario un recorrido constante sin cortes. Las secuencias de planos, la percepción continua e ininterrumpida del espacio, el dialogo entre la geometría y la pulsión son algunos de los componentes de vivir una Promenade. Caminar es una danza alrededor de este espacio, reconectándolo, reexperimentándolo y viéndolo cada vez de una manera diferente

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Proyecto Cero

Sinopsis

¿Hay erotismo en la repetición? Ecos de voces que están, pero ausentes. Caos de ventanas multiplicadas, amuchadas. La soledad rascando las ventanas, golpeando las paredes, los pisos. Goces escondidos a punto de aullar. Siempre a punto. Casi. Nunca. ¿Quién bajó la palanca? Traqueteo de pies acompañando el humo que se vuelve infinito. Movimientos de uno por uno quemando los talones. ¿Cuántas veces se dijeron las mismas cosas creyendo ser únicas? Desatar la furia de otros tiempos. En la madrugada todo parece tan bello y tan vivo y tan irreal. ¿Existen las velas en tus ojos de vidrio? Casi nos tocamos. Con un swing infernal. Pero no. No hay textos posibles. Cero. Una y otra vez. ​ Proyecto ganador de las "Becas a la creación- 2017" otorgadas por el Fondo Nacional de las Artes

Motivación

Proyecto CERO es el despliegue escénico de una imagen urbana: en la ciudad que duerme, algunas ventanas permanecen encendidas. ¿Qué ocurre en el interior de esos espacios? ¿Qué acciones se llevan a cabo, cuáles se repiten? ¿Qué pensamientos rumian sus habitantes mientras se ven mutuamente como náufragos en islas distantes? ¿Cómo la mirada del otro penetra en el interior, qué es lo se muestra si se es consciente de esa mirada? ¿Hace falta una historia? ¿Qué pasa si sólo somos esa acción que repetimos, que mostramos? ¿Hay erotismo en la repetición? ¿Cuántas versiones hacemos de nosotros mismos? Así, el paisaje se recorre a preguntas. A través de un paréntesis nocturno contrapunto del movimiento constante de la ciudad, campo fértil para generar un imaginario que impulsa y cruza transversalmente las dramaturgias textuales, espaciales, corporales y rítmicas propias de un espectáculo que busca reconfigurarse cada vez, escapando del realismo y la narración lineal, apostando una erótica sensible de la escena, una poética furiosa, un roce nocturno que arañe la soledad. ​

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RESEÑAS Y ENTREVISTAS​

Reseña de Pilar Marchiano para la 5ta Bienal Universitaria de Arte y Cultura

<a href="https://gmomoteatro.wixsite.com/gmomoteatro" target="_blank">https://www.facebook.com/notes/5%C2%BA-bienal-universitaria-de-arte-y-cultura/intimidades-colectivas-el-compromiso-del-cuerpo-y-el-trabajo-grupal-en-el-hacer-/1548560531912908/</a>​

Reseña de Jerónimo Buffalo

<a href="https://gmomoteatro.wixsite.com/gmomoteatro" target="_blank">https://gmomoteatro.wixsite.com/gmomoteatro/buffalo</a>​

Reseña de Gustavo Radice

<a href="https://gmomoteatro.wixsite.com/gmomoteatro" target="_blank">https://gmomoteatro.wixsite.com/gmomoteatro/radice</a>​

Entrevista para La Bicicleta de Saturno - Radionauta FM 106.33/10/2018

<a href="https://gmomoteatro.wixsite.com/gmomoteatro" target="_blank">https://radiocut.fm/audiocut/proyecto-cero/</a>​

Nota para el diario "El Día" de La Plata

<a href="https://gmomoteatro.wixsite.com/gmomoteatro" target="_blank">https://www.eldia.com/nota/2018-10-3-2-2-18--proyecto-0-insomnio-y-soledad-en-el-paisaje-nocturno-de-la-ciudad-espectaculos</a>​

Entrevista a Julián Poncetta para No te la puedo believe - Radio Alta Voz FM 87.712/9/2018

<a href="https://gmomoteatro.wixsite.com/gmomoteatro" target="_blank">https://www.youtube.com/watch?v=x6q_BK60HkQ&feature=youtu.be</a>​

Proyecto Orwell

Ask

Fecha de estreno: 21/10/2017
Lugar de estreno: Centro Cultural El Escudo
Una obra de: Valeria Piscicelli
Temas: Ciencia ficción y realidades distópicas.
Formato: Obra,
Género: Teatro,

Sinopsis

“Saber y no saber, hallarse consciente de la verdad y elaborar mentiras cuidadosamente. Sostener dos opiniones contradictorias y creer sin embargo en ambas. Emplear la lógica contra la lógica. Olvidar cuanto fuera necesario olvidar." George Orwell. La verdad y la no verdad. El doble pensar. El crimen mental. La construcción de un enemigo. El odio como herramienta de dominio. El material obsoleto. Los cuerpos compositivos y constructivos. Los dispositivos espaciales, lumínicos y escenográficos. El control. La disciplina. La estructura. La conducta subyugada. Un grupo de personas atrapadas en un sistema y en un espacio que oprime su existencia y la propia condición humana.

Motivación

Obra inspirada en algunos conceptos de la novela “1984” del escritor George Orwell para abordar escénicamente sistemas de vigilancia masiva, manipulación de la información y control social.

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Práctica para ensanchar una línea

Ask

Sinopsis

Práctica para ensanchar una línea utiliza el recorrido como estímulo central de la acción performativa y el espacio público como la herramientas de investigación. La práctica hace un zoom sobre un borde, un margen donde se acumula basura y muchas cosas más. La escena encuentra unos materiales de registro tomados del recorrido, hace foco en la performatividad que sus despliegues y manipulaciones requieren, un devenir donde cuerpos, sonido, texto e imágenes generan un ambiente específico, que se define por sus movimientos y constante hibridación, desafiando el binomio adentro y afuera.

Motivación

es un proceso de creación que se desarrolla en tres instancias: Experiencia, Archivo y Escena. 1. Experiencia Un grupo de performers realizó un ejercicio de observación en el espacio público. Cada performer hizo un recorrido siguiendo un Procedimiento. El recorrido fue seguir la línea que se forma entre el encuentro del cordón y la calle, alrededor de la manzana donde se encuentra el lugar donde vive. Un zoom sobre un borde, ampliar un margen donde se acumula basura y muchas cosas más. Los registros se realizaron en 5 soportes: palabras, audios, fotos, videos y cosas/objetos encontrados que se consideraron valiosos. ¿Qué gestos emergen en este recorte territorial? 2. Archivo El archivo se presenta como el primer lugar de encuentro de los materiales, un espacio virtual que vuelve a la experiencia colectiva. Se compilan y editan los registros de cada uno de los recorridos en una web (textos, audios, fotos, videos y objetos) 3. Escena Práctica para ensanchar una línea, utiliza el recorrido como estímulo central de la acción performativa, y el espacio público como la herramientas de investigación. Devela las imaginaciones implicadas en la acción de observar y adultera esas imaginaciones en una escena. La escena vuelve a encontrar los materiales del archivo, esta vez haciendo foco en la performatividad que sus despliegues y manipulaciones requieren, un devenir donde cuerpos, sonido, texto e imágenes generan un ambiente específico, que se define por sus movimientos y constante hibridación, desafiando la lógica del adentro y el afuera. La instalación de los materiales del archivo en el espacio, son el comienzo de la escena. Una gran línea de bolsas transparentes colgadas sobre una pared, contienen los objetos encontrados. Una imagen proyectada del archivo web, una micro proyección que reproduce fotos. Una pila de procedimientos. Un dibujo de los recorridos. Cada performer reproduce el audio de su recorrido desde su celular, provocando una atmosfera sonora en constante movimiento. Todo un ambiente exterior, reconfigurado en este nuevo espacio interior. Tanto público como performers pueden desplazarse y recorrer el espacio como deseen.

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Pró XY mo

Ask

Fecha de estreno: 28/11/2015
Una obra de: Jesica Josiowicz

Sinopsis

Pieza de improvisación que surge del encuentro de un música y una bailarina. Indaga sobre el desencuentro, la proximidad, la ambigüedad y la correspondencia entre la acción y el sonido como dos ejes cartesianos X e Y que se cruzan y se vinculan. La pieza busca traducir la experiencia de la acción al sonido y viceversa, y los condensa en estados presentes. La temporalidad de los cuerpos y sus seres no constituyen dos cuestiones distintas. Los cuerpos no están ante el tiempo: son el tiempo. El música y la bailarina manifiestan modos de estar anudados a un cierto mundo.

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Quien Habita

Ask

Fecha de estreno: 12/02/2011
Lugar de estreno: Departamento de Artes del Movimiento UNA
Una obra de: Constanza Copello
Formato: Obra,
Género: Danza,

Sinopsis

La Jaula se ha vuelto pájaro, qué haré con el miedo Alejandra Pizarnik

Quien Habita es la relación recíproca entre los sujetos y el espacio que los contiene. Intenta evidenciar la opresión o manipulación a la que puede llegar el sistema visto como contexto. En esta obra el espacio tiene cuerpo, se manifiesta. Genera y modifica a dos seres que habitan en él o con él.

La especialidad aparece personificada por formas lumínicas delimitadas en el escenario que hacen evidente los contrastes entre luz y oscuridad, lo presente y lo ausente, lo lleno y lo vacío. Los personajes sólo existen donde existe el espacio, sólo son donde habitan.

Ellos son modificados y al mismo tiempo modifican re-creando un espacio cada vez, resisten en su estadía. Los seres que habitan en estos espacios reducidos se encuentran encerrados, han vivido toda su vida allí, sienten disgusto, se manifiestan.

Motivación

La composición de la obra coreográfica Quien Habita y la posterior investigación que se desprende de ella, son fruto del proceso de análisis realizado durante el tiempo de cursada de la carrera “Licenciatura en Composición Coreográfica con mención en Danza Teatro” del Departamento de Artes del Movimiento de la UNA y fueron el resultado de la investigación que se presentó como Tesina de Graduación de dicha Licenciatura, rendida y aprobada en diciembre de 2013.

Nombre: Quien Habita: Los sujetos y el espacio, la relación. Un análisis acerca de la relación entre el espacio y los cuerpos que lo habitan a partir de la modificación que generan uno sobre los otros y viceversa.

Autora: Constanza Copello

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Quién te mira quién te ve

Ask

Fecha de estreno: 07/09/2012
Lugar de estreno: Sala del Consejo Superior de la Universidad Nacional de La Plata
Una obra de: Proyecto en Bruto
Formato: Performance,
Género: Danza contemporánea, Performance,

Sinopsis

El juego que propone Quién te mira quién te ve, está dado por ese armar y desarmar escenas, y por el desplazamiento de la mirada del espectador entre esas escenas que se arman y desarman, y el encuadre que la cámara propone en cada momento. Es un juego que devela el artificio del armado de las escenas, tomando con humor el artificio del cine, a la vez que sus condiciones materiales de producción en un contexto como el nuestro.

Motivación

En el año 2012, y a partir de una invitación a participar en el Ciclo de danza “En2tiempos”, organizado por Alejandra Ceriani en el edificio de Presidencia de la Universidad Nacional de La Plata, empezamos a trabajar en una nueva propuesta escénica que desarrollara y pusiera en escena algunas de las cuestiones que habían empezado a atravesar nuestro trabajo, fundamentalmente a partir de Toma 3. Decidimos trabajar con lo que no se ve en escena, con el proceso como parte fundamental del producto, con los elementos que la escena busca ocultar, evidenciando nuestras metodologías de trabajo, la rotatividad de los roles, el uso de recursos caseros y de bajo costo, la combinación de dispositivos digitales y analógicos, entre otras. Así, decidimos montar una obra en la que el público vea el armado de las escenas con todos los accesorios, procesos y elementos que construyen la ficción, y al mismo tiempo vea también esa ficción, la selección propuesta por la cámara para cada una de esas escenas. Se generaban entonces dos universos diferentes, el real de lo que sucede 'en vivo', y el de las imágenes capturadas por la cámara y proyectadas en tiempo real.

Participantes

Funciones Especiales

Más sobre la obra

Quién te mira quién te ve / Bajo la luz de la lupa

Ask

Fecha de estreno: 05/07/2013
Lugar de estreno: Observatorio Astronómico, Facultad de Ciencias Astronómicas y Geofísicas, UNLP
Una obra de: Proyecto en Bruto
Formato: Intervención, Obra, Performance,
Género: Danza contemporánea, Performance, Interdisciplinar, Multidisciplinar,

Sinopsis

Bajo la luz de la lupa presenta un juego entre lo proyectado y lo que sucede en escena, mezcla de imágenes y situaciones que se organizan en distintos puntos del espacio de forma tal que contemplan un todo, compuesto por fragmentos. Mientras que la cámara propone una mirada sobre bailarinas y su entorno, proyectada en las distintas pantallas durante la performance que permiten al espectador ver el proceso de construcción del audiovisual en tiempo real.

Bailarinas, videasta y músico interactuarán entre sí junto a los elementos que recortan el espacio, entrelazan sus miradas y crean nuevas formas, multiplicándose hasta encontrar algo nuevo.

“Quien te mira quién te ve/ Bajo la luz de la lupa” es un proyecto que intenta habitar espacios no convencionales y transformarlos en pos de incorporar los nuevos elementos provistos a explorar. Como por lo general se trata de lugares que no fueron creados ni pensados para la danza o su circuito, se instala una búsqueda por apropiarse de estos lugares a través de distintos lenguajes organizados en torno a la mirada. Los lenguajes propuestos (danza, música, imagen) se combinan en un juego entre lo analógico y digital, lo onírico y lo real, con la creación y proyección de imágenes en tiempo real en espacios simultáneos y en paralelo, permitiendo que el espectador pueda elegir y redistribuir lo visto de un modo activo. Planteamos la construcción de escenas que implican un proceso, como fin en sí mismo. En el armado se intercambian los roles de intérprete y técnico, se reutilizan antiguos materiales y se incorporan nuevos, en la exploración de un modo particular de trabajar, de plantearse el trabajo en grupo.

Motivación

Luego de la participación en 2012 con la performance Quién te mira quién te ve, en 2013, se reitera la invitación a participar del ciclo “En2tiempos”, pero esta vez en un nuevo espacio, el Observatorio de la Universidad Nacional de La Plata. Esta invitación y este cambio de espacio nos llevaron a profundizar lo que habíamos trabajado anteriormente, y a ahondar en la búsqueda estética hacia la cual estos procesos de trabajo nos estaban direccionando.

El espacio del observatorio, como espacio dedicado justamente al mirar, a la observación, y al juego con dispositivos que intervienen sobre la mirada, potenció la pregunta que nos veníamos realizando en ese sentido. La coexistencia, en el observatorio, de diferentes instrumentos ópticos, con diferentes grados de complejidad técnica, dialogaba con el uso de distintos dispositivos tecnológicos con los que estábamos experimentando. Hacia allí dirigimos la propuesta estética, manteniendo el juego en torno al artificio de las escenas, pero abordado esta vez, principalmente desde los artificios de la mirada y los dispositivos ópticos, y jugando en un ida y vuelta entre los diferentes recursos tecnológicos, ópticos, analógicos y digitales.

Participantes

Funciones Especiales

Más sobre la obra

Bajo la luz de la lupa, construye desde sus escenas un todo ficcional, una ficción entendida, de la mano de Jean-Marie Schaeffer, como una ejemplificación virtual de un ser-en-el-mundo posible, donde los límites son constituyentes de la representatividad, creando así un modelo de realidad. Brindándole al público la posibilidad de sumergirse en un universo cargado de poética en un contexto único.

Lucía Belén Merlos. Reseña de "Quién te mira quién te ve / Bajo la luz de la lupa" publicada en el Anuario 2013 de la Prosecretaría de Arte y Cultura de la UNLP.

Disponible en: http://www.unlp.edu.ar/uploads/docs/anuario_2013_de_arte_y_cultura.pdf

Random

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Género: Danza, Teatro, Danza-teatro

Participantes

Más sobre la obra

Recalculando

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Una obra de: Ridículum Vitae
Temas: Humor
Formato: Obra,
Género: Comedia,

Sinopsis

Re calculando es el primer espectáculo de antología del grupo Ridiculum Vitae, estrenado en octubre de 2011y repuesto en 2018. Un variado despliegue de registros humorísticos que incluye desde un fallido homenaje tanguero hasta la impresentable forma de elegir y crear un candidato, pasando por una desopilante crítica a las empresas telefónicas, la presentación de una cárcel modelo, un viajero del futuro y la actuación de un excesivamente modesto grupo de folklore. Gran número de personajes y estilos musicales como el tango, bolero, ska, folklore y candombe entre otros, ejecutados en vivo por los cuatro actores, con una cuidadosa puesta en escena.

Reseña Colaborativa

Humor y música, dos recursos de los que se valen los intérpretes para llevarnos de viaje por una variada cantidad de historias alocadas. Si a esa mescla sumamos la originalidad y el trabajo imaginativo para valerse de variedad de paisajes en un espacio vacío de escenografía, tenemos la ruta perfecta para disfrutar una buena noche. (reseña colaborativa por Alejandro G Lonac)

Participantes

Más sobre la obra

Recurrir al tiempo

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Una obra de: Jorgelina Mongan

Sinopsis

Intervfención performática en el marco de la Bienal de Arte de la ciudad de La Plata 2016.

Participantes

Más sobre la obra

Relato de acción

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Fecha de estreno: 18/11/2012
Lugar de estreno: Estudio de Artes, San Telmo, Ciudad de Buenos Aires
Una obra de: Colectivo Incandescénico, Martín Gil

Sinopsis

Puesta en funcionamiento de tres cuerpos que se mueven en relación a pautas pre establecidas dentro de un circuito o mapa espacial. Cada uno de estos cuerpos ya posee un discurso, pero al relacionarse en el mismo tiempo y espacio generan nuevas situaciones, texturas físicas y sonoras que deambulan a través del relato momentáneo de lo que hicieron, lo que están haciendo, más aquello que les gusta hacer.

Motivación

La motivación de trabajo fue una propuesta que Martín Gil realizó a su grupo de trabajo. Breve descripción de la propuesta: Un cuerpo que se pone en movimiento, en un espacio: ¿Bajo qué parámetros, ideas, o pautas se mueve este cuerpo? ¿Cómo construir un relato de acción, una trayectoria dramática, una construcción escénica, que inicie o tenga anclaje en este modo de mover y estar de este cuerpo en el espacio? He aquí mi interés principal, como encontrar material guiando a un intérprete para llegar a una fuente potable de información, sin la necesidad de imponer un material externo a él y al momento creativo. ¿Cómo encontrar la pureza de un movimiento? Si pensamos en el movimiento como acción concreta y directa, sin ningún tipo de estilización o representación de este, teniendo en cuenta todas sus cualidades como peso, dinámica, espacialidad y tiempo, siendo conscientes de la cantidad de masa corporal que se pone en funcionamiento para llevar a cabo el mismo, deberíamos encontrar el núcleo puro de cada movimiento con todas sus cualidades. Una vez encontrados estos movimientos: ¿Cómo generar situaciones o mecanismos de relación entre los cuerpos sin perder la pureza encontrada en cada movimiento? Encontrando el modo de dar protagonismo a estas situaciones dejando en un tercer plano al sujeto, intentando evitar que éste afecte previamente al movimiento. Otorgándole de esta manera lugar al espectador como receptor activo, interpretando su propia lógica de sentido dentro de lo que observa, escucha y siente. La investigación que dio como resultado a “Relato de Acción”, se desempeña a través de 11 situaciones, cada una de ellas detalladamente pautadas, ejecutadas por tres intérpretes que comparten el mismo tiempo y espacio, sin interferir una en la acción de la otra. “Relato de acción” surge como una idea del director. La coreografía es una propuesta de las intérpretes bajo propuesta y dirección de Martín Gil. La dramaturgia y montaje de la obra corresponde también al director.

Participantes

Funciones Especiales

Más sobre la obra

Residencia Artística a cargo de Florencia Olivieri y Mariana Estévez

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Fecha de estreno: 29/11/2015
Lugar de estreno: Parque Castelli
Una obra de: Mariana Estévez, Florencia Olivieri

Participantes

Más sobre la obra