Propiedad:Sinopsis
De Nodos
Esta es una propiedad de tipo Texto.
H
Santiago tiene unos 40 años, acaba de empezar una relación con Clara y no sabe si entregarse una vez más al amor. Su pasado vuelve con fuerza sobre su memoria para recordarle que se puede amar y también infundir deseo de morir. ¿En nombre de quién nos proclamamos salvadores de la vida del otro? Parado a la mitad de su vida Santiago se debate entre el miedo y el deseo de vivir. Dos fracasos a cuestas, dos mujeres diferentes y un mismo círculo que se cierra. Las preguntas se vuelven sobre él, desde las antípodas las mujeres de su vida le devuelven un mismo reclamo: la sensación de no existir a su lado. +
Habitación Ventana, se realizó en el marco de [[Máquina para vivir, Intervenciones en la Casa Curutchet]], Intervenciones en la [[Casa Curutchet]], busca generar interrogantes sobre el cruce entre danza y arquitectura mediante la utilización de espacios no convencionales, como nuevas formas de habitar dichos espacios para ambas disciplinas.
El ciclo fue coordinado por [[Constanza Copello]] y [[Juan Trinidad]], y participaron del proyecto de intervención un grupo de artistas, cada uno presentando una propuesta diferente en una parte específica de la casa que el arquitecto Le Corbusier diseñó en la ciudad de La Plata.
Una misma temática atravesará todas las propuestas, basada en el cruce o dialéctica de dos conceptos claves: el del funcionalismo del Arquitecto que diseñó de la casa y el de No Lugar de Marc Augé. Mediante este cruce, se buscarán formas diferentes de pensar y habitar los lugares específicos de la casa a intervenir.
Cada artista realizó una pieza compositiva de corta duración en un lugar específico de la casa, todas las piezas convivieron proporcionando uno o varios circuitos de observación. Se utilizaron tanto espacios amplios como reducidos, creando formas diferentes de abordar el movimiento, y a su vez, diferentes percepciones entre los espectadores que estuvieron tanto en grandes grupos como pequeños, y donde fueron responsables de lo que observaban, pudiendo elegir dónde poner el foco de atención basados en su propio interés. +
Lxs que coordinamos el Festival [[Danzafuera]], nos preguntamos sobre la calle, sobre los cuerpos habitándola y qué pasa en esa relación: sus formas, sus maneras, su historia y su contexto. Pensamos en sus límites, la distancia entre el individuo y la comunidad, sus códigos y constitución. El dónde y hasta dónde de los bordes. Qué pasa en el intercambio a partir de esas ideas, cómo se gesta una acción, lo que nos atraviesa y nos afecta en esta coyuntura. En qué se puede pensar, reflexionar y compartir cuando pensamos la calle, la de todos los días, pero en otro tiempo. Lo público y lo privado, lo visible y lo invisible. Dónde está el foco y cómo se le puede dar entidad a una idea.
¿Cómo nos imaginamos una intervención hoy en La Plata?
Queríamos abrir estas preguntas, entonces convocamos a un grupo de artistas de diferentes disciplinas y con deseos de compartir un espacio de investigación durante tres meses para la creación de intervenciones urbanas. +
“Hacia la Contemplación” es la muestra de un proceso de construcción colectiva en el que la improvisación es considerada dinámica compositiva.
Es una obra que nos invita a formar parte del encuentro de nuestro espacio perceptible más receptivo; a través de la meditación activa con el público. Está sujeta a variantes de tipo formal como son la energía, el tiempo y el espacio determinados. Nuestra estructura está puesta en la organicidad de un relato que entrelazan la música y la danza, sobre los cuatro elementos y el tránsito energético del cosmos.
El desafío es lograr la agudeza psico-emocional para abarcar este proceso. Ya que la auto-exposición a lo largo de toda la obra es tan particular; podríamos encontrarnos en nuestro interior así como en el contexto al mismo tiempo. Comprendiendo un poco más el gran factor de causalidad que nos empuja.
Cultivando nuestros diferentes cuerpos, sumergiéndonos en los elementos y sus dinámicas, atravesando las peculiaridades individuales, habitando el espacio y el tiempo, limpiándonos y llenándonos, para realmente poder CONTEMPLAR. +
Hansel y Gretel eran hijos un pobre leñador. Eran una familia tan pobre, que una noche la madrastra convence al padre de abandonar a los niños en el bosque. Hansel oyó esto por lo que comento a su hermana que con el pan que le daba su madrastra alcanzaba para señalizar e camino de vuelta. Solo que cuando empezó a oscurecer quisieron volver y no pudieron porque una paloma se comió las migas, muy contenta creyendo que la estaban alimentando. Luego quiso enmendar su error y no hizo más que llevarlos a la casa de chocolate donde habitaba la malvada bruja. Allí la bruja encerró a Hansel en una jaula y ordeno a su hermana que lo alimentara hasta verlo bien gordito y podérselos comer. Una vez engordado la bruja manda a Gretel a calentar agua en una olla muy grande y le ordena a ella meterse adentro. A ver que la niña no podía la bruja le enseña como meterse y cae ella en su misma trampa. Los niños salen de la casa y se encuentran con la Paloma que esta vez los ayuda a volver a su hogar y reencontrarse con su padre +
Quiero rescatar lo que edificaron y defendieron nuestros abuelos, como el mío, Haroldo Logiurato y los 30.000 compañeros detenidos – desaparecidos. Con un espíritu revolucionario, con ideales democráticos y sobre todo con inmenso amor hacia la familia y hacia el pueblo Argentino y Latinoamericano, con una gran conciencia de unidad, fuerza, solidaridad y libertad, para volver a sembrar en la misma tierra ese espíritu en nuestro presente.
Yamila Cruz Valla (Nieta de Haroldo Directora)
…La memoria es una interpretación del pasado que sirve para comprender el presente… +
Los grabados "Los desastres de la guerra" de Goya son el disparador tragicómico para sumergirnos en las máscaras que han tomado la dicotomía que nos atraviesa de cabo a rabo en este sitio: civilización o barbarie. +
La bailarina, completamente desnuda, sostiene un vestido blanco semi-traslúcido. Como en un truco de magia, ella consuma una aparición a través de su propia desaparición. +
En el año 17 el río, el mar, el bosque, lloraron sangre. Vení a encontrar eso que también somos. +
Hércules y el fuego del Olimpo muestra como los mortales consiguieron el fuego, prohibido para ellos por los dioses. La experiencia reúne, tomando como eje el mito de Prometeo, una amplia gama de personajes de la mitología griega. +
I
Ausencias percibidas. Cuerpos que se buscan, memoria que se encarniza como huella. La identidad se completa con el otro..
Actor y bailarina, Rey y Reina juegan esta “partida” en un tablero de nueve casilleros. El tablero los reúne y los separa al mismo tiempo. El tiempo ordena y construye un juego preciso de sincronía y desfasaje entre movimientos y acciones. Los personajes no se encuentran, o tal vez el encuentro exceda lo puramente físico material, el encuentro atraviesa los cuerpos en el tiempo.
Bailarina: Florencia Olivieri
Actor: Jerónimo Búffalo
Música: Alejandro Santucci / Mauricio Silva
Escenografía e iluminación: Martín Galle / Leandro Mosco. MATE Espacio de producción
Vestuario: Esteban Licht
Fotografía: Sofía Marcos
Diseño en Comunicación Visual: Paula Dreyer
Asistencia de dirección: Leonardo Basanta
Dirección y Puesta en escena: Jerónimo Búffalo / Florencia Olivieri
Producción general: DO2 Experimentación escénica +
La creación literaria, ese campo creativo y abstracto donde el autor construye el relato, define el espacio escénico donde cuatro personajes sufren la escritura y reescritura de sus “vidas”.
El escritor, como un “padre” omnipotente creará y destruirá las condiciones de existencia de estos cuatro personajes que parecieran buscar y necesitar, una definición en sus vidas. +
Inside Tango es un espectáculo en el cual el autor deja convivir sus dos mundos: el del Tango Show y el de sus líneas sensibles y expresivas. Un espectáculo de trazo libre donde se abre a su debate interior y lo enfrenta dejándolo convertirse en obra. Para lograrlo se sirve de músicas de todos los tiempos y estilos, el espacio libre y alterado, los cuerpos en estado limpio y algunas historias profundas, muy tangueras, que sirven de guía para ordenar sus emociones. Ada Falcón, Agustín Magaldi, la Gricel de Contursi, Tita Merello y Sabina Olmos le prestan sus dulces y dramáticas historias para fracturar el show y crear un espacio íntimo. +
Proponernos transformables y transformadores,
desconocer para investigar. Abrazar y atravesar diversos modos de
producción, experimentación y exposición. +
Instancia “DES”: DESJERARQUIZAR / DESINDENTIFICAR / DESORGANIZAR / DESINTERPRETAR
“Des” en el hacer o práctica como estrategia para habilitar nuevas experiencias, movilidades y relaciones: desandar hábitos, des-conocer, des-vincular, des-organizar, no componer, no ser funcional, des-atender, inhibir, des-interpretar o re-interpretar.
Planteamos este trabajo como primera instancia con el objetivo de desandar ideas o saberes previos en un intento de construir una base común que nos convoque principalmente desde la pregunta. Se generó un estado de “no saber” propicio para el descubrimiento de nuevas maneras o modos, una actitud frente a las prácticas que continuó resonando en las instancias siguientes.
Observaciones y problematizaciones:
¿Es posible hacer esta operación verdaderamente? ¿Cuál es el grado máximo de “des” que se puede alcanzar? ¿Cuáles son sus límites, o los nuestros en este esfuerzo? ¿Qué cuestiones se escapan al “des”? Hay ciertas leyes físicas, conformaciones biológicas y patrones de pensamiento que parecen no ser modificables, ciertas permanencias inevitables. Es en el encuentro con esos límites, que aparecen como evidentes, donde justamente surgen un estado y un esfuerzo fructíferos para la investigación.
¿Si todo es “des” cómo no paralizarnos, qué nos hace avanzar o movernos? Parecería que es la pregunta una constante que nos moviliza y que de todas maneras sucede cierta organización de relaciones y tensiones dinámicas en un momento y contexto dado (¿composición?). Se produce en este esfuerzo de “des” una ruptura en los vínculos -con los otros y con la situación- en el sentido en que los concebimos. Esto nos parece muy interesante para generar nuevas posibles relaciones. Observar cómo, hasta en situaciones de no-vínculo o dadas sin el foco puesto allí, continúan presentándose para el observador lecturas vinculares, a veces disonantes o surgiendo de tensiones entre aparentes solipsismos. A su vez en cada cuerpo se hace visible un nivel de intensidad, concentración y exacerbación de la subjetividad que contribuye a la composición, un entramado sofisticado surgido en esta convivencia de dramaturgias individuales.
"Cuatro actores conviviendo en un espacio cerrado y ominoso, perdidos en el tiempo, buscan de forma obsesiva crear la mejor obra de teatro de la historia." +
El festival convocó a artistas de diferentes disciplinas para que trabajen juntos durante cinco días en la investigación y construcción de una intervención en el espacio público.
Un grupo de diez artistas que no se conocen se unen para proponer un recorrido por las calles de la ciudad. Modos de habitar la ciudad, de estar juntos en el espacio urbano. +
La puesta plantea la yuxtaposición de dos sistemas: un cuarteto de bailarines que propone un cuerpo normado que estalla y deconstruye danzas folkóricas como el minué, la chacarera, una vidala, zapateos; y un dúo conformado por un violinista y una performer que se relacionan a partir de una silla circundando el espacio de la realización escénica. Ambos sistemas de cuerpos colaboran entre sí funcionando el dúo como el alter ego del cuerpo del cuarteto. En el transcurso de la realización escénica es la performer quien va rompiendo el equilibrio de estos sistemas para dar paso a una nueva división signada por el goce femenino. +
Se trata de una caminata de protesta ficcional donde no se abogan los derechos de los individuos, esa ficción capitalista, pero más bien los derechos de los cuerpos, enquanto cuerpos singulares integrantes de la multitud. +
J
El espectáculo están enmarcado en una charla motivacional de cuatro doctores fundadores de una clínica de rehabilitación para improvisadores. Felix Demarchi, Esteban Medina, Marisa Tetacho y el Profesor Seisdedos aman y defienden el teatro convencional y creen, sin lugar a dudas, que la improvisación es una enfermedad que les arruina la vida y la carrera a los actores. Para mostrarle a los "oyentes" lo que es y significa improvisar realizan una demostración de impro recomendando que no repitan eso en sus casas.
Mediante esta pantalla ficticia intentamos mostrar nuestra opinión sobre la improvisación teatral y sobre los grupos de improvisación; ponernos en la voz de aquel público que prejuzga el género; parodiar a los actores tradicionales que consideran esta técnica como algo menor. Incluso este último punto se puede aplicar a los mismísimos improvisadores.
Nuestro objetivo es contar dos historias a partir de la técnica de improvisación, intentando hacer foco en la dramaturgia, en la estructura narrativa y en los estilos. +
Dos mujeres solteronas conviven. No tienen otra compañía, no tienen otra posibilidad dada su condición económica. La rutina organiza sus vidas en torno al horario del teleteatro de las cinco de la tarde. En los últimos cinco años han seguido embelezadas todas las tiras donde trabaja Mariano Rivas.
Un día toman una gran decisión, por primera vez en sus vidas intentan hacer reales sus ilusiones y van en busca del actor que las hace suspirar cada tarde.
Lo raptan; por primera vez seducen, tocan y besan un hombre. El joven maneja la situación con sólo hacer un gesto de galán.
Pero ellas descubren que no quieren nada de él en vivo y en directo, sino al personaje de telenovela del otro lado de la pantalla. Es entonces, cuando el ego del sexy fatal se desmorona +
Cuatro mujeres se encuentran en un lugar por el que alguna vez pasaron. Se vuelven a ver, se reencuentran, como eran antes y como son ahora. Ellas no son la misma ni se parecen en mucho, pero comparten la experiencia de reconocer, en el mismo lugar, hoy algo de ayer.
Se trata de entrar, notando lo sutilmente particular del paso de cada una de ellas. Volver a atravesar una puerta, volver a habitar un cuarto, reconstruir recuerdos de cómo era aquel lugar y darse cuenta que todavía es.
En la obra se aborda la relación con un espacio por el que se ha transitado antes. La experiencia de volver a un mismo lugar. Lo específico y particular de la manera en la que cada una experimenta el reencuentro con otras personas con las que alguna vez vivió en ese mismo lugar.
'''Texto que figura en el programa de mano:'''
Carga la ventana
La posibilidad
De abrir
La pared
La responsabilidad
De sostener
Y la tragedia
De limitar
Como la piel
Que no deja ver
Ni de ver
El equilibrio
Del contrapeso
Y la tensión
La gravedad
De sostenerme
Y sostenerlo
Todo.
Con la rigidez
De la forma
Aunque de curvas
Esté hecho
Mi cuerpo
Erguida
Cuando no
Me chorreo
En bajada
Caerse
Es el final
Dejarse
Sostener
En el lugar justo
Con vos. +
L
obra autoreferencial de danza o preguntas sobre la feminidad.Existe un reflejo opuesto frente al molde hegemónico? Lunseslo se sumerje en un proceso de dualidades, ambiguedad y complementos en una búsqueda por complejizar su propia femineidad. +
La Contemplación de un Poema en Espera.
Obra de Marina Lanfranco, Producción de FantasmaDanza Cía de danza contemporánea
Es tiempo de otro tiempo, de contemplar con el deseo.
Con los ojos puestos en todos los sentidos. Con los sentidos a flor de piel. +
Durante una mañana en un pueblo de la provincia de Buenos Aires, los hermanos Heredia vivirán un episodio extraño que les sacude la tranquilidad de sus días. Un accidente dudoso en el frente de su casa, desata una serie de situaciones y estados diversos: del amor al odio, del realismo al absurdo, de la risa al horror.
Un velorio, varios secretos, una deuda y muchos interrogantes, tejiendo la trama de esta comedia dramática. +
Dos hermanas dan vida a una casa y, entre cartas, recuerdan su historia, volviendo a la patria de su infancia y desde allí, reconstruyendo esas vidas cargadas de amor, odio, frustración y dependencia.
Las mujeres de esta historia, logran romper el tiempo, trayendo al espacio a todas las protagonistas de sus memorias. +
Una obra, una performance, una fiesta de casamiento donde el público participa como un invitado más de la celebración. Treinta artistas en escena convertirán la noche en una velada única.La Fiesta de Casamiento es una obra performática del grupo Vuelve en Julio en la que se recrea una fiesta típica de casamiento argentina. La particularidad y novedad de esta obra es que la misma transcurre durante una fiesta de casamiento en la cual los espectadores son los invitados a la fiesta. En esta fiesta se casan Diego y Clara. Al llegar cada uno de los espectadores adquiere un rol de acuerdo a la ubicación en el salón de la fiesta: primos o tíos del novio o de la novia, la familia más cercana, amigos de él o amigas de ella. De acuerdo a este rol, diferentes actores que estan dispuestos entre el público interactúa con los invitados.La obra transcurre en todo el espacio y el espectador debe involucrarse para poder obtener las diferentes partes de la historia. En esta obra participaron más de 30 actores por función. +
LA GUARDIA NUEVA es una obra que fusiona danza contemporánea y tango inspirada en la época en que el género alcanzo madurez, refinamiento y difusión internacional. En una progresión que inicia en la década de 1920 donde los valses y el tango canción fueron protagonistas, la obra comienza con un tinte contemporáneo y nos lleva gradualmente hacia el lenguaje tanguero llegando a la “Edad de Oro” del tango de las décadas de 1940 y 1950
La Guardia Nueva revive las grandes orquestas que conquistaron al mundo, como la de Julio de Caro, Anibal Troilo, Francisco Canaro, Juan D'arienzo, Alfredo de Angelis y nos trae emblemáticas voces como las de Ada Falcón, Francisco Fiorentino, Jorge Casal, Julio Martel, Carlos Dante, Alberto Podestá y El Polaco Goyeneche. Estos tangos se actualizan hoy de la mano de 360, una compañía joven con un lenguaje coreográfico que, respetando las raíces del tango, se abre a diversos movimientos que permiten expresar aquellos profundos pesares, amores y sueños que el tango nos supo contar. +
En una sala completamente a oscuras los actores y actrices evocan mediante sonidos sensaciones y olores una atareada oficina llena de empleados, agotados de la misma rutina y las órdenes del jefe. Pero ante una emergencia, este señor que los vigila se va y abre las puertas a una serie de historias donde la imaginación nos hace volar por diversos escenarios de aventuras por los que se perfila el miedo, la lujuria, la intriga, el exotismo y la alegría. +
Agitar los músculos, bucear en las estrías del pasado, anclarme en el olvido, la primera herida ¿Se puede borrar? Sacudir las partes, rascarlo todo, agujerear la piel para sacudir, de nuevo, la carne. +
En el marco del Día Internacional de las personas con Discapacidad, el 3 y 4 de diciembre del 2010, se realizo el Festival de Arte e Integración en el Auditorio Namuncurá, donde la Compañía EnCuerpo se presentó por primera vez en escena con la obra " La Leyenda del Algodón", espectáculo de danza y multimedia. +
La maravilla surge a partir de una exploración grupal e individual sobre las posibilidades del cuerpo en escena. En este caso, ocho mujeres adultas, con diversas experiencias corporales, dialogan y ponen en juego categorías estancas sobre los límites y posibilidades de la danza, el cuerpo y la belleza.
Teniendo en cuenta las particularidades de éstos cuerpos adultos mayores, atravesados por la historia, a veces en relación con la danza y otras no, el lenguaje de la obra se torna diverso, en la medida que cada una de estas ocho mujeres explora y desarrolla un estado físico- emocional particular. A su vez, estos estados individuales expresan diferentes puntos de vista sobre una misma cosa, ya que en su origen, se desarrollaron a partir de un material de movimiento común, desde el cual cada una de las intérpretes creó su solo. La obra surge de esta exploración, esencialmente física, por ello no hay un discurso corporal único, sino una multiplicidad de versiones y traducciones ligadas singularmente a la historia personal que ha tenido cada intérprete con el movimiento y el cuerpo.
Como resultado, la obra es un “muestrario” de posibilidades e imposibilidades, de tensiones y distenciones, donde cada una de las bailarinas viene a decir sobre su historia tanto cómo sobre la historia colectiva. Porque cada cuerpo que allí se presenta, está cargado de relatos, sentidos y contradicciones, que salen a la luz desde el momento que aparece la danza. +
Corre el año 2022, y la Argentina se parece demasiado a sí misma. Villas no quedan muchas; La Martín Fierro tal vez sea la última del país. Hay una causa primera: evitar el desalojo secuestrando el hijo del empresario"El cuerpo como barricadaCuerpo ficción: cuerpo cansado, destruido, cuerpo sin límites, cuerpo sin más geografía que lo contenga que los sentidos, expectantes, puestos al servicio de eso que se desea contar.El desalojo: montaje caprichoso, puesta en escena sin sentido de la estética y el buen humor. Montaje que se repite desde la sangrienta campaña al desierto hasta los chaperíos quemados y baleados de los conventillos y luego villas del aquí y ahora. Y del mañana.La mascarada que sigue generando promesas y artilugios que sólo dan una escena de muy mal teatro.“Esto es ficción y entonces, acá triunfarán los pobres" +
Un cuerpo inmenso conformado por muchos cuerpos irrumpe las inmediaciones de una Usina Eléctrica abandonada. Ellos dialogan entre sí y con el entorno, ¿Qué es lo grupal?, ¿cómo se construye el individuo en un contexto compartido?, Los cuerpos, constantemente modificados por el espacio, son una construcción, tanto nuestra como de los otros. +
¿Cuál es la imagen para un cuerpo atravesado por una ola?¿ Cómo nada?¿Cómo todo?
¿Y si no existiese una orilla? +
La pelota celebra la existencia de los cuerpos en movimiento, el comportamiento físico, la entrega, el riesgo, la generosidad, el amor, como también la catarsis, la monstruosidad, la pasión mezclada con la violencia que proporciona el juego de pelota.
Coproducción: Teatro del Perro- Apoyo Galpón Face- Proyecto residente del Laboratorio PRODANZA 2017 +
El barrio experimentará una transformación... La toma de tierras, el feminismo, la inmigración. Las instituciones como la iglesia y la familia, entre otras, se pondrán en cuestión. No sabemos qué pueda pasar pero con seguridad nada va a ser igual...
==Reseña Colaborativa==
La Reforma Barrial es una obra en donde los muñecos, aparentemente inanimados, cobran vida para contar y representar algunas de las problemáticas que nos atraviesan hoy en día, haciendo particular hincapié en la desigualdad y estigmatización de diferentes grupos sociales.
Por Mora Carrizo
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[[Archivo:La reforma B-6.jpg|thumb|right|320px]]
[[Archivo:La reforma B-7.jpg|thumb|right|320px]]
[[Archivo:La reforma B-8.jpg|thumb|right|320px]] +
La obra aborda la temática del crecimiento de un niño en un pueblo de la pampa a mediados del siglo pasado (1933 a 1944). Los prejuicios, la doble moral, la violencia, la sexualidad, el chisme, la estructura familiar son tópicos claramente distinguibles, que se despliegan en, la presentación de multiplicidad de personajes que componen la realidad del polvoriento pueblo. Toto, o Manuel Puig, ya que la novela es autobiográfica, ante una realidad tan hostil (según el decir del mismo Puig reporteado: “la vigencia total del machismo”) le otorga entonces a lo que sucede en el cine estatus de realidad y se refugia en ella para sobrevivir.
Los procedimientos llevados a cabo para traducir los géneros que propone la novela como estructura narrativa (pensamientos, cartas, chismes, diarios) a lo teatral, constituyeron una fuerte investigación sobre las posibilidades del lenguaje. Lo cinematográfico también aparece como material a incorporar y su fusión en imagen y acción genero posibilidades en el juego escénico. Asimismo el tono íntimo subjetivo que proponía el material, era un interés diagnosticado por el grupo, que influyo en la elección del plano literario dramático y que atravesó todo el trabajo. El discurso de género y de identidad sexual constituye un eje vertebrador de las temáticas que se desarrollan en la obra.
“ ahí estaba aceptado que haya fuertes y débiles, lo que daba el prestigio era la prepotencia, lo que realmente hacia respetar a alguien era que grite, yo trate de ignorar esa realidad y en cambio tome el cine como mi realidad,,,el pueblo era como un western al que yo habia entrado, una película que no me gustaba y de la cual no podía salir” fragmento de entrevista a Manuel Puig por la TVE que forma parte de la propuesta escénica. +
Palabras del autor sobre la obra ¿Por qué la Vagina Enlutada?:
La idea de escribir esta obra surge de escuchar el relato de muchas mujeres convencidas de que ya no es posible creer en el amor o en la vida en pareja. Frustradas, nostálgicas, reprimidas, ilusas, o bajo una aparente autonomía, ellas se reúnen para compartir su desazón, quizá con la esperanza de que algo cambie al revelar sus secretos. Aún les cabe la lucha. Comprender que las conductas de repliegue sólo sirven para otorgar el triunfo a los modelos arcaicos de la feminidad. Basta de estar crispadas, resentidas, dolidas por lo que no fue, ocultando las lágrimas tras los anteojos oscuros de la tristeza y la derrota. +
Una mujer sola y abandonada, espera el llamado del hombre que la abandonó. Mientras tanto, se viste de ansiedad, desolación y angustia. Al concretarse el llamado, aparece la voz del otro lado: él le genera cambios de actitud por los distintos argumentos que desarrolla: desde el engaño hasta la palabra más amable. Entonces ella, mientras mendiga una esperanza, recibe las mentiras que la hieren y siente las verdades que la matan. Un monólogo de una mujer que no puede cerrar las puertas del pasado, que se aferra a una ilusión y que no acepta el abandono. La tensión se mantiene hasta el final, creando una atmósfera cargada de cinismo, crueldad y desamor. +
La obra cuenta la historia de Bernarda Alba, una mujer que decide llevar el duelo más riguroso después de haber enviudado por segunda vez, condenando a sus cinco hijas al encierro y la opresión de la casa familiar. +
En tiempo y espacio indeterminados, cinco seres conviven con la alineación. Entre las fisuras de la aparente perfección mecánica la humanidad puja por encontrar la luz +
“La forma de dos” es una obra que se pregunta por el lenguaje e intenta encontrar modos de hablar a través del arte. Es el resultado de un proceso de investigación grupal, donde usamos el escenario como un espacio para indagar la forma, tratando de comprender cómo se presentan los cuerpos, los objetos, los sonidos, los olores y las palabras en escena. En esta experimentación fuimos conjugando diferentes disciplinas artísticas (danza, teatro, poesía, instalaciones con objetos, sonidos), las pusimos en contacto y establecimos diálogos entre ellas, de los cuales surgieron significados propios. A partir de esta mutación y mezcolanza, construimos una obra que rompe con la estructura de relato lineal. En “La forma de dos” hay desorden, las imágenes aparecen a veces superpuestas o en simultáneo, pero en el escenario las asociamos nosotros o el espectador dándoles nuevos y múltiples significados. Este proceso creativo continúa en escena y surgió de tomar el vínculo como un problema sobre el cual podíamos reflexionar. Nos pusimos a pensar sobre los vínculos que establecemos con las cosas, con otros seres, con el mundo. Nos preocupamos por poner el acento en los sentidos y averiguar cómo, a través de ellos, conocemos y tomamos contacto con lo que nos rodea. Exploramos los modos en que se construyen esas conexiones y que acepciones van ocupando en la obra. +
Sobre la obra: Ganadora del CONCURSO NACIONAL DE ACTIVIDADES PERFORMÁTICAS EN ENTORNOS VIRTUALES del INSTITUTO NACIONAL DEL TEATRO. Sinopsis: “La invención de mi belleza” es un monologo acerca de un hombre que ante el dolor y las heridas ocasionadas por la perdida, ha decidido crear a lo largo de su vida universos ficcionales como fugas hacia la belleza. Filosofa y delira en su fantasía, cuestiona su modo de existencia, así como el modo de existencia del mundo, según los patrones culturales hegemónicos. Indaga paisajes inciertos, pasiones, obsesiones y sueños queriendo encontrar la casa, el nido, la herida y la cicatriz. Reafirma a la creación como un acto sublime, que paradójicamente le da libertad y también lo condena. +
¿Se puede hacer un inventario de una vida? ¿Qué queda? Hay una mujer: Ángela. Durante años juntó: fotos, objetos, escritos, retazos, proyectos inconclusos, en fin, la lista es larga y variada. No sabía bien qué buscaba con todo eso. Hacía performance en el living de su casa. Una noche alguien le preguntó: ¿cuál es el momento en que uno se desprende de sus fotos más queridas? Ella no supo qué contestar. Hasta que llegó el día de despedirse de todo. Vaciar la casa. Dejarse atrás. Apretar delete. Ángela camina liviana y fresca, escuchando los zorzales, no sabe hacia dónde va. Ya es de día, y tiene ganas de ver el río. De sentir el sol en la piel. Sonríe. Y sigue caminado hasta desaparecer.
Ángela es actriz bailarina performer videasta fotógrafa poeta, es todo aquello que quiera por voluntad de ser. Una mujer que se inventa a sí misma, utilizando lo que poco que tiene, lo poco que queda. En medio: el paso del tiempo, la memoria como un mapa inestable y un hecho creativo, la pregunta recurrente por el proceso de construcción de una obra. Si la obra es el proceso ¿cuando termina? ¿Cuando un proyecto inconcluso deja de serlo? ¿Se puede pensar en una obra interminable que se construye a través del tiempo, las transformaciones de los cuerpos, de los deseos? ¿Sería un paso del ser al devenir? Es un relato hecho lapsus, ausencias fugaces, intuiciones. Un relato fragmentado, sin orden causal ni temporal, sin un sujeto cerrado que lo controle y lo dirija, marcado a su vez por la intermitencia con que la memoria va convocando sus revelaciones sobre el pasado. En esa deriva, aflora una mujer en su inconsistencia e imprevisibilidad. +
Raspa el pasado,
lo borra.
Deseo de encastre
persistente en la práctica.
Hacer y dejarse +
En "La reververancia de la materia" se trabajó con objetos electrónicos sonoros creados y manipulados por Laura Molina y Miguel Angel Lorenzio. Dichos objetos dispuestos en el espacio sobre materiales reverbarantes, generaban a través del cuerpo de la intérprete la posibilidad de hacer visible los
sonidos circundantes. +
Una mujer, cuya vida se encuentra atascada en el tiempo, expresa su locura y su peligro. La figura avasallante de su madre la mantiene sumergida en el pasado. El regreso de una hermana ausente la enfrenta con una decisión que no está dispuesta a aceptar. +
Las Chachas, ópera marciana en un acto
La obra cuenta la historia de Andy, un cantante de karaoke devenido en amo de casa o criador de animales, en un planeta Marte atestado de conejos inteligentes y marcianos come-pájaros trepados a los árboles. Mientras Andy saca la basura se encuentra con Mara y Lara que escapan de un intento de secuestro y les ofrece ocultarlas en su casa.
Pero no todo es lo que parece. Narrada por tres voces yuxtapuestas, la de Andy, Mara y Romina, su mujer (quien ya apareció en Los Topos, del mismo autor), los hechos comenzarán a suceder en un umbral entre verdad y ficción y con roles de víctimas y victimarios que se intercambian constantemente. Ocultas en lo de Andy, las adolescentes se darán por desaparecidas y todo comenzará a confundirse aún más. Habrá ocasión de que las víctimas asistan escondidas a su propia marcha de reclamo y de que un guardián-amante, Gordini, transforme al nuevo secuestro en un viaje y un show. +
Una obra de música y danza entrelazadas desde su propia génesis. Surgió de preguntas de las propias disciplinas hacia la pintura y la poesía, al cuerpo y sus superficies, a los sonidos enmarcados en la presencia constante que sobrevuela la catedral gótica de la ciudad de La Plata.
La dualidad propia del gótico se reactualiza en la oposición y el contraste de elementos que transitan umbrales, del silencio a la sonoridad abrumadora, como asimismo en los materiales tímbricos escogidos: la linealidad vocal femenina y la percusión, lo acústico y la electrónica.
Las Gárgolas propone con estos elementos aludir y sugerir vínculos con diversas lecturas del cuerpo, el saber, las pesadillas y sus fantasmas y el amor en la historia del arte. Así sonido y cuerpo, piel, carne, sombras, luz y un universo sonoro de reminiscencias medievales invita a revisitar un pasado de actuales resonancias. +
LAS ORUGAS transitan su existencia cambiando, pasando por estadios que las depositan en diferentes formas; todo en ellas está dispuesto a mutar hasta su transformación final de manera natural mientras nosotros vemos la vida como una cronología de hechos que nos van sumiendo en una construcción a partir del pasado y de lo conocido, navegando entre el miedo y la incertidumbre de adaptarnos o resistir lo inevitable. +
Las Santas es una ópera de cámara de 60 minutos de duración compuesta por Ramiro Mansilla Pons para tres cantantes femeninas y un ensamble de nueve instrumentistas más electrónica. Tiene un libreto original escrito por Mariela Anastasio basado en las biografías verídicas de tres personajes históricos: Santa Irene de Atenas (Atenas, 752 – Lesbos, 803), Santa Teodora (Bizancio, 501 – Bizancio, 548) e Isabel la Católica (Madrigal de las Altas Torres, 1451—Medina del Campo, 1504). Según el relato, las almas de tres mujeres, Irene, Isabel y Teodora, se encuentran solas en un lugar remoto y un tiempo indefinido, aguardando una notificación. A medida que transcurren los días, cada una de ellas narra su pasado. En vida, fueron mujeres que ocuparon importantes posiciones y, para mantenerlas, no dudaron en cometer los más atroces crímenes. Pese a ellos, en reconocimiento a los favores que hicieron a la Iglesia Cristiana, dos de ellas, Irene y Teodora, son canonizadas, mientras que Isabel permanece esperando eternamente.
Musicalmente, Las Santas se desarrolla alrededor de una composición de austeridad mediante la economía de recursos y la reiteración, buscando establecer una disociación entre el tiempo cronológico y el psicológico. No obstante, existen pasajes de exploración tímbrica y rítmica, en pos de indagar nuevas posibilidades sonoras. Cada personaje posee un modo de canto específico –a la manera de un leitmotiv– de acuerdo a la psicología del mismo, a la vez que se vincula con algún instrumento de la orquesta, en procura de establecer un dúo vocal/instrumental en cada aria. De este modo, Irene trabaja siempre con el violonchelo; Teodora lo hace con la percusión, e Isabel, con el piano. Existen además numerosos diálogos hablados donde se exagera la lentitud del habla, buscando rescatar la sonoridad de la palabra. +
"¿En qué parte del cuerpo se localiza el miedo? ¿En qué parte se multiplica? ¿En el centro del pecho? En el nacimiento de la garganta va bajando el estómago, se demora en las piernas, en las rodillas preferentemente, y llega hasta los pies, sube de nuevo y castiga los brazos, le pone guantes a las manos y un corpiño ajustadísimo al pecho"
Silvina Ocampo
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[[Archivo:Las Suicidas.jpg|thumb|right|320px]] +
"Es una obra de teatro de sombras inspirada en la expresión satírica de Saki. Luces y sombras proyectadas frente al publico transportan a un mundo distante con cacerías, banquetes, cabalgatas en bosques, carromatos gitanos. Aunque los efectos, sentires y climas quizás resulten cercanos." (La opera encandilada) +
Muchachas en flor, ya casi desmembradas, acuciadas por la latencia de la destrucción. En un abrazo impacto se conocen, corren juntas, temen, se incitan, bailan deshaciéndose en la geometría del edificio, el espacio del sol, los árboles, la gente que pasa y finalmente se dispersan en el aire difuso. El resto de un tango medio muerto se agita por detrás acicalando las pieles perfumadas que huelen a azahar.Música: “Whisky”, “El peor de los miedos”, “Fantasma” y cover de “In silence” de Joy Division de Malayunta Orquestita El trabajo consiste en articular varias ideas y puntos de partida:1. Dar cuenta de algunas de las posibilidades que ofrece la geometría del espacio elegido.2. Establecer relaciones entre la danza contemporánea “experimental” y géneros de origen más popular como el tango y el rock.3. Producir un trabajo para el público eventual que se encuentre allí, además del especialmente convocado, teniendo en cuenta acciones y actitudes que se observan en la plaza y el centro cultural.4. Retomar restos coreográficos pendientes de un trabajo anterior realizado con las intérpretes y re orientarlos para el contexto del [[Festival Danzafuera]].[[Archivo:Descangayadas_1.jpg]] [[Archivo:Descangayadas_3.jpg]] +
'''Las formas de la presencia y sus emanaciones''' es un proyecto orientado a la producción de una serie de ''solos'' escénico-performáticos, elaborados a partir de la investigación física y teórica en torno a las nociones de visibilidad-invisibilidad, presencia-ausencia, aparición-desaparición. ´
En tanto ''solos'' escénico-performáticos, los mismos se sitúan en el entrecruzamiento de la danza contemporánea y el arte de la performance (''performance art''). Así, esta serie de trabajos busca explorar la intersección y mutua contaminación entre la disponibilidad y plasticidad del cuerpo, propios del trabajo físico de la danza contemporánea, con algunos de los rasgos que caracterizan las acciones performáticas: su carácter efímero, no-reproductivo y presentacional –en oposición o tensión a “representacional”.
La exploración de las formas de la presencia-ausencia del cuerpo, de su aparición y desaparición, de su visibilidad e invisibilidad, recorre un espectro ontológico cuyos polos son el “esto” –en tanto presencia general e indeterminada- y el yo –en tanto presentificación de la propia singularidad de la performer. El trabajo de oscilación entre dichos polos está orientado a la emergencia de una zona de indeterminación o ambigüedad que habilite la pregunta sobre ''qué'' o ''quién'' es lo que se da a la visibilidad en cada uno de los solos de la serie.
Los ''solos'' que componen este proyecto son:
I. [[Houdini mira la luna]]
II. Sin título
III. Cositas queridas entre los dedos de las manos
IV. [[Fakir I]] y Fakir II +
Latidos Oscuros propone una construcción y destrucción constante acerca de lo que se está viendo. Un personaje, Martín, asegura que lo que el público está viendo es la obra, Otro, Javier, asegura que lo que el público está viendo no es la obra original, no llevada a cabo por culpa de Martín. En este pleito el público recrea en su mente lo que sería el espectáculo original, sugerido por Javier, pero también asiste a lo real, o sea lo que está viendo. Este cruce de puntos de vista, esta reforzado por el vestuario y la escenografía, ya que ambos personajes están vestidos y maquillados de payasos y la escenografía y la utilería sugiere una obra de payasos. Aparece un tercer punto de vista, la del técnico de luces y sonido, llamado a escena para aclarar lo que está sucediendo, pero lejos de aclarar, echar luz sobre lo sucedido, aparecen más preguntas, y más dudas, acerca de qué es lo que está sucediendo en verdad.
Los temas abordados son, a través de la teatralidad y la meta teatralidad, son los siguientes: ¿Por qué una reconstrucción imaginaria suele ser más creíble que la misma realidad? ¿Qué es lo que sucede realmente? ¿Quiénes son los que dicen y por qué dicen lo que dicen? ¿Quién está detrás de todo lo que se dice? +
''La melancolía no es tanto la reacción regresiva a la pérdida de un objeto como la capacidad fantasmática (o alucinatoria) de mantenerlo vivo como un objeto perdido.''
PIERRE FEDIDA
Toda obra de arte se encuentra inacabada; esta que aquí reseñamos, además, está en proceso de inacabarse. Ese proceso tiene algunos hitos datables. Nació de la convocatoria, en 2007, del ciclo provincial El teatro y la historia¸ cuyo anhelo tendía a investigar en la potencialidad dramática del pasado argentino. El desafío nos comprometió y elegimos trabajar sobre una de nuestras obsesiones: la guerra marítima de la Independencia, los corsarios, los diálogos patrios del desencuentro: ese mismo año estrenamos Mar de Fondo; en el 2008 elegimos la vida trágica de Elisa Brown, la hija del célebre almirante irlandés. La historia es sencilla, mas no su mitología. Sucede durante la guerra contra el Brasil, en 1827. Un marino escocés se ofrece para pelear por la independencia argentina; conoce a la hija de Brown, se compromete con ella, pero todo termina en tragedia: luego de ser herido, Francis Drummond muere, desangrado, en brazos de su futuro suegro. Elisa Brown parece soportar lo que padece, pero muere ahogada meses más tarde, enlutada de novia, el día que se iba a celebrar la boda. Mientras se embebe en el agua canta: «Pinto sueños lentos, que manan del río, como pan mojado en leche. Este es mi sueño, que hoy agrego.»
Sobre el fondo difuso de esta historia ignota, tramamos una obra que titulamos, inicialmente, Una promesa, y que versionamos varias veces. Adoptó la forma de un semi-montado, de video, de un conjunto de fotografías y, naturalmente, de obra teatral. Como tal la estrenamos en La casa de las tías, en 2010. Esta versión que ahora presentamos es otro nudo de ese rizoma, acaso su nudo más enigmático. La historia de Elisa Brown está amillonada por el mito; nuestra tarea no fue desnudarlo; quisimos habitar su poderío simbólico y su actualidad dramática. Oscar Wilde escribió que solo las personas superficiales no juzgan por las apariencias. Esta obra es el borrador inicial de esa superficie visible, las imágenes más firmes que aun resplandecen de ese acontecimiento estético.
Laura Valencia - La Fabriquera, septiembre de 2012
La Liga de Improvisadores es un espectáculo de improvisación teatral deportiva, donde cuatro equipos compiten para ganar el torneo. Cada uno tiene su hinchada, caracterìsticas e historia, basados en diferentes identidades platenses.
En cada partido, los jugadores deberán realizar historias creadas en el momento a partir de las indicaciones de la réferi, mientras un equipo de comentaristas analiza las jugadas. Desde las tribunas el público decide quien gana, votando por su favorito! +
Atravesando la poesía, Discepolín dialoga con su historia, llevando al espectador hacia un viaje en el que se entrelazan su vida personal y afectiva, con la mirada del mundo y sus fantasmas.
La obra transita por lugares de humor y reflexión, luces y sombras que reflejan un sentir tan particular como universal, mostrando los anhelos y la frustrada esperanza que definen al pensamiento discepoleano. +
Una sala. Siete personas expuestas a la luz, a la mirada del afuera, al reflejo que el espejo les devuelve de sí mismos. El esfuerzo por ser mejores, por tocar lo inalcanzable. Lo que no querés ver propone al espectador espiar por la cerradura para entrar al mundo de estos siete protagonistas. Exigencias, complejos, obsesiones, la entrega desmedida por alcanzar la perfección. Finalmente, las preguntas: ¿por qué? ¿para qué? ¿para quién?
Lo que no querés ver cuestiona, al tiempo que transita lo inalcanzable, la sobre valoración de la imagen, la mirada del afuera y la propia.
¿Cuántas veces nos encontramos día tras día repitiendo una y otra vez la misma rutina? ¿Para vernos como quién? ¿Para ser como quién? ¿Para ser aceptados en qué mundo? ¿Cuántas veces la necesidad de agradar nos llevó a la automutilación, a dejar de valorar nuestras propias cualidades para centrarnos en la opinión del otro? ¿Cuántas veces desvalorizamos nuestro ser interior para recalar únicamente en nuestras carencias? No cuestionamos para evitar dejar de pertenecer.
¿Contuvimos en ocasiones la rebelión? Es el indagarnos constantemente lo que permite hacer crecer dentro nuestro al artista. A tiempo, o quizás no, caen sobre nosotros, como un fruto en su punto justo de madurez y a poco de volverse inservible, las verdaderas interrogantes, la necesidad de introspección interior, de volver a las fuentes y recordar el motivo de nuestras elecciones. Así, la danza se convierte en la música del alma, en la manifestación continua de cada sensación.
Lo que no querés ver (las princesas no cagan) intenta una suerte de camino inverso, contando aquello que transitamos con el fin de encontrar lo verdadero de cada uno y descubrir por qué continuamos pese a retornar siempre al mismo lugar. Enfrentando los miedos, las dudas, los distintos caminos a recorrer, los moldes equivocados, hasta llegar el momento de decidir hacia dónde ir.
Lo que no querés ver reivindica la danza, revelándose a la imagen que intenta mostrar, porque lo que se ama, en el fondo, es aquello que la danza transforma día a día dentro de nosotros.
La obra es un redescubrimiento y homenaje al fenómeno popular de masas: el Radioteatro y también a aquellas compañías que salían por los caminos y eran esperados en cada rincón del país con sus famosas historias radiofónicas.
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“Los hermanos Iberra…” ofrece varios planos, por un lado los actores del radioteatro, por otro los personajes de la historia que sirve de eje, el estudio de radio y la representación teatral en vivo. Líneas de acción que se desarrollan simultánea e independientemente y van entrecruzándose a medida que avanza la obra, para terminar en un desopilante final donde realidad y fantasía son una misma cosa.
La producción se encuentra atravesada ineludiblemente por la caracterización de época, la generación de efectos de sonoros por medios mecánicos, los músicos y cantores en vivo. +
Una cajita musical deteriorada por el paso del tiempo vuelve a abrirse.Los Oniros comienzan a percibir que el mundo conocido y mecánico se va transformando.No se ven, pero se perciben. La cajita comienza a crear mundos y ellos son arrastrados a vivir experiencias inimaginables. De un momento a otro el mecanismo parece querer colapsar ofuscando sus múltiples intentos de querer mantenerse despiertos.
Una historia que indaga en el mundo de lo no-verbal y del gesto espontáneo para construir mundos subjetivos y fugaces. +
Un sueño militante, querer salvar el mundo, deviene en invadir Hollywood. Algo que brota en un territorio intervenido por discursos abandonados, por promesas vacías y la imposibilidad de comunicarse. Y los desechados, los Rumians, que desgatados repiten su historia persiguiendo aquello que los saque a la superficie.
Entonces, el encuentro con Ronald Mcdonalds que desciende. Ha perdido todo y a duras penas ha logrado rescatar su cabeza. Su ánimo de expansión sigue intacto. Aun en su miseria encuentra el siguiente combo, sucursal y McLand.
El paisaje muerto de una catacumba, que sólo transitan Los Puntuales, aquellos que siempre regresan. A la misma hora de siempre recorren, miran y continúan. Cristalizados, profilácticos, asépticos, buscan un sentido que no se satisface, con la sospecha de que hoy algo puede cambiar.
Miradas que se cruzan, visiones de mundo que se chocan con el mundo.
===Propuesta===
Un encuentro es elegir un punto de la línea, un momento en el cual se da lugar a la ilusión de que la sucesión se detiene. Un encuentro nos permite pertenecer a algo, por ejemplo: a un lugar, a una persona, a un perro, a un pequeño destello de luz roja (una ciudad en llamas).
La puntualidad, por razones obvias, es encontrarse en un momento preciso. La duración de este encuentro no es lo más importante porque entran en juego otros elementos como las temperaturas, las intensidades, la música y los silencios (no tan relacionados con la cantidad, sino con la calidad de lo que sucede), que le dan en apariencia cierto relieve al encuentro plano en la línea.
En este sentido, Los Puntuales, es el cruce de tres recorridos.
1. El de los Rumians, un grupo de discursos abandonados y desechados en una catacumba, que deciden ascender.
2. El de Ronald Mcdonals que desciende a la catacumba buscando refugio de un mundo que lo ha rechazado.
3. El de Los Puntuales, espectadores que trazan una diagonal entre los dos anteriores, buscando un sentido que satisfacer: que en el teatro, hoy, tal vez esto que sucede puede cambiar, que alguien será un héroe, un humano no tan humano, un humano que cambia. Ilusión con la que juega el teatro en sí: Cada vez que hay teatro, cada vez que se produce, el mundo se puede cambiar.
Dramaturgia discursiva
El espacio es intervenido por discursos rumiantes, que son masticados una y otra vez en el interior del portador de dicho discurso, buscando el momento para poder externalizarlo. Para ello se utilizan fragmentos de textos que se incrustan en el devenir de las situaciones. Esto también permite distinguir distintos niveles de rumias:
1. Rumia colectiva: se utiliza un texto en común, de carácter rítmico y enumerativo, que crece y decrece en intensidad y volumen. Materializa y refleja una mente colectiva confusa, llena de preocupaciones y fijaciones, un estado de subterráneo colapsado en hora pico.
2. Rumias individuales: lapsus donde se ponen en juego las miradas propias de mundo, uso de textos breves y particulares, momentos íntimos al borde de lo domestico.
3. Rumias arbitrarias: materialización de un imaginario, rupturas formales y plásticas, momentos coreográficos, elementos que poetizan la propuesta general y sirven de nexo entre las situaciones.
La incrustación de distintos textos permite el armado de un guión y de voces que profundizan el mecanismo de rumia. Exigen el uso de una lógica distinta, tanto en el decir como en el escuchar.
Se han utilizado textos de Guillermo Saccomanno (Cámara Gesell); Camilo Blajaquis (Poemas de su blog); Diego Valeriano (Capitalismo Runfla, del Blog Lobo Suelto); Platón (La República); Alain Badiou (entrevistas); Colectivo Estación Zombi (Remundancia) y también textos propios.
En el caso, por ejemplo, de la novela Cámara Gesell no sólo ha servido para darle la voz al portador Modus Operandi, sino que ha sido una referencia como dispositivo. Su carácter coral y lo saltos en el tiempo y en el espacio de lo que se narra, la ruptura de una forma lineal a través de lo incompleto, han servido para el armado del mecanismo de cómo contar en escena.
La hipótesis y sospecha con respecto a estos materiales es que todo texto es literario hasta que se demuestre lo contrario.
===Dramaturgia del actor===
En este sentido la propuesta actoral no es la construcción de un personaje, sino la de un portador de discurso. Un cuerpo que es contaminado por las rumias, haciéndolas carne a través de acciones repetitivas y precisas que en algunos casos se irán desgastando, en otros refinando. Aun en el silencio, en la oscuridad, el movimiento es constante, porque es constante el discurso que quema el interior.
El nivel de fijación es tal que irremediablemente surge la imposibilidad de comunicarse. No hay relación ni vinculo ni diálogo con el otro, excepto en lo concreto de compartir un mismo territorio, de estar perdidos en el mismo mapa. Es el espectador el que traza con su mirar, conectando puntos invisibles y atomizados, una diagonal que cruza los guetos individuales en el intento de encontrar un sentido a lo que ve.
===Dramaturgia del espacio===
Espacialmente se plantea la construcción de una urbe marginal (yuxtaponiendo imágenes y conceptos espaciales de las villas miseria). Esta urbe está compuesta por los restos de escenografías y maquinarias que el mismo Teatro Argentino ha desechado y dejado en el espacio. Al mismo tiempo se los intervendrá con materiales como bolsas de nylon, cartón corrugado, plástico, que provienen del mundo del cartoneo. Esto elementos también están fragmentados, reducidos a su estructura lo que permite su movimiento para el armado y desarmado de las situaciones, generando distintos niveles y relieves dentro del paisaje.
===Dramaturgia del espectador===
El espectador es un punto dentro de este paisaje y por su ubicación, el espacio parece envolverlo y muchas veces arrinconarlo, sosteniendo la idea de un recorrido estático. El espectador no transita el espacio, será el espacio el que se mueva y lo atraviese.
Se le plantea también al espectador dos posibilidades para ubicarse:
1. Fila de sillas: desde esta perspectiva la mirada abarca todos los espacios (tanto el Espacio de Rumia Colectiva, como el de Visión de Mundo).
2. Fila de banquetas: En mayor cercanía y contacto con los espacios performativos, parcializa la mirada e implica un movimiento en el lugar si se quiere ver aquello que sucede a sus espaldas (por este motivo el uso de banquetas y no de sillas, para que el respaldo no sea una molestia al girar)
LA PANDEMIA, LA EXISTENCIA Y LOS VÍNCULOS INTERPERSONALES: La pandemia barrió todas las categorías socioculturales de normalidad, una normalidad que era brutal, despiadada, llena de violencia de desigualdad, de corrupción. Los valores humanos, las costumbres socioculturales, la construcción de los vínculos y los códigos relacionales están en jaque a través del distanciamiento social. En la obra una mujer, los interpela, interpelándose a sí misma. Ella atraviesa la cuarentena en un momento crítico de su vida, donde replantea la construcción de su historia. Ésta es una historia que plantea que comenzar otra historia es necesario. Una historia nueva, inédita, renegada de todo lo vivido anteriormente, de toda tradición hasta ahora conocida. Que ahora hay que crearlo todo. Ésta es una historia de vínculos, vínculos de solidaridad, cooperación. Hay algo que debemos aceptar, el mundo no será igual cuando termine la crisis, nadie sabe cómo será, el mundo va. SINOPSIS: Nigel, es una incipiente escritora, de 50 años, se encuentra en una casa de campo que le fué prestada. Está atravesando una crisis existencial, post separación, e inesperadamente se desata la pandemia del Covid-19, y se queda allí varada sin poder regresar a la ciudad, dado el decreto de aislamiento social, preventivo y obligatorio. Es una persona llena de miedos, ensimismada en “nubes” de pensamiento articulados por libre asociaciones, desconfiada, insegura, reticente a vincularse con lxs demás, sin embargo, éste devenir de hechos que le toca vivir, le va mostrando otra cara de la vida, donde las personas con las que se cruza y se ve obligad a socializar le revelan otros sentidos, otros colores del mundo, otra forma de belleza, nuevas maneras de relacionarse, solidaridad, cooperación. Nigel se entrega a comenzar otra historia, nueva, inédita, renegada de lo vivido anteriormente, de toda tradición hasta ahora conocida. Porque el mundo no es igual, no será igual cuando termine la crisis, nadie sabe cómo será, el mundo va. Jazmín García Sathicq.
"Lucila o La Fiebre” es la historia de un amor loco. En ella el amor brota exagerado y tempestuoso como una fuerza natural para hundirse irremisiblemente en el abismo de la sociedad de los hombres. Negación radical del folletín, en “lucila” el amor no mueve montañas ni cruza fronteras geográficas o de las otras.
Los derechos del amor, aún en su debacle, o justamente por su causa, parecen querer enjuiciar esas pequeñas operaciones contables del deseo que llamamos romance y matrimonio.
La obra explora los límites de una redención imposible, la de lucila, la niña rica, y lencina, el callado servidor, convocados a una furtiva cita bajo el ojo paranoide del poder que los sigue de cerca.
Una caja musical evoca en la pareja a orfeo, el músico que venció a la muerte, y a eurídice, su malogrado amor. En delicado sobrevuelo los amantes del mito soplarán sus vientos báquicos sobre los protagonistas para arrasar el escenario donde el cálculo y las conveniencias urdían su trama.
Porque en “lucila” las palabras queman, y cuando el amor sube a los labios convertido en lava ardiente destruye lo que encuentra a su paso. Porque en un mundo donde la razón se ha vuelto loca, parecen querer decir los destinos sufrientes de los personajes, nuestra sed de amor y de verdad sólo se puede saciar con el delirio. +
El proyecto interdisciplinario “Lugar Propio” iniciado en el 2013 como una obra transmitida en vivo por la web, se desarrolla y ramifica desde entonces en múltiples formatos y dispositivos, desde intervenciones, instalaciones performáticas, hasta un ciclo de danza streaming. Es a través de su plataforma virtual www.lugarpropio.com.ar que se han podido presenciar las diferentes transmisiones emitidas en diferentes casas del mundo.
En Septiembre del 2016 se realiza el primer ciclo denominado LUGAR OTRO, que alojo 4 nuevas creaciones para este formato
LUGAR MONSTRUO, es una pata de este macro-emprendimiento ideado por Iván Haidar, con apoyo de diferentes organismos e instituciones para su realización, entre ellas Prodanza, El Fondo Nacional de las Artes y la Facultad de Bellas Artes de la UNLP. Este trabajo se presenta como una performance que muestra “lo casero” como un recurso sofisticado para construir una plataforma de producción auto-sustentable, en la que un hombre genera diferentes estímulos para su propia transformación. Sonido, imagen y movimiento impulsados por el cruce entre la tecnología y lo hogareño: un ventilador, una radio vieja, un micrófono roto, un smartphone, un velador, una notebook, un proyector y pequeñas linternas, son los elementos utilizados para intervenir al espacio y construir una experiencia en tiempo real. Aquello que acontece durante un presente que perdura, como una fábrica en donde se ve la composición y los mecanismos de construcción. Es ahí, en el observar cómo opera este sujeto, con cinta, con cables, con pedazos y restos de alambres, que se crea un juego entre ficción y realidad. Entre el adentro y el afuera, la metamorfosis se auto-interrumpe para continuar reconstruyéndose a sí mismo. Desvendando el truco para que aquella ficción que emerge sea fruto de un engaño aceptado, de entender el recurso para poder imaginar más allá del efecto, y entonces establecer nuevos modos de relacionar a la obra con otros universos. El lenguaje está en el dispositivo, en ese “entre” ir y venir, de creer y olvidar al recurso para viajar en la fantasía y ver finalmente al monstruo.
ACLARACIÓN: el trabajo se desarrolla sin asistencia técnica, es de operación en escena, sin utilizar luces de parrilla ni consola de audio. Entre sus diferentes versiones tiene una duración que abarca desde los 20 a los 25 minutos, de acuerdo a las condiciones espaciales. Preferentemente, la oscuridad acompaña los procedimientos de construcción para su mejor desempeño.
Idea y realización: Iván Haidar
Con apoyo del Instituto Prodanza, El Fondo Nacional de las Artes y la Facultad de Bellas Artes de la UNLP.
Colaboración: Laura Valencia, Mariana del Mármol, Centro Cultural El Escudo y Grupo Vuelve en Julio.
TRAILER: https://youtu.be/inMs7ycSgsg
“Lugar propio” es una obra web transmitida en vivo. Transcurre desde la intimidad de mi hogar pero con la exposición que implica ser visto, del otro lado de la pantalla por ese otro que no conocés. Está compuesta por un personaje que se transforma, que desdobla y resignifica su espacio que ya no es cotidiano, y muta a otros universos. Yo creo que habla sobre el bien privado que pareciera no existir, y la intención de escaparse a un mundo personal. Es muy íntima y juega mucho con la exposición, de alguna manera abre las puertas de una casa para ser vista, y luego ser reinventada por otros ojos. +
M
Entre letras y palabras descubrimos gentes errantes, que gravitan en los márgenes en incesante viaje sin finalidad ni domicilio. Seres condicionados por su locura y su pasión de empaquetar su cuerpo en abrigos, mantas, lonas, y que hundidos en la complicada anatomía de la vestimenta, entre paquetes secretos, bolsos, atados, tiras, e hilos se protegen profundamente. Escenas divididas en imágenes, imágenes divididas en objetos que se arrastran en el tiempo circular: éxodo sin fin. El cuerpo como objeto, el objeto como cuerpo. La tecnología como continua metamorfosis de la historia. +
Una mujer de mediana edad que no quiere envejecer, guarda un secreto que poco a poco irá revelando.
Su vida, su soledad, sus fantasmas de niña y de adulta, su vida en la calle y su sueño, el amor; aquello por lo que cada día vivimos, respiramos, nos movemos, somos. +
Comedia Infantil que consta de gran dinamismo al utilizar música en vivo y artes circenses (malabares, monociclo, zancos, acrobacia y técnicas de clown).
En la trama de la historia se puede apreciar a un Príncipe triste, “Galera”, que no encuentra el Amor, y que al conocer a Margarita despierta sus sentimientos pero debe disputar ese amor al Príncipe “Galán” quien, mediante engaños, la esconde en la cocina encantada para que cocine por siempre.
Galán y Galera se baten a duelo y ponen a prueba sus habilidades artísticas y acrobáticas.
Una historia de príncipes que entre acrobacias, malabares y payasadas luchan por el amor de una princesa. Todo esto bajo la particular poética clownesca. +
Córdoba, año 1821. Las fuerzas del ejército federal comandadas por el caudillo entrerriano Francisco Ramírez, han sido diezmadas. Sin otra salida que la retirada, emprenden no obstante lo que será la última batalla. Delfina, la amante de Ramírez, pelea como un soldado más a la par de su hombre. Es alcanzada por el enemigo y cuando estaba por ser vejada es salvada por el caudillo quien recibe una descarga en el pecho y muere en el campo de batalla. El Supremo es decapitado y su cabeza es llevada y expuesta como trofeo en el cabildo de Santa Fe. Tras largos días de huida, la Coronela junto a los pocos soldados sobrevivientes, logran cruzar el Paraná y descender hasta el Arroyo de la China donde –agotada- se recluye entre las paredes de su casa. A partir de este día siniestro, no habrá noche en la que Delfina no reviva en sus pesadillas la tragedia, acosada por el dolor y la culpa. +
Como punto de partida se toma el hecho ocurrido en nuestro país el 26 de junio del año 2002 en la localidad de Avellaneda, donde fueron asesinados Darío Santillán y Maximiliano Kostequi. Ellos fueron parte de los 4.000 desocupados que se movilizaron al Puente Pueyrredón junto a sus compañeras y compañeros del barrio.
La obra reivindica el sentido de lucha, trata de no quedarse en el acto de denuncia sino de poner en movimiento esa lucha generando conciencia en múltiples escenarios; que posibiliten nuevas propuestas para abordar la política y el arte como herramientas de trasformación social.
Para reconstruir asi la memoria de los que pierden, de reflejar problemáticas sociales “olvidadas”, en donde el arte tiene el potencial de reavivar aquello que desde el Estado se oculta, se calla. +
En esta obra los cuadros que se arman visualmente sólo son flechas disparadas hacia una sensibilidad atenta y dispuesta. También, aparece el tema de la traición, ya que no existe mayor falsedad que engañase a uno mismo.
Es una obra para reflexionar hacia adentro, sobre la importancia de los recuerdos, pero también sus riesgos. No es una propuesta complaciente, es por el contrario, inquietante, ya que lo que se va creando en el espacio es usado para que nadie quede indiferente +
En el comienzo mismo de la obra un hombre común, impensadamente, comete un crimen y se lo cuenta a su familia. Este hecho genera situaciones de mucha comicidad, dando paso a un patético e inesperado final, que cuestiona el concepto de normalidad y abre interrogantes sobre los vínculos familiares.
[[Archivo:Mate a un tipo.jpg|200px]] +
Mecha em Tramas, una composición de mechones de pelo sobre un telar que han sido donados por la gente. Una invitación para el conocimiento mutuo, el intercambio y el diálogo con el otro. Es la creación de una red. Una pantalla que se llena de cabello natural.
“Ligar personas, ligar lugares. Trama de mechas de pelos naturales. Pelo fuera del cuerpo, la pieza de cuerpo, que me lleva a otro, el individuo, que están fuera de mi cuerpo, en relación a mi interior. La experiencia de la vida cotidiana entre la gente “.
Mecha en parcelas es un proyecto que está en constante transformación, un trabajo en progreso. Es una obra móvil, tomando como referencia las redes sociales virtuales, y haciendo uso de ellos como un espacio de contacto continuo con los participantes de la obra. Un espacio configurado por las personas interesadas de cualquier parte del mundo, reuniendo ideas que afinan a algún punto.
Mechones de cabello recogido y tejido en un telar.
Mechones de cabello, cedida por las personas, é lo obyecto de composición.
el artista está constantemente presente en un espacio construido para la participación del público.
==Tramas del cuerpo de un punto al otro==
Por Josy Panão
Un cuerpo que, más que ocupar un lugar en el espacio, se extiende allende sus fronteras, se mezcla con la exterioridad que lo rodea, intensificando su interior con el intercambio que establece. Un cuerpo que va de un punto a otro en flujo y en mutua donación, en constante transformación. He aquí un cuerpo que aprende a abrirse al mundo.
Del asfalto a la arena de playa, pasando por el espacio virtual de las redes sociales, Flávia Pavia lleva un cuerpo singular, y a la vez totalmente arraigado en la alteridad, a la invasión del paisaje. Este cuerpo (se) perturba, (se) acelera, (se) desestabiliza e (se) inquieta los lugares por donde son marcadas sus pasajes.
Un hilo de estambre revela un destino inestable para este cuerpo que se extiende por el mundo. No se trata solamente de la experiencia aislada de la artista ante la sensación de colocarse en relación con otro, sino también de la reverberación de este potente contacto que ocurre en aquel que acompaña, ve y comparte el desenrollar del estambre.
Pedazos de cuerpo en mechones de cabello encarnan historicidades de vidas que se enredan y mezclan en la cotidianidad sin nunca cruzarse.
La materialidad de los trabajos “De uma ponta a outra” y “Mechas em trama” es su proceso abierto, es una invitación a embarcarse en el descubrimiento de un cuerpo en devenir, un cuerpo que se revela en el paisaje. Esta poética del procesal, es una marca importante en la elaboración de las propuestas de Flávia Paiva, una joven artista que juega, en el mejor sentido del término, de encarnar y poetizar espacios comunes.
Este proyecto nace con la intención de investigar el duo en si mismo. Una relación de dos tanto en el plano físico, el cual uno puede visualizar y experimentar, como en un plano adimensional, ilimitado y atemporal, en donde lo uno se vuelve en verdad, el todo.
Nos situamos del lado opuesto del concepto de dualidad, un principio que diferencia escencialmente o devela la oposición, preguntándonos qué nos diferencia partiendo de que podríamos ser lo mismo. Quién es el otro que no soy yo? Y si somos lo mismo viviendo situaciones diferentes? Hasta dónde el límite de la diferencia? Y si todos somos diferentes posibilidades de lo mismo? Dónde se hacen visibles los límites, dónde se tocan y donde desaparecen? Es el otro lo que yo no puedo ser?
El espacio como la posibilidad de ser, de encontrar y encontrarse.
La materia como potencia para existir y crear.
El otro como otra posibilidad de uno mismo.
El otro como revelador de lo oculto en uno, como una alimentación infinita.
Cómo es la individualidad en relación al otro, cúanto me pierdo en el otro, cuánto me recupero en el otro.
En el dúo, se devela el solo, en el momento en el que se elige ser otro. En la contrariedad, en la contraposición, en las diferencias, se devela lo único.
Lo doble como la potenciación de lo mismo, como una repercusión inevitable.
Lo doble devela, pone en evidencia lo único y a su vez lo presente en todos, lo que nos habita a todos. +
…el paso del tiempo, expandido a una aparente quietud…
Cuerpos en el espacio, construyendo una sucesión continua de imágenes que modifican nuestros modos de ver y leer el lugar, aparece, se distancia, se aleja, se adelanta, se re escala, componiendo para el espectador un ojo coreográfico, en que los cuerpos traen la arquitectura del espacio a un primer plano. +
'''Moni mon amie''' es un ''solo'' de danza e fotografía intervenida creado en el marco de la Residencia Crepúsculo, coordinada por Laura Valencia en el marco de la 1ra edición del [[Festival Danzafuera]]. +
La obra, que podría definirse como una partitura musical o rítmica en la que la textualidad devino de los cuerpos de las bailarinas, habla desde canciones, estados actorales, secuencias coreográficas, loops de textos y proezas físicas, evitando la palabra.
Es una experiencia de duración acotada, pero con una intensidad alta, que busca generar un cimbronazo en el espectador. Un tiempo vertiginoso de acontecimientos que se suceden y superponen rítmicamente estableciendo un vínculo más del orden físico que intelectual. +
¿Cómo crear un cuerpo colectivo? ¿Qué queda de mí en el montón? ¿Cuándo un fenómeno masivo se vuelve hecho poético?
A partir de estos interrogantes surge MONTÓN, una acción multitudinaria que pretende explorar el universo de las manifestaciones populares, irrumpiendo en el espacio público, ocupándolo y resignificándolo a partir de la mirada de la danza, que se posará sobre el hecho colectivo. +
“En algún momento aparecerá lo
inesperado, lo asombroso, y el quebranto del envoltorio se hará posible. Se preñará de fisuras y tomará
a otra existencia, a otro camino.
¿Repetitivo? ¿Nuevo?¿Impredecible?
No importa.”
Dalia Margot Baptista
Por cientos de años los marineros
se han guiado a través de las
estrellas buscando alguna certeza.
Mientras el océano se mueve,
encuentran consuelo en la luminosidad de la estrella del norte. Aquí
abajo todo está en constante movimiento.
Nada se detiene nunca, la masa
atrae masa, los cuerpos se mueven
por el espacio, se aceleran al acercarse, el empuje gravitacional entre
los cuerpos se hace más fuerte y
vuelve inevitable la convergencia.
Resultado… lo que ocurre tras la
convergencia: aun es…desconocido.
El dolor es una marea constante
¿y el miedo? +
El punto de partida de la obra son los hechos ocurridos el 26 de junio del año 2002, en la localidad de Avellaneda donde fueron asesinados Darío Santillán y Maximiliano Kosteki. Ellos formaban parte de los 4.000 desocupados que se movilizaron al Puente Pueyrredón junto a sus compañeras y compañeros del barrio.
La obra reivindica el sentido de lucha y trata de no quedarse en el acto de denuncia, en busca de poner en movimiento el conflicto para generar conciencia en múltiples escenarios que posibiliten nuevas propuestas que aborden la política y el arte como herramientas de trasformación social.
Para reconstruir así la memoria de los que pierden, reflejar problemáticas sociales “olvidadas”, en donde el arte tiene el potencial de reavivar aquello que desde el Estado, se oculta y se calla. +
N
La motivación de este trabajo reside en poder acudir a un acontecimiento escénico sucediendo en momento presente, una improvisación conjunta con ciertas pautas en relación al tiempo. De creación colectiva, instantánea, nuestra inquietud tiene que ver con unas preguntas sobre la impronta del momento presente… ¿Cómo resolver, dilucidar, edificar respuestas a los estímulos sensacionales, sensoriales? +
Un lugar donde cobijarse, desde dónde reflexionar y observarnos. Atar, enlazar y tensar son algunos de los procedimientos. Una obra que comienza con la construcción colectiva del espacio escénico para finalizar con una activación colectiva de la estructura. Compartir el hacer y descentrar los lugares solidificados de público, intérprete y obra, porque ¿cómo se experimenta de forma colectiva la danza contemporánea? +
Una culpa asfixiada detrás de las paredes. Las miserias hacinadas, la sexualidad que no fue y los dolores resuenan en los umbrales de un cuerpo agotado. El hogar ya no es tierra sagrada, y solo resta quejarse hasta besar el suelo. +
“Tú eres esa cosa
de la que no puedo tener bastante.
Así que te diré algo,
esto puede ser amor porque…”
Un dúo en una nube de colores, barba gigante enmarañada, cúmulo de desechos. Una geografía, espacio plástico y móvil como nuestros pensamientos.
Constelación que se ve al sur del mundo entre Escorpio y Sagitario atravesada por la Vía Láctea, también conocida como El Juego de Reglas o El Nivel, en latín Norma et Regula, “Escuadra y Nivel”. Con nuestras herramientas, reglas de un juego o varios, trazar un trabajo, una constelación al sur. (ARG-BRA)
Prácticas compartidas, juegos reglados para la construcción de escenas vinculares
(con) junto (com) bater (con) flicto (con) mover (com) partir (con) struir (com) poner (con) vivir Sin (tesis) Fi (m-n) +
En el fallido intento de retenerlas en su núcleo, las peores desgracias logran escapar de su encierro para enfrentar a sus guardianas y lograr diseminarse por el mundo +
O
Aqui lo que se propone es una performance abierta donde el performer empieza a manipular un objecto de tejido con todo su cuerpo y dibuja en el espacio. Es una acción en que se busca la descubierta del objecto, denominado “dibujos maleables”, en el cuerpo de los participantes, pero no solo de quién lo manipula, sino aquellos que están a mirar. El proponente empieza a manipular el objeto y a una cierta hora se acerca de alguién y empieza a jugar con este, en un improviso, hasta dejar por completo el objeto en el cuerpo del otro. Estarán disponíbles dos objetos para que várias personas puedan jugar al mismo tiempo. Es una acción performativa de dibujo corporal en el espacio, a través de la manipulación de un objeto, donde la experiencia del participante queda en su cuerpo y en la memoria de los que estan a mirarlos.
A partir de estos dibujos en el espacio, el acto de dibujo es pensado como una forma de visualización de una realidad espacial compleja, donde la configuración de las lineas, y el juego estructural a que están sujetas, son pensadas como una tectónica, en un espacio tridimensional.
La acción performativa con los dibujos maleables nos permite una dinámica de la línea y su duración en espacio y en el tiempo, a través de una integración completa entre el sujeto – cambiado en jugador – y la línea, donde él se convierte en un “descubridor de la obra”, desentrañandola en cada parte. El dibujo ocurre durante el juego y, terminado el juego, la línea vuelve a su estado inicial y lo que queda es solamente la experiencia y la memoria del juego. +
Se trabajaron diferentes modos de estar parado: curvando el eje en diferentes direcciones, alineando la columna en un eje en diagonal al piso, explorando momentos límites antes de salir de eje y distintas formas de caer.
La sombra proyectada en la pared a creada por la luz del proyector es muy definida formando un doble de la imagen del cuerpo, dando la ilusión de un juego de relaciones entre la imagen tridimensional y bidimensional.
El trabajo aborda las distintas maneras de estar en eje y salir de él en un espacio reducido (dos metros por dos metros) por lo que el foco no se pone en las traslaciones que ésto genera sino en el momento de decisión de volver a estar de pie y a la vez en la acentuación del tiempo exacto en el que el eje sale de su verticalidad. Ese momento exacto es experimentado desde distintas maneras derivadas de las decisiones acerca de nuestras direcciones en el espacio y la modulación de nuestra disponibilidad articular, el tono muscular, disociaciones espaciales y recorridos internos del movimiento, entre otros. Se atiende constantemente a las diferentes relaciones con el entorno que cada movimiento genera, sintetizándose en este estar de pie, una manera de estar en el mundo. +
El tema central giró en torno a “OTRAS PIELES” como metáfora del OTRO. Ese OTRO que nos nombra, nos representa, nos limita, nos estimula justamente a ver otras identidades….y es así como esas otras identidades representadas en las diferentes capacidades de los bailarines dieron sentido a la obra. Ellos, a través del movimiento, exploran las diversas posibilidades que sus propias realidades y limitaciones les ofrecen. +
Es una composición coreográfica colaborativa. Cinco bailarines narran con su tango danza, emociones, encuentros y desencuentros en una jornada muy particular… El tango con su cadencia, sus pausas, su abrazo termina rescatándolos de sus dramas en tres momentos.
Lo que empezó como una idea de aquel dramático 2 de abril del año pasado, cuando las aguas cubrieron gran parte de la ciudad viéndonos todos afectados por el meteoro, terminó siendo una metáfora de las situaciones límites. En momentos de gran confusión, angustia y desolación, aparecen como por arte de “magia” otros estados de ánimo. Las grandes pérdidas, a veces, nos muestran nuestra verdadera esencia. Metáfora de otras situaciones dónde socialmente hemos pasado por perderlo todo. Metáfora también de esta obra, donde aparecen, por momentos, luchas de egos, generosidades inesperadas, afectos desde el amor hasta el odio, todo bajo el lenguaje del Tango. +
P
Llegará el día en el que abriremos los ojos y no seremos más que una construcción del mundo que nos rodea. Los placeres materiales, las falsas convicciones espirituales, aquellos pequeños engaños que nos llevan a otras grandes mentiras y a justificativos inocuos, nuestros reducidos instantes de consciencia que nos reafirman la necesidad de fingir, simular y callar aquello que nadie desea escuchar ni decir. Acostumbrados al silencio, chocando contra todos y contra nosotros mismos. +
PORQUENO surge a partir de la necesidad, por un lado de investigar en la construcción grupal de material coreográfico, y por el otro, en el deseo de experimentar con aspectos lúdicos del movimiento, en la intención de propiciar un clima celebratorio.
En esta obra lo grupal resulta nodal, dando como resultado una producción centrada en lo colectivo.
Pero en esta idea de "todas" también aparecen también diferencias y similitudes, de esta tensión surge el desprendimiento de dúos, en los que el eje esta puesto en bucear los opuestos. En PORQUENO no hay un "tema" en particular, se podría decir que sobrevuela una nueva mirada sobre nosotras mismas, un reconocimiento de la identidad grupal que nos contiene. Si bien la obra no es narrativa, se desarrolla con cierta linealidad, generando una dramaturgia sencilla en las que las diferentes escenas se van hilvanando. +
Metamorfosis es un maravilloso nombre que nos introduce en una muy vieja doctrina de la mutación. Buena parte de los esfuerzos de la filosofía han sido encontrar cómo presentar con diferentes formas estos archivos del saber. Las culturas literarias más familiares atraviesan leyendas de transformación y nos traen a Ovidio, a Kafka, a las fábulas y en ellas siempre el cuerpo y sus variaciones. Tomamos esta idea y la pusimos en juego. Nuestro juego, el teatro. +
Partida se piensa como un viaje, un recorrido por el espacio y el cuerpo. En ese transitar, los cuerpos atraviesan diversos estados, expresiones del movimiento que devienen de la propuesta de cada bailarina.
Nueve mujeres consuman su danza, entran en contacto momentáneamente y van instaurando un diálogo en el que cada solo es uno en sí mismo y se resignifica frente a los otros, construyendo su propio universo representativo. Así, cada encuentro proporciona un nuevo sentido y recubre al otro en su espesor. Visto a través del otro, el cuerpo se vuelve extraño y conocido a la vez; adquiere, bajo nueva luz, otras connotaciones.
Partidas están las miradas sobre estas mujeres, partidos están muchas veces sus cuerpos y los relatos que se construyen en la superposición de los solos. Partida está la forma desde su origen: fragmentos que se separan para volver a reunirse bajo nuevos puntos de vista. Un punto de partida, un nuevo inicio cada vez: salir para volver a llegar al comienzo y en su exploración, conocer por primera vez ese lugar. +
Dos hermanos intentan perpetuar la estirpe familiar. Los invaden los desvelos de su historia. Una foto pintada y el pelo de la prima mas fea que se puede tener. Purgar la familia. ¿Qué realidad, fuera de esta casa, podés ver? +
Pequeña es una obra coreográfica que bucea en algunas ideas relacionadas con los tamaños y las escalas. Pensada para un espacio de dimensiones reducidas la obra está construida a partir de pequeñas piezas que se suceden y se articulan. Cada una de estas piezas se centra en el vínculo de los bailarines entre sí y con algunos objetos de pequeño formato, relación que también se extiende a los músicos que tocan en vivo. +
Perderse en casa, ahí donde las cosas resultan familiares, y las personas se parecen a aquellas que alguna vez fueron. Por esa extraña y particular transformación, casi imperceptible que acontece de forma involuntaria, elegir detenerse a observar para escapar de ese lugar, ese al cual se llega sin entender porque. Entonces irse a otro lado parece ser la única forma de volver a encontrarse en el presente. Tener que frenar el impulso, superar la nostalgia, atravesar el pasado. Como si se alquilara una casa en el medio del campo en donde aislarse de la rutina, pero juntos. Como si fuera la primera vez en que relacionarse es un acontecimiento indescifrable. Como si se constituyera una nueva forma de ser familia. Como si elegirse fuese una opción. Llevarse la casa con los otros, y olvidarse de quienes pudieron ser. Dentro de casa, no saber cuál es el límite para habitarla. Perderse. +
Obra de danza basada en los poemas de la escritora argentina Alejandra Pizarnik. Su intenso mundo de palabras, el amor por el viento y los espejos, las referencias a la noche, los cuerpos y el bosque como sinónimo de silencio, su fascinación por el surrealismo, el fanatismo por Janis Joplin y Edith Piaf y su amistad con Julio Cortázar, son la inspiración de esta obra que se introduce en el misterio de los miedos, en la idea de escribir para reparar la herida. Tratando de captar su espíritu, desde una atmósfera intimista, con una fuerte propuesta audiovisual, en donde se incluye además un videodanza, Ströme propone combinar las palabras y el cuerpo, los silencios y la respiración, lo real y lo imaginario. +
