Propiedad:Sinopsis
De Nodos
Esta es una propiedad de tipo Texto.
(
FLAMENCO + VIDEODANZA: diálogo entre el cuerpo, la imagen y la tecnología. +
A
El grupo Krapp convocó a 10 artistas (coreógrafos, directores de teatro y de cine) para que ensayen posibles representaciones escénicas de la muerte.
El grupo se apropió de esas imágenes, textos e ideas propuestas y las hizo convivir en una puesta en escena en torno a un conocido dilema: "ser o no ser". Intentaron ser fieles a estas ideas, aunque terminaron siendo fieles a sí mismos.
Una obra sobre la muerte escrita por varios autores, un pequeño catálogo de diferentes miradas sobre la muerte y sus modos de exposición.
Solo un intento más, de representar una y otra vez, la muerte en un escenario. +
A los Muchachos encierra una dedicatoria y un homenaje a todos aquellos soñadores y valientes muchachos, algunos de ellos artistas populares, que dejaron TODO para ir tras la huella del reconocimiento y del éxito. En todo viaje se repite una situación: la espera; y nadie mejor que el artista popular para reconocerla en toda su dimensión. Sobre el húmedo aserrín y la gastada alfombra de nuestro circo criollo, "EL NEGRO" y "EL RUSO" viajan, esperan... sueñan con la buena estrella +
ACCIDENTAL, pieza coreográfica basada en creación a tiempo real. Bosquejo de composición pensado en una estrategia performática para 2 ó 3 ó 4 intérpretes en escena. ¿Es todo insistencia? ¿Podemos ocupar la resistencia como potencia? Ponemos la experiencia física como desesperación enérgica en vibración constante. Cuerpos que forman trazos, tomando decisiones, produciendo encuentros para reconciliar a otro cuerpo y generar un consenso. Pensar que somos imprescindibles, conectar nuestras intensidades, y amoldarnos para generar una estructura firme, ¿tenemos posibilidad de abandono? Solo hay esperanzas y energías que reciclan fuerzas de aliento y de grito para poder insuflar vida. Si nos distanciamos, hay un cuerpo que muere.
Accidental, es una voluntad de resistencia. Es todo insistencia y ahora. Es una proeza de cuerpos. Accidental, es un ritual, una multiplicidad de fuerzas con furia. La Obra presenta una historia que se desarrolla a través de una incidencia, una tragedia que ocurrió fuera de lo acostumbrado, establecido o previsto. El gran disparador fue una situación real que quedó en el archivo de la memoria, un accidente. Los cuerpos producen un encuentro para restablecer, para reconciliar a otro cuerpo, uno que no está en escena.
¿Cómo nos reactualizamos individual y colectivamente para sobrevivir? ¿Qué pasiones nos comprometen? ¿Qué situaciones nos hacen vibrar más? ¿Cómo pierde la forma un cuerpo cuando está acontecido y agitado? ¿Cómo se conjugan las pieles? ¿Qué desequilibrios existen al separarnos? ¿Cambian nuestras fuerzas según los encuentros? ¿Cuáles son nuestros acuerdos y desacuerdos? ¿Cuáles son nuestras estructuras, figuras, hechuras? ¿Que hay en nuestras mínimas distancias? ¿Quién de nosotros sostiene más? ¿De qué forma nos encontramos? +
Ser parte de un movimiento – no provocarlo o conducirlo – es como hacer la ola en la cancha: una arenga colectiva que sacude temores, amarguras o prejuicios. Nos electrifica y funde en un tiempo compartido. +
La escalera mecánica se toma como una alegoría del automatismo de la sociedad que yendo en la misma dirección, sin preguntarse, hace lo mismo cada vez. Cada “díahoraminutosegundo”. Y va, sin saber que el recorrido fue dibujado por otro, planificado por otro.
La performance se basa en ir en contra del final, de la llegada, para no terminar. En sentido contrario a la dirección inevitable a la cual los escalones nos llevan si nos detenemos. Contraponerse a ser movido en quietud, a la unidireccionalidad, al recorrido conocido de duración idéntica para toda persona que lo inicia.
Un lenguaje físico que connota lo automático en nosotros, y como lo automático, nos refleja determinados, limitados, desconocidos, como una pieza más del engranaje.
Remarcar el desmantelamiento del cuerpo.
Un cuerpo objetivado, un objeto corporizado
La repetición, la rutina, que no se detiene, no repara, no se modifica.
Continúa continuamente, como las horas…persecución infinita
Ir en contra del final. +
Esta propuesta se tomó a pecho una de las preguntas del Festival [[Danzafuera]]: cómo habitar desde la danza los espacios cotidianos de la ciudad de La Plata y se convirtió en un laboratorio de exploración sobre el propio material bailado para la acción. Tomando el trabajo de observar cada paso, darlo vuelta y hacerlo estallar en unidades mínimas que puedan emerger en cualquier momento y espacio disponible. Bailar incómodas, bailar cayendo, bailar pegados o que nos peguen un baile son algunos de los escenarios que imaginamos para estos días de intervención en el más común de los lugares: el colectivo.
Tomarse un bondi es siempre un viaje. Es aprender a compartir una trayectoria con un grupo de personas que no elegimos, nos tocan (en múltiples sentidos). Una vez arriba podemos ser público cautivo de discusiones, parte de la previa de los adolescentes, miembros de un pogo involuntario, testigos silenciosos de conversaciones privadas o protagonistas absolutos cada uno en su película. Pero siempre ponemos el cuerpo de una forma u otra. Sobre esta experiencia es que la danza puede provocar una interferencia y fantasear con otras modos posibles de habitar juntos. +
Venimos cargando frutos de herencias no revisadas y lo que se vive es un escenario caótico de vínculos llenos de incomprensión e incertidumbre. Dificultad en conectar, deseo de conectar y torpeza en el intento.
No sabemos si seremos amados o aceptados siendo “otra cosa” no sabemos siquiera por dónde comenzar a ser auténticos.
Vaciar, revisar, refinar, adaptar, interrogarse, soltar. Elegir. He aquí una travesía.
Amame! +
En el siglo XVII Sir Thomas Browne observó que no hay animal sin abajo, arriba, adelante, atrás, izquierda y derecha y negó que pudiera existir la anfisbena, en la que ambas extremidades son anteriores. Duplicidad eficaz, sus cabezas pueden realizar más de una tarea a la vez: mientras una lloraba la otra reía, mientras una callaba la otra hablaba, mientras una estaba de pie la otra dormía. La una en su lugar y la otra en la cola, como si una no le bastara para descargar su veneno.
En griego quiere decir la que va en dos direcciones. Se dice que si la cortan en dos pedazos estos se juntan. +
Olivia habla al pie de un paisaje con muertos. Bruno pasea y se tropieza con algunos muertos, a los que finalmente hunde. +
Con más cable pelado, fuego y pobreza disfrazada de riesgo que nunca (es decir, más que en el 2016). El objetivo del nuevo montaje es investigar la vinculación entre espacio y puesta en escena, abordando el texto a partir de las obstrucciones, condiciones e ideas que los espacios imponen y aportan. +
Un lugar desde donde el cuerpo que oculta la luz aparece contenido por un anillo iluminado proveniente de la misma luz que obstruye. Ella situada en la antumbra experimenta el eclipse anular, pero si se acerca a la fuente de luz el tamaño aparente del cuerpo de oclusión crecerá hasta que genere una sombra total, umbra.
Antumbra es la relación de la luz con los cuerpos y del estado de aquellos con el contexto. Es sombra. Es un lugar donde ellas se encuentran, se ocultan, viven, aman y mueren.
El universo de movimiento parte de un constante desequilibrio y descontrol. Lo que les sucede, las excede. El dispositivo lumínico resalta los cuerpos y sus recorridos en el espacio, por un lado, y por el otro, integra al espectador a este mundo siniestro.
Esta obra recibió el apoyo de OI HOY, Casa abierta
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El tema está inspirado en un conocido pasaje de las Metamorfosis de Ovidio (10.4). Apolo, el dios de las Artes y Céfiro, el viento de poniente, están enamorados del bello muchacho Jacinto, hijo de Oebal, rey de Lacedemonia (Esparta). Jacinto prefiere a Apolo, y Céfiro, celoso, desvía con su soplo el disco lanzado por Apolo, haciendo que hiera en la frente a Jacinto y le cause la muerte. El dios, profundamente afligido por la pérdida de su amado lo transforma en la flor que todavía llamamos Jacinto. La obra fue compuesta por Wolfgang Amadeus Mozart. +
A través del lenguaje lúdico y comprometido de Julio Cortázar, Así habló el que te dije propone un circuito de instalaciones, ahondando en tres momentos de la historia argentina. Casa Tomada (1947), anclada en el surgimiento del peronismo; Graffiti (1981) una historia de amor en plena dictadura militar; y “La Realidad y Lostein of masturbeiton”, a partir de extractos de Libro de Manuel (1973), que expresan la sociedad mediatizada actual y las barreras sociales del individuo posmoderno. La propuesta del circuito y el concepto de instalación teatral, es una apuesta a un público activo, que recorre las escenas y es interpelado por las diferentes imágenes oníricas que componen cada instalación. +
Un hombre multiplicado por el tiempo, por el camino, por las historias.
Todos los actores son y están en él.
Mojones de un viaje de vida, que en cada función, que en cada mirada, llevará a todos por un camino diferente.
El ritual del teatro, el ritual del folklore, el ritual de la vida.
¡Taba! +
B
En un espacio desértico una mujer porta su cuerpo, sus imágenes-palabras, su vestido. En un espacio desértico un vestido porta el cuerpo de una mujer, sus imágenes-palabras, su vestido. Las piedras se acumulan y el sol transita iluminando un sueño que revoluciona el dormir. +
Ella es una pastora que cree que ha perdido el cariño de su amigo por lo que recurre al gran mago Colas. Este le aconseja a Bastiana que actúe con frialdad hacia Bastián, que finja amar a otro, y así él volverá corriendo. Bastián queda asombrado y pide la ayuda del mago. Finalmente, los dos deciden que han llegado demasiado lejos y se muestran conformes en reconciliarse. A través de las travesuras de Colas, ellos solos entienden el amor y la amistad, ambos sentimientos sustentados en el respeto. La obra fue compuesta por Wolfgang Amadeus Mozart. +
El espectáculo se basa en improvisar una entrevista -abierta a preguntas del público- donde el eterno hacedor de laberintos literarios responde con anécdotas personales, citas a sus textos favoritos y opiniones sobre cualquier tema que se aborde. Además, según palabras que sugiera el público a modo de títulos, el Maestro recitará poemas al mejor estilo borgesiano (improvisados por el intérprete) que se presentarán como el producto inédito de los años en que el poeta estuvo ausente de la vida pública, los cuales dedicó a componer poesías tan infinitas como infinitas son las combinaciones de palabras del idioma Castellano. +
C
CARNADA es una declaración textil.
Una travesía desde el Río de la Plata hasta el Mar Egeo. Un rejunte de redes que traen en sus coordenadas la fantasía, el paisaje.
La ilusión de nadar en todas las aguas para llegar al origen. +
A la medianoche sin piedad, arrancamos.
Quizás escuches la música del mar y hasta quieras bailar... +
Dos mujeres jóvenes, acuden a un encuentro en un bar. Nadie acude a las citas. Ambas llegan, esperan y parten en silencio infinita cantidad de veces hasta que el espacio comienza a transformarse lentamente en otro: el espacio de su imaginario, sus recuerdos, su memoria. Recuerdos y memoria: ¿Qué espacio ocupan en nuestro cuerpo? ¿De qué estamos hechos? ¿Qué zonas de nuestra memoria decidimos visitar? ¿Qué material sensible nos habita? ¿De cuántas maneras podemos nombrarnos? ¿Cómo nombramos lo que fuimos? ¿Por qué las cosas se repiten? +
Cuatro jumanjis están en una fahrenheit re marcianes hasta que una lali propone una macayada: hacer una Carcassonne. ¿Vos te ecualizarías? +
Un hombre, mezcla de espectro y capanga, reconstruye aquel pasado mítico de los mensú, quienes eran enganchados, engañados y explotados en los yerbales del Alto Paraná. Carmen recorre el yerbal cargando un raído su espalda (bolsón de 100kg. en el que se acumula las hojas de yerba mate). Bajo el abrazante calor del monte, su cuerpo se funde, su piel se reseca, sus huesos se pasman1. Paso a paso, tropiezo tras tropiezo, caída tras caída, a lo largo de su caminar en el yerbal se transforma en una sufriente bestia de carga. Zunilda y Pulga comentan sobre lo sucedido a Carmen. Las habladurías dicen que ella recorre los yerbales convertida en buey. Sus historias, y las de tantos otros tareferos transcurren en medio de estos relatos en una polifonía al compás de los gritos sapucais y la cruda melodía de un acordeón que repercuten en la amplitud del monte. +
Una historia, dos almas de universos opuestos y ávidas de un amor que los salve. Anclada en los años cuarenta, época en que el tango representa el pensamiento dominante; y una cruda realidad: su vigencia. +
El fracaso del Proyecto Paraná Las Palmas da lugar a una investigación por parte de la Organización que financia el experimento. Intentando encontrar explicaciones, surgen una serie de historias y personajes que diluyen los límites entre la realidad, los proyectos y los sueños. Células subterráneas, mensajes cifrados, parejas en crisis, tractores antiguos, lugares y personas que ya no son lo que esperamos.
“¿Cuántas veces vieron a una persona esperando en la vía de enfrente desdibujada por la velocidad? ¿En dónde está? ¿Quién era? ¿Qué está intentando decirnos desde el otro lado? ¿Cuánto tiempo nos queda su imagen en la mente intentando dar una respuesta?” +
Espectáculo de humor absurdo donde la magia y la música son las armas de estos dos personajes tan opuestos. El desparpajo de un payaso y la elegancia de un mago se mezclarán erradicando la lógica y la razón del escenario.
Risas garantizadas, sorpresas aseguradas. +
Cod.Esto es una performance transdisciplinar en donde se dialoga sobre la relación del cuerpo butoh con los sonidos, el espacio a intervenir y su reverberancia sobre quienes se encuentren espectando.
Creación junto a Juan Andrés Gómez Orozco. +
Es un unipersonal que nos habla del amor, el enamoramiento, la pasión y sus límites.
Una noche calurosa, Carmen en Coronda… La pelopincho y el vermú le despertaron el apetito… Ya nada iba a ser igual… El Cdor. Vicente Ramella, apodado Monterito, tiene una vida opaca y rutinaria. Una serie de circunstancias, lo lleva a vivir un romance apasionado con la empleada de su casa, que lo hará transitar por lo más sublime y lo más degradante que le pueda suceder a un hombre enamorado. Como en un tango sentimental, queda atrapado por una pasión desmesurada de la que no podrá desprenderse jamás. +
“Un palacio de sangre. El sabor de la nostalgia. La tierra, la tierra, la tierra.
La tierra con el agua, la tierra con el viento, la tierra con los muertos. La culpa te deja sola,
sola con tu propio miedo”. +
Hay en el escenario evocación y memoria rota.Tacos, corridas, valijas, tres mujeres. La llegada del tren, ecos de centáurides y un violín. Surrealismo contemporáneo. +
Es otro día normal en la Oficina de Trámites complejos. Gustavo afina su guitarra, Sampaoli organiza el mate, Móni lee la revista, Torito le sirve el desayuno a sus mascotas y Olga estrena pantuflas. Pero a la inesperada visita de Pedraza, el jefe, se le suma la noticia que a partir de mañana, empezará a trabajar un nuevo compañero, enviado especialmente por el viejo Pellejero, el Director general. La sorpresa y el pánico se apoderan de ellos. Está claro que a partir de mañana, la Oficina de Trámites complejos, no será la misma. +
“Siente que las paredes comienzan a engrosarse, el cuarto la aplasta, los dibujos de las paredes giran en el lugar formando varios molinetes y Alicia espera, tranquila, impávida.
Sólo un movimiento, perfecto, único y rítmico es el que la mantiene viva quizás, su mano. Ese dedo que suspendido no deja de moverse, afirma, niega, sonríe, circula, dibuja.
Su mente inquieta no deja de perseguirla ¿Qué deseas? ¿A quién recuerdas? ¿Cómo lo necesitas? ¿Cuándo lo quieres? ¿Por qué lo quieres? Mejor esperar, esperar soñando.”
Cuatro personajes unidos por un sueño, un recuerdo, intentando salir de él. �Intentando� librarse del estado que es la primavera. +
Cuerpo urbano es una intervención performática que se despliega a través del cuerpo butoh y su afectación con diferentes transauntes que se encuentran en las calles de la ciudad de
La Plata.
Creación junto a Fernanda Guaglianone y Guillermina Mongan. +
La memoria ocurre en lo evidente y en lo oculto. En LA RAÍZ, en LA TIERRA, en lo que nutre, y también en lo desconocido y olvidado, en el misterio que puede ser revelado mágicamente en cualquier instante.
SOMOS UN CÍRCULO dentro de un círculo, donde la memoria funciona en espiral. Movimiento, sentidos, emociones e historia son los ingredientes que alimentan la VIBRACIÓN COLECTIVA. Dejarse atravesar por la humedad del estar vibrando y entre tanta RESISTENCIA, el AMOR que empuja, que amontona CUERPOS e INTENSIDADES.
"En una boca está todo lo que puedo ser, en mi nombre está todo lo que somos." +
La obra es la historia de un interno psiquiátrico que representa en su celda, todos los días, el poema El cuervo de Edgar Allan Poe para contar su propia vida. En el transcurso de la obra, descubriremos los lugares más oscuros que oculta nuestro personaje. +
Céfiro 15.15 es una performance en la que se cruzan diferentes lenguajes artísticos en una estructura abierta delineada por algunas pautas generales.
Las imágenes que nutren esta performance tienen que ver con esas cuestiones que aparecen de modo efímero pero recurrente, ciertos climas que el recuerdo difuso activa. Las presencias y ausencias, la fugacidad y la reiteración, son algunas de las ideas que configuran el material sonoro y visual de la obra/instalación. Desde el lenguaje de movimiento no se estipuló una "coreografía" sino que se trabajó en base a una propuesta de composición en tiempo real, a partir de materiales de movimiento con los que se experimentó e improvisó durante el proceso de creación. En esta parte del proceso creativo se sumó el VJ Edgardo Rolleri, quien propuso algunas ideas de intervención multimedial que también son operadas en tiempo real durante la performance. +
En un lugar imaginado, tres piratas se sumergen hacia una aventura única, buscando un cambio repentino para sus vidas. Tormentas, naufragios y diversas peleas son algunas de las hazañas que enfrentarán en el peligroso camino hacia el tesoro. "Código Pirata" invita a los espectadores a formar parte de un verdadero código lleno de magia, acción y diversión. +
D
Dalias de dormida luna juega desde la poesía con los recuerdos y los personajes del pasado que se alojan en el cuerpo de la actriz Margarita Xirgú, junto con la fragilidad del exilio y la carga dramática de la obra lorquiana en la promesa de un reencuentro que tarda en llegar. +
Basada en un caso real, el de una niña de la tribu aché criada por los mismos colonos que habían asesinado a su familia. Luego, llevada a la casa de la madre de Alejandro Korn como muchacha para la limpieza. Mucama, sirvienta, esclava. Lo único que tenía para sí era su cuerpo y tres palabras de su antiguo idioma: caibú, aputiné, apallú. Por su comportamiento fue confinada en un hospital psiquiátrico, donde fue fotografiada desnuda por Robert Lehmann- Nietsche, antropólogo y profesor de anatomía artística del Museo de La Plata. Muere a los 14 años. Tiempo antes, su cabeza ya estaba destinada a ser estudiada en Alemania. Su cuerpo fue descarnado en el mismo museo, donde su esqueleto permaneció en un depósito hasta que antropólogos de GUIAS la descubre. Damiana hoy descansa en su tierra, donde fue llamada Kryygi. +
Ideas-fuerza:• Cuerpo/máquina• Cuerpo vivo/cuerpo muerto• Frankenstein de Mary Shelley, zombie de cualquier película clase B , Olimpia (la del Hombre de arena, cuento de Hoffman) intentando cobrar vida.• El pasado romántico y sus ideales en relación a la delicadeza femenina, traspuesto a la actualidad.• La muñeca, la marioneta, ¿viva o muerta?La performance se plantea como un recorrido, avanzando entre el público lentamente.Se utiliza una cajita de música que acciona la intérprete, ese es el diseño del plano sonoro.Se interactúa con lo emergente, incalculado, que surge desde el público y el espacio y su arquitectura, afectando a la intérprete. +
Banfield-México era un sueño. Un viaje que comenzó en 1992 y que intentaba recorrer toda América. Banfield-México es una obra que cuenta historias reales y anécdotas de ese viaje con títeres, viaje que duró 12 años. En 2004 se concretó aquello que había sido una frase alocada, un capricho.
[[Archivo:Bobi y Sergio.jpg|thumb|El es un tipo triste y yo un tipo divertido entre los dos hacemos una nostalgia que causa gracia. Bobi]]
[[Archivo:Virginia y Sergio.jpg|thumb|Mirá cómo me escuendo. Virginia]]
[[Archivo:Beto y Sergio.jpg|thumb|Salú. Beto]]
El espectáculo consta de 6 momentos en los que el Titiritero y sus muñecos conversan con la gente, también el Titiritero comparte con los espectadores un espacio de preguntas para que los presentes puedan acercarse a esa experiencia que lo devolvió artista. Caminante y artífice de su propio sueño.
1-De Banfield a México – El Titiritero
2-Vos sabés lo que te falta – Bobi
3-El viaje – El Titiritero
4-¿Estoy? No estoy – Virginia
5-¿Vos, de qué signo sos? – Beto
6- La Vida es Maravillosa – El Titiritero +
El proyecto busca develar la construcción de un personaje para evidenciar su complejidad. Se pregunta sobre la construcción de un ser dramático y a su vez la imposibilidad de poder quedarse él mismo encerrado en esa construcción. Las emociones, los miedos, la vitalidad, las fortalezas, la tristeza, el enojo, el placer se pone en juego a través de este personaje que convive con sí mismo y su propio mundo.
[[Archivo:De eso se trata 2.jpg|thumb]]
[[Archivo:De eso se trata 1.jpg|thumb]]
[[Archivo:De eso se trata 3.jpg|thumb]] +
“DE-CAPITA” es una performance inspirada en formas de resistencia y fabulación, desde las actividades cotidianas de nuestra sociedad para crear en un acto poético, que invita a un grupo de artistas o más, hombres y mujeres, a que se suspendan del techo por sus pies por un tiempo de una hora aproximadamente. Estarán vestidos con una falda de tela de gasa larga y blanca que se descuelga desde sus vientres hasta arrastrarse en el piso, cubriendo la parte superior del cuerpo que lo que re-crea un bosque de carne.
La acción está atravesada por un acontecimiento político que tiene que ver con las marcas que la violencia ha dejado en todos los cuerpos, tanto la exclusión sexual, racial, religiosa, pero también una posibilidad de a través del arte, lograr el cambio, buscar otros puntos de mira, de fuga, de incorporar la complejidad artística desde narrativas diferentes. Por ello, los artistas que se colgarán del techo serán anónimos, sus caras estarán tapadas y sólo se verán sus extremos inferiores, tratando de crear en el anonimato, una manifestación de la necesidad de reconocernos como seres humanos, a pesar de la diversidad.
Los performistas que estarán suspendidos trabajarán de acuerdo a sus propias posibilidades, recreando una comunidad, pero a su vez buscando en este desprendimiento, percibir las diferencias en los cuerpos, el manejo de la postura corporal, la incomodidad y la resistencia. Cuando el artista ya no pueda mantenerse por más tiempo, un grupo de auxiliares (vestidos con overoles de tela cruda), lo ayudarán a bajar y se quedará en el piso, mientras los otros siguen suspendidos. Cuando todos hayan bajado, entonces se dará por terminada la performance. +
Suponiendo la existencia de un espacio interno tangible donde habitan nuestras ideas y sensaciones más íntimas.
Un pozo dentro de uno.
¿Cómo lo representamos en escena? ¿Ese lugar existe? +
Para esta intervención las performers se posan activamente frente a un dispositivo de comunicación experimental. No hay espacio dentro de él pero si barreras y límites. Quienes observan, encuentran cuerpos condicionados por el acto de la comunicación, y a la vez geometría oblicua, sinérgica y compleja en movimiento. Como una máquina propulsada a sangre y a intelecto reactivo e inconsciente, la sensación grupal de quienes la mueven dan cuerpo simultáneo a la obra. +
La Casa Curutchet vive fuera del tiempo, tiene un centro, pero no tiene fin; incontables veces la recorrimos perdiéndonos en ella, sin poder recordar exactamente que hicimos allí. La Casa Curutchet, es intocable, su claridad pura inunda todos los espacios y observamos como alucinadas que la casa flota vacía y aún con vida, como un fantasma, en la ciudad.
Necesitamos tener los pies en la tierra. El Sótano de La Casa Curutchet es feo, oscuro, oculto y funciona como depósito de artículos de limpieza. El Sótano de La Casa Curutchet, no es La Casa Curutchet, es su revés; se puede tocar, es nuestro laboratorio y ahí comprendimos lo que ya sabemos: lo que podemos imaginar siempre existe en otra escala, en otro en otro tiempo, en una fotografía, en un sueño, o todo junto en un pequeño Aleph. +
Abusando de la inespecificidad de la danza contemporánea actual y su tránsito por una atmósfera confusa y borrosa, en la que el punto de partida para crear deja de ser la técnica y pasa a ser un gran campo de heterogeneidades, en el que las obras surgen de zonas de indecibilidad compuestas por nebulosas y vapores, una ex-bailarina frustrada cumplirá al fin su sueño de bailar un solo en escena. +
¿Existe una danza en la palabra escrita? ¿Cómo se traduce la potencialidad de la palabra escrita a un cuerpo? ¿Se puede bailar una revista? Aprovechando la oportunidad de la presentación performática del Nº 1 de la revista “El ojo y la navaja” una bailarina frustrada concretará finalmente el sueño de bailar. +
Diez Minutos Después es la historia de un personaje que hace, teatralmente, todo aquello que no se debe hacer. Todo esto debido a circunstancias excepcionales. Debido a ello se pone de manifiesto la teatralidad, la metateatralidad y todo aquello que hace, desde lo periférico, al teatro. Este personaje irá resolviendo los conflictos que se presentan y hará avanzar la historia de la manera que pueda, y como pueda. +
Dorothy es una adolescente desobediente con mucho carácter que en un día como cualquier otro es llevada por un tornado junto a su perro Toto a la grandiosa tierra de Oz. Allí descubrirá personajes muy peculiares como los pequeños Munchkins y las despistadas Brujas Hermanas y sin quererlo se embarcará en un viaje para pedirle al Maravilloso Mago de Oz que la ayude a regresar a su hogar, pero no será tan sencillo porque se encontrará con la Bruja Mala del Este y Oeste. En el camino de ladrillos amarillos Dorothy y Toto conocerán amigos inolvidables como la Espantapájaros, el León y el Hombre de Hojalata que también necesitan la ayuda del Gran Mago, pero al final del recorrido descubrirán que todo lo que querían siempre lo llevaron dentro de ellos. Tambien conocerán a la Bruja Mala del Este y el Oeste que complicará este recorrido pero serán todos ayudados por las Brujas Buenas “de quien sabe donde…”. +
La historia se desarrolla a partir de la desaparición de Ana, quien atraviesa el umbral de lo conocido, para sumergirse en un mundo de fantasía. En este nuevo escenario onírico, y a medida que avance en el camino, irá construyendo su identidad y así, buscando el regreso a casa. Aniceto, su padre, oscilará entre el mundo mágico y el real, buscando a Ana, física y emocionalmente.
Durante el recorrido, aparecerán personajes que representan el silencio, el olvido, el miedo, el poder, el paso del tiempo; quienes intentarán interpelar, persuadir, y obstaculizar a Ana y a Aniceto en el camino hacia su reencuentro. +
E
EL ÉXITO surge como continuación de [[EL FRACASO, una obra de teatro acerca de una obra de teatro que nunca se pudo estrenar]], producción del TACEC Teatro Argentino de La Plata. El trabajo se centró en continuar con el tratamiento singular de algunos temas planteados en la obra anterior: qué es el éxito, qué es el fracaso, qué relación hay entre la actividad teatral y esos tópicos. EL ÉXITO partió de una profunda investigación de la poética de Federico García Lorca y su reflexión onda acerca del amor, lo masculino, lo femenino; las frustraciones y fracasos de las relaciones humanas. La obra se realizó en dos salas teatrales. El primer actor transcurrió en el [[Centro Cultural de los Balcones]], allí se hizo un abordaje del espacio real como disparador de formas escénicas y lenguajes de actuación; tomando la "La casa de Bernarda Alba" como material rector. El segundo acto se desarrolló en el [[Espacio 44]] tomando las luces, el sonido y la espectacularidad como regidor de la escena. En este acto se pudo ver una suerte de casting -ficcionalizado- de las actrices para participar en una obra de Lorca. El entreacto se realizó caminando las tres cuadras que separan un teatro del otro, allí la no-ficción marcó las reglas, el público recorrió esas cuadras junto a las actrices, dejando que lo real intervenga en la obra. +
''Efímero Festín'' trata sobre el medio ambiente y su destrucción en el tiempo. Apela a la sensibilidad y a la concientización del riesgo de la decadencia del entorno. Nos habla de una cuenta regresiva en la arrolladora inmensidad de un continente desierto, inhóspito. El recurso es apostar al impacto visual de lo blanco, en contraste con otros tonos: negros, blancos y marrones. ¿Fatalista, sangriento? Con un gran apoyo en lo sonoro, la conjunción de toda la puesta nos invita a pensar la especie humana desde lo solitario a partir un evocador personaje de rostro blanco atrapado: en la agonía de la soledad, en la cuasi ausencia de lo humano.
Este video-danza se encuentra enmarcado en el programa de cultura de la Dirección Nacional de la Antártida (DNA), dirigido por Andrea Juan, que promueve el desarrollo de proyectos artísticos en la Antártida a realizarse entre noviembre y marzo de cada año, con la posterior exhibición de los trabajos en diversas instancias. +
"Cerrar los ojos como si fuera un atajo, lo que buscamos no existe, viviendolo lo creamos"
"El huevo mestizo, chiquito pero con mucha proteína" +
“El Dojo” es un espectáculo de improvisación teatral de estilo Long Form. Es decir, la obra es construida por sus actores en el momento del convivio teatral. Los elementos preestablecidos para construir la trama son el espacio y el tiempo. La historia siempre transcurrirá en una casa cuyas paredes translucidas nos muestran distintas escenas simultáneas en sus habitaciones. Los personajes recorren este espacio, se vinculan, lo intervienen, permanecen, ingresan y lo abandonan. El espectador es el “Gran Hermano” de este hogar; es el observador omnisciente que; en la medida que transcurre el tiempo, conoce a los personajes; tiene “la supuesta verdad” de todo lo que sucede. Este hecho se convierte en un desafío para los actores, jugar con esa verdad; con lo que se deja ver y lo que se esconde. Los intérpretes tienen cincuenta minutos para construir la obra; presentar una plataforma, desarrollarla y resolverla; para ésto es necesaria una completa escucha de lo que está sucediendo y también una actitud oportuna que colabore con la trama. Es decir, es necesario que el actor sea sensible a lo que la historia necesite; por momentos será sostener, permanecer, construir desde lo pictórico y en otros casos, será útil proponer un conflicto, resolverlo e incluso, generar caos.
Estas características del formato lo convierten absolutamente atractivo y desafiante para sus actores; los cuales son dramaturgos, directores e intérpretes en el momento mismo de mostrar la obra. +
Confundir, diversificar, entrelazar, desdibujar y entremezclar los límites entra varón y mujer; humano, animal, vegetal y mineral; rostro y cuerpo; global y latinoamericano, arcaico y contemporáneo; inmanencia y trascendencia; danza profesional y no profesional. Desde una propuesta metafórico corporal y de una puesta en escena que integra una investigación en el campo de las artes visuales. +
Luego de un tornado, Dorothy y su perro Toto caen en un mundo de fantasía. En él, conocerán a el Hombre de Hojalata, y al Espantapájaros, y juntos vivirán muchas aventuras. +
Una sanción. Cuatro estudiantes sin teléfono celular. Una hora para escribir las disculpas por sus errores. ¿Quién responde a sus preguntas? ¿Quién atiende a sus reclamos? ¿Quién está del otro lado? +
Un psicoanalista que dice estar estudiando la psiquis de los personajes literarios, después de atender al último paciente del día, decide quedarse a dormir en el su consultorio. Al rato de quedarse dormido, escucha que golpean la puerta, y piensa que es su secretaria que se había olvidado algo, pero se lleva la gran sorpresa cuando se le presenta el mismo Martín Fierro en persona, pidiéndole si lo podía atender. De ahí en más, se desarrolla una serie de divertidos enredos entre los dos personajes. +
“El Pululador” es un espectáculo unipersonal de improvisación teatral dirigido por Jorge Pinarello e interpretado por René Mantiñán. La obra es construida por el actor a partir de un único estímulo sonoro que es una pieza musical, la cual se reproducirá azarosamente y musicalizará la primer escena improvisada. Allí, a través de un gran despliegue corporal del intérprete y el acompañamiento continuo de los efectos multimedia; se establecen las bases de tres historias. La obra presenta una estructura dividida en cinco partes; una primera instancia de juego físico-asociativo del actor y un planteo general de la trama; luego se construyen tres conflictos diferentes y finalmente; el espectador observará como se entraman las historias para fundirse en una sola obra. Más allá de los recursos narrativos; como los flashbacks y la utilización una tercera persona omnisciente, que encarna el actor como un narrador que describe poéticamente la escena que están viendo los espectadores; lo que implica una gran disociación y virtuosismo del intérprete; sumado al continuo acompañamiento en vivo de los recursos tecnológicos que potencian y enriquecen la escena; cabe destacar que “El Pululador” es un espectáculo teatral con los códigos propios de este lenguaje, donde los climas y los estados mantienen en permanente tensión al espectador; lo modifican y lo transforman. El diseño multimedia fue creado “a medida” por otro miembro de la compañía “Vuelve en julio”, Mauro Menegat quien trabajó teniendo en cuenta las necesidades estéticas y narrativas del espectáculo. +
"Con vacilación, con impericia se buscaron con las manos y se estrecharon en un abrazo atolondrado y tenso, y se quedaron así durante largo rato, como si el menor movimiento, pudiera permitir la fuga de esa cosa extraña y terrible que aferraban con ese abrazo".
("Stoner" de John Williams) +
Obra de danza, teatro e ilustración digital en vivo.
Un inspirada en la literatura infantil de la referente literaria brasileña Clarice Lispector.
Clarice cometió un error y quisiera ser perdonada.
Srta Wiki no se equivoca.
Clarice es contradictoria y se dispersa con facilidad.
Srta Wiki es contundente.
Clarice es franca y expresiva.
Srta Wiki es rotunda.
Una es inquieta y la otra firme.
Pero Srta Wiki y Clarice son la misma mujer…
¿Quién no se sintió así alguna vez?
Esta es la historia de un secreto.
O de la confesión de un secreto.
O de una mujer alborotada que adora a los animales.
O quizás, simplemente, es la historia de Clarice. +
Actualmente el sol se encuentra en una especie de letargo o de receso sin sus manchas características. El sol quieto.
Este proceso generará cambios insólitos en la tierra. +
Tartufo: (Sinónimo popular HIPOCRECSIA : Vicio que consiste en la afectación de una virtud, cualidad o sentimiento que no tiene uno) Decía Moliere defendiendo su obra: ”Corregir a los hombres divirtiéndolo…y entre todos los vicios la hipocresía es sin duda una de los que mas se usa de los mas molestos y peligrosos. De eso se trata esta obra, comedia escrita en el ¿1600…? Pero mas actual imposible…Es la historia conocida de un falso beato que engaña a una familia para apoderarse de sus bienes a cualquier costo, enamorándose de la mujer de su ingenuo amigo Orgon o mas bien tan vivo como el, tratando de entrar a la familia casándose con la hija del dueño de casa pero el amor mas fuerte vence al hipocresía y por un momento parece que todo va estar en su lugar cuando este vicio resurge y…. todo queda bien y no pasa nada… +
La obra “El Vestido” trata sobre la violencia no explícita, la que en forma velada interviene en todo vínculo, y es antecedente de la forma específica de género.
Los recursos expresivos aluden al lenguaje onírico del inconsciente para situarse dentro del plano del mundo emocional que nos habita. Cada elemento incluido es vehículo de un contenido simbólico que pretende resonar en el espectador para que tome contacto con lo que no se ve y no se dice, pero sí se siente. +
Imaginen recorrer las profundidades del mar, la inmensidad del universo, los misterios de la selva, o descubrir lo que se esconde en el interior de una simple caja de cartón.
El viaje de la medusa nos propone ser parte de esta expedición, guiada por un grupo de cuatro actores curiosos que nos recuerdan que para jugar solo necesitamos de nosotros mismos.
Esta obra de teatro es un viaje al mundo de la imaginación, que a veces solo esta despierta en nuestro sueños. !Marineros a bordo!! Infinitas maravillas nos esperan! +
Villa turística "Las Salinas". Tres hermanos se refugian en el viejo y abandonado Hotel Pampa. Antes de que los atrape el agua buscarán la salida:volar hacia la ciudad del futuro. Sin embargo, una nueva crecida deja sumergido aquel remoto pueblo.
El encierro, la lluvia que no para y las múltiples lecturas de un mismo acontecimiento vuelven insostenible el contexto e incomprensible su naturaleza amenazante. +
Encerrada en un círculo fractal, una pareja se condena a repetir una rutina que llevará a Ana y Martín a enfrentarse con lo peor de sí mismos. Ahogados por el aburrimiento luchan por sostener lo insostenible convirtiendo al espectador en un testigo morboso de una realidad que podría ser la suya. +
La obra narra la historia de un hombre que un día se despierta en su cama con una mujer desconocida a su lado. No se acuerda de nada. No sabe quién es ni de dónde viene. El hombre y la mujer, los dos únicos protagonistas de la obra, se dan cita para las siguientes nueve noches. Al mismo tiempo, ambos se alejan cada vez más de la realidad. Se enredan en un tejido de promesas mutuas, repasan sus recuerdos de infancia, intentan comunicar sin palabras y estar juntos en la ausencia. El animal invisible que ella le regala en la cuarta noche devora sus sombras en la última, la novena; es el desenlace nostálgico, conmovedor y descorazonador de una despedida de la materia.
La obra plantea una abstracción entre el ser espiritual y el corpóreo. Se utiliza un lenguaje contemporáneo multidisciplinario utilizando proyecciones filmadas y en vivo, sonidos procedentes de diversas fuentes, y objetos con categoría de personajes. Siempre con el fin de sostener la credibilidad del absurdo, que se plantea donde lo onírico sucede frente al espectador como si se tratara de un acto de magia. Se propone generar un clima de “extrañeza naturalizada” donde lo que ve el espectador es lo que ocurre pero no es naturalmente posible.
El espacio escenográfico aporta a la credibilidad del absurdo, ya que es casi circular y cerrado, donde el espectador espiará la obra a través de muros translucidos. A su vez, el autor muestra un cambio gradual de género. Las palabras se apoderan del espacio literalmente. Lo anulan, lo oscurecen, lo hacen nada. El montaje se apoya más en la palabra que en las imágenes y en la acción, por lo que se plantea un rico trabajo con el actor y sus propuestas. +
Dos mujeres, dos historias atravesadas por la muerte, el adulterio y el juego. Dos historias que abundan en lugares comunes pero relatadas desde el artificio y la hipocresía en los cuales habitan esas mujeres. +
María: Una mujer perdida entre recuerdos y olvido. Enferma y sola, su nombre es hoy un grito desgarrador que nadie quitará. El problema de una identidad vedada debido a las alteraciones y el dolor sufrido cuándo se niega la existencia +
Basada en textos de Genet (Las Criadas), E. Goldar (El burdel), Gerardo Brá (La mutual de los rufianes) Jacques Lacan (Tesis), es la historia dramática de Ana y La Rusa, dos hermanas judío-polacas, que habían sido traídas de su patria natal a la Argentina en 1920 y obligadas a trabajar en un prostíbulo de Avellaneda, en donde perdieron hasta su propia identidad, dado que no usaban sus verdaderos nombres y estaban indocumentadas. Después de 20 años urdieron un plan para hacer encarcelar al político que ampara el prostíbulo y desprestigiar a La Madama y así poder recuperar su identidad. +
Argentina, 2043. Los gases contaminantes del Riachuelo han propagado un virus que revive a los muertos. Los vivos se ven obligados a refugiarse en sus casas ante las hordas rabiosas, que los matan y devoran. En este mundo devastado, una familia lucha por sobrevivir sin perder su humanidad. Pero la única posibilidad de lograrlo será lobotomizar a las bestias... aunque eso signifique meter a uno de ellos en su propia casa.
Lejanamente inspirado en el teatro de fiesta y horror de Artaud y en su ideario destructivo de la peste, El país de los muertos utiliza la proximidad actor-público para potenciar el miedo del espectador: el actor es una amenaza. El cuerpo en primer plano. Se trabaja con el objetivo de conseguir gran despliegue visual, como en una película, aprovechando todas las referencias cinematográficas posibles. Hacer teatro como si fuera cine. En correspondencia a la historia del género, la obra es un espejo ácido que refleja la forma en que las clases medias ven a los pobres. Como siempre en la historia humana, la construcción del ‘otro’, su deshumanización, es lo que permite la masacre. +
El Poeta y el Duende es un recorrido por el pensamiento, la obra y el universo musical de Federico García Lorca.
Las canciones españolas se intercalan con sus poemas y monólogos teatrales. +
Construida a partir de distintas escenas, “El Pulgar oponible” propone una reflexión abierta en torno a las respuestas del hombre a la problemática ambiental. Ofrece un abanico de imágenes críticas vinculadas a la problemática del calentamiento global y la incidencia del daño del capitalismo sobre el planeta. +
El Ángel Rubio y su camarada de armas, Jorgito Rafael explican a los niños qué es un “Proceso de Reorganización Nacional” utilizando claros ejemplos escolares. +
“Ellas Saben” busca interpelar a las mujeres que en la actualidad seguimos condicionadas y atadas a los mandatos sociales y culturales. Las distintas formas de violencias que seguimos padeciendo; la cosificación y los micro- machismos que se siguen naturalizando; el condicionamiento y abuso que sufren nuestros cuerpos día a día, es lo que se expone en esta propuesta artística. Así mismo, pretende que quien no se perciba mujer pueda transitar estas ideas y sensaciones para comprender desde un lugar sensible el rol que se le ha dado a la mujer durante siglos y de esta manera poder entender la necesidad de deconstrucción para abonar a un verdadero cambio en la sociedad. Buscamos abrir y profundizar estas temáticas para sumarnos a los distintos debates de género que hoy se están dando con más frecuencia y mayor compromiso en distintos ámbitos. Entendiendo que el Arte es un eslabón central que refleja, critica y transforma nuestra realidad.
“Saben, ellas acarician un lugar íntimo generador de fuerza creativa. Recorren los sentidos volviendo a su propio origen. Sabor, olor y percepción….”
“Ellas, saben cuál es el camino, se entienden, se comunican, juegan, se acompañan desde ese lugar que las identifica. Caminan juntas buscando liberarse en cada paso. +
Esta obra performática plantea un recorrido visual y corporal por una Selva imaginada y conceptualizada como extraña, inacabable, misteriosa, ancestral. Todo el espacio y tiempo es conocido y sentido por los seres que experimentan y habitan la Selva: corren, espían, tocan, olfatean. Se atreven a permanecer allí como espíritus vivos guiados por los sonidos e invitan a quedarse. +
Espectáculo con secuencias inconexas a modo de estampa que pretende revisitar tòpicos que atraviesan el mundo de los adultos, el lenguaje, la mirada , las situaciones. Un primer cuadro indagando una situación de mandato y dejando al libre albedrío del espectador el lugar del deseo, una pregunta y una respuesta a encontrar. Un cuadro central que nos muestra la tensiòn del espacio de poder, la inquietud del espìritu confrontando lo imperativo. Como cierre: la libertad que se manifiesta simplemente en un par de anteojos que alienten y refresquen la mirada +
:::'''Revolución'''
::::''a Emilio Pernas''
Las sillas se sentarán sobre nosotros
las perchas se nos colgarán
los pisos habrán de arrastrarnos
seremos empujados por la puertas
pateados por las pelotas
tirados por las barajas
arrugados por los papeles
mojados por los pañuelos
encendidos por los fósforos
disueltos por los azúcares
revueltos por las cucharas
bebidos por el agua
y no será más que justicia.
::::Saúl Yurkievich. En: "Ciruela la loculira", Ediciones del Asterisco, La Plata, 1965.
+
Lejos de los abundantes ensayos sobre mujeres, este es un ensayo de mujeres que tratan de recuperar el cuerpo vestido. ENSAYO ALCALINO es una acción premeditada que se desarrolla frente a un público sediento de espectáculo que posiblemente se vaya con las manos vacías. En esta vidriera no hay show que valga, lo único que está a la venta es una prenda resultante de 20 min de acción.
Basado en la serie de actos desarrollados durante el 2012, ENSAYO ALCALINO se nutre del análisis de los puntos fuertes de dichas experiencias como de una investigación dura y pura del material a abordar, desde su complejidad histórica, política y afectiva. El Jean entonces es más que un pedazo de tela y se presenta como una trama que nos envuelve en varios aspectos. Más allá de los mitos sobre sus orígenes, sabemos que el denim es una tela tejida en lanzaderas con urdimbre teñida de índigo, una sustancia natural a la que le debe ese color irreproducible por otros medios. Pero fundamentalmente es su “mala solidez” al lavado y el frote seco lo que nos atrae y nos vuelve locas. El “vaquero” confeccionado con la tela denim puede venderse como un producto acabado, pero lo cierto es que se termina cuando sale a la calle durante su uso, debido a la variación que produce la mala solidez. Si alguien oyó una definición más parecida a la del arte contemporáneo, que chifle durante la función.
Mucho se ha escrito sobre el jean por ese afán moderno de actualización constante y fue ropa de instrucción militar, de trabajo, underwear, casual, de noche: un pret a porter continuo. Es como la obra que lo piensa un objeto siempre inconcluso. Una versión diacrónica de la modernidad que se nos ha pegado al cuerpo.
Para ENSAYO ALCALINO partimos de dos piezas de denim Alpargata de 6mts que se comercializan bajo ese formato en Once para abaratar su costo. “Si querés de más extensión estamos hablando de otro precio” dice el señor que nos atiende ante nuestro insistente reclamo. Durante la acción usamos lo que se llaman vulgarmente y técnicamente, vaya coincidencia, retazos para armar un vestido. Somos aquel discurso que se construye a partir de la materia significante de otro discurso que se nos escapa de las manos y llegará bajo alguna marca careta a las tiendas.
Y como “diseñar un vestido es diseñar un cuerpo, vestido” de fondo nos metemos con el cuerpo escénico del artista pero también y por qué no del otro, el desfilado.
Habitamos la constante transformación de un presente que acarrea mil testimonios ancestrales y uno más. Siguiendo un mandato con vistas al fracaso, buscamos la danza de una carta astral. ¿Cuánto hay de real? ¿Cuántas danzas? ¿Quién legitima a quién? Aquí lo tradicional se come a sí mismo en un intento de ocultar las rasgaduras del museo vivo. En la búsqueda por enfrascar el aire y conceptualizar el deseo, aparece algo tan simple como una sonrisa y el susurro de alguna voz que viene de algún pasado que alguna vez sintió algún temblor. +
Eros es una obra de danza y de teatro. También cantamos.
Se trata del amor, del deseo, de la añoranza. De la piel, el goce, la imprecación y la demanda.
Es que vimos muchas películas y novelones. Es que lloramos y nos vaciamos con amores desahuciados e imposibles.
Es que luego nos abrimos y nos quisimos reír un poco de nuestro propio melodrama.
Somos mujeres, nos perdimos y te lo queremos mostrar.
Para que te encuentres y te pierdas con nosotras, diluyéndote en una casa que te envuelve, te habla y te hace vibrar. +
Teatralización de los problemas cotidianos que sufre City Bell donde la falta de recolección de residuos, el transporte público y el cambio de denominación de calles no son temas ajenos. Con ojo crítico los vecinos/actores exponen su postura sobre cómo se ha ido desdibujando la identidad de barrio y proponen de manera creativa regenerar aquellos lazos de buena vecindad entre la comunidad. +
Esto NO es la Metamorfosis es un proyecto escénico de danza/teatro que procura poner en escena a través de la presentación de varios bocetos una obra que cambia con el tiempo, construir una obra nunca terminada, y que aquello que se muestre en cada boceto de cuenta de los procesos internos de estudio, pensamiento e investigación sobre el cuerpo y sus potencias tomando la obra de Kafka como disparador inicial de imágenes, permitiendo que la relación con los espectadores y con el tiempo en escena y entre presentaciones se incorpore a lo obrado. Crear una obra que permanezca en cambio permanente o pueda nunca terminar de verse. +
En el bullicio de la ciudad, mientras todo anda sin pausa, se abre un paréntesis. Dos esencias despiertan, se observan y exploran lo sutil.
Del hallazgo fatal de la angustia existencial hay sin embargo, una salida hacia el exterior.
Así, son dos las almas que con su mirada interpelan, consuelan, requieren, comunican y se preguntan:
<blockquote>
Mientras me miras, ¿Alcanzas a verme?
Mientras tus ojos, inertes, reposan sobre mí, ¿Alcanzas a ver mi dolor?
¿Podrías por un instante estar en mi piel?
Soy la otra, el otro, tu próxima, tu próximo, sólo nos separa la vidriera.
</blockquote> +
La pieza aborda el proceso de enajenación de una persona desde una perspectiva introspectiva, dramatizando el contraste de ambos hemisferios (uno, sensible y abatido, el otro - automata, ultraracional e implacable-), alternándolo con pasajes oníricos. La obra se desarrolla en un mismo tiempo espacial y argumental divido en 9 cuadros. +
F
Feliz es un festejo de cumpleaños ritual, es celebrar la ausencia, la espera de invitados que no llegaron, la porción de torta que sobró, los deseos olvidados de pedir o que jamás se cumplieron. ¿Materializar la ausencia desde la danza? Esta pieza es un reflejo de muchas inquietudes, es un pasaje constante en una línea que es tiempo, es energía, es espacio, es danza, es un cumpleaños feliz. +
Lo anacrónico es contemporáneo.Lo contemporáneo es anacrónico.Lo que está a la moda es demodée, siempre.(Giorgio Agamben) +
Una mujer loca por amor. Alguien que lo ha dado todo sin recibir nada a cambio, cree encontrar una única salida para darle respuesta a todas sus preguntas. ¿Sus elecciones la llevaron al extremo o el destino le ha hecho trampa? Da igual, ya nada podrá empeorar las cosas. La pasión, el amor, la ira, la locura y el extravío estarán presentes en este encuentro. +
Formas de hablar de las madres de los mineros mientras esperan que sus hijos salgan a la superficie +
Citación en mano, Isabel llega a la oficina de la mina en la que trabaja su hijo. Sin noticias de Luis desde el día en que entró a trabajar doce años atrás, espera obtener información sobre él. Allí la aguardan un par de empleados que le ofrecen una ayuda que se pospone indefinidamente. Isabel es sometida a una serie de instancias de averiguación sobre su propia vida. El motivo de la cita queda en suspenso, se dilata, se distorsiona; otros hechos se suceden en su lugar para revelarnos el verdadero sentido de la escena. +
Basada en la historia de Camila O'Gorman y en la de Manuela de Rosas y Ezcurra, la obra entrecruza lenguajes y géneros, logrando un tejido complejo, que refleja tanto la sociedad de la época como la mirada actual de atrocidades similares. La búsqueda estética se intensifica hacia la superposición de formas e interpretaciones de la realidad.
Johanna Lezcano y Soledad Oubiña, encarnan la amistad de estas mujeres, desde el juego escénico tradicional y contemporáneo. Fragmentos de la Historia Argentina atravesada por innumerables posiciones y miradas que nos forman y conforman. +
Fútbol, una tragedia es una adaptación criolla y oportunista del clásico de Esquilo “Los siete contra Tebas”. Luego de la muerte de Eltipo, la descendencia se disputa el mando del Country Marginal “La Taba”. Arrastrados por una maldición hereditaria y cabulera, los hermanos ElTeo y ElPol resuelven el conflicto en un partido de potrero picante y con pretensiones de barriada. Una vez muerto el padre, ¿quiénes son los hijos? No se descubre nada nuevo, no hay nada nuevo aquí. Sólo repetir hasta el cansancio. Nada nuevo. Tal vez un temblor, la inminencia de una matanza mayor. Entre metáforas futboleras y privilegios trágicos, la intimidad familiar deviene espectáculo. +
G
Glitch : Error imprevisto en una sistema, usualmente electrónico. Falla menor que arruina el éxito sin afectar el funcionamiento o rendimiento del programa.💥
Ellas habitan una aparente estabilidad, no se conocen entre si pero sostienen al mismo mundo. La inminente falla las encuentra. Desorientadas, se vuelven más cercanas al quebrarse sus cimientos. La cosa está hecha de muchxs.
La Ferviente se sumerge en la exploración de lo multidisciplinar en la escena. Sospechan, dudan y arriesgan el éxito de sus lenguajes por la convivencia, por entrenarse en la tarea de lidiar con la diferencia. +
GALA FINOLI es un espectáculo de clown, con formato de varieté: hay números grupales que abren y cierran el show y dúos de Clowns para todos los gustos. Durante el lapso de una hora se podrá disfrutar de disparatadas escenas a cargo de distintos personajes clownescos. GALA FINOLI deleitará a un público preferentemente adulto o a niños mayores de diez años. En GALA FINOLI comenzamos con un primer dúo de clowns en apuros, donde el retraído Lino termina encontrándole el gusto a las tablas, dejando perpleja a la experimentada y estricta Fortunata. Luego presenciamos el accidentado “pas de deux” de Canela y Chicho quién termina metiendo literalmente la pata en la lata. No faltará el número de tinte político pertrechado por Gretele y Ups aunque el final se les irá, obviamente, de las manos. Tampoco estarán ausentes, en esta GALA FINOLI, la emocionante escena romántica protagonizada por Rojito y Lincoln aunque, entre ellos, el amor no sea muy correspondido, ni la escena del adorable Chapita que, en su intento por pasar por un auténtico finoli, nunca podrá llevar a cabo su ansiada presentación. Y por supuesto seremos, también, testigos de la clásica escena de teatro español muy bien interpretada por Coso y muy bien interrumpida por su vestidora personal, la Srta. Ups y del infaltable recital operístico encarnado por las emperifolladas divas de la lírica Lincoln y Cucucha. Al principio y al final del espectáculo nuestros protagonistas nos reciben y despiden con numerillos musicales, donde volvemos a comprobar que los clásicos nunca pasan de moda. +
El tío rico de la familia Donati fallece en Florencia, testando la fortuna familiar a favor del convento de Santa Reparata y a sus gordos frailes. Así comienza esta comedia irreverente en la que Gianni Schicchi (famoso malviviente y padre de Lauretta, la bella prometida del más jóven de los Donati), será el encargado de adulterar el testamento en favor de la familia caída en desgracia y garantizarse con ello la entrada al infierno. +
Yoshiwara, 1927. Ginger lo hizo una vez más. Su danza fue hipnótica; hizo el mundo girar. Con su pierna de metal, la muerte sobrevuela la ciudad. Mientras Matilda pone un disco y le baila al sicario a Lolita solo le queda un dulce consuelo debajo de esas dos cejas... +
H
En un inútil intento por lograr una unificación de criterios, las cosas sólo parecen empeorar. La grieta ya está abierta y lo único que pueda salvarlos tal vez sea ese honorable acto heroico y casi teatral de estar juntos.
Quién lo sabe, tal vez +
Santiago tiene unos 40 años, acaba de empezar una relación con Clara y no sabe si entregarse una vez más al amor. Su pasado vuelve con fuerza sobre su memoria para recordarle que se puede amar y también infundir deseo de morir. ¿En nombre de quién nos proclamamos salvadores de la vida del otro? Parado a la mitad de su vida Santiago se debate entre el miedo y el deseo de vivir. Dos fracasos a cuestas, dos mujeres diferentes y un mismo círculo que se cierra. Las preguntas se vuelven sobre él, desde las antípodas las mujeres de su vida le devuelven un mismo reclamo: la sensación de no existir a su lado. +
Habitación Ventana, se realizó en el marco de [[Máquina para vivir, Intervenciones en la Casa Curutchet]], Intervenciones en la [[Casa Curutchet]], busca generar interrogantes sobre el cruce entre danza y arquitectura mediante la utilización de espacios no convencionales, como nuevas formas de habitar dichos espacios para ambas disciplinas.
El ciclo fue coordinado por [[Constanza Copello]] y [[Juan Trinidad]], y participaron del proyecto de intervención un grupo de artistas, cada uno presentando una propuesta diferente en una parte específica de la casa que el arquitecto Le Corbusier diseñó en la ciudad de La Plata.
Una misma temática atravesará todas las propuestas, basada en el cruce o dialéctica de dos conceptos claves: el del funcionalismo del Arquitecto que diseñó de la casa y el de No Lugar de Marc Augé. Mediante este cruce, se buscarán formas diferentes de pensar y habitar los lugares específicos de la casa a intervenir.
Cada artista realizó una pieza compositiva de corta duración en un lugar específico de la casa, todas las piezas convivieron proporcionando uno o varios circuitos de observación. Se utilizaron tanto espacios amplios como reducidos, creando formas diferentes de abordar el movimiento, y a su vez, diferentes percepciones entre los espectadores que estuvieron tanto en grandes grupos como pequeños, y donde fueron responsables de lo que observaban, pudiendo elegir dónde poner el foco de atención basados en su propio interés. +
Lxs que coordinamos el Festival [[Danzafuera]], nos preguntamos sobre la calle, sobre los cuerpos habitándola y qué pasa en esa relación: sus formas, sus maneras, su historia y su contexto. Pensamos en sus límites, la distancia entre el individuo y la comunidad, sus códigos y constitución. El dónde y hasta dónde de los bordes. Qué pasa en el intercambio a partir de esas ideas, cómo se gesta una acción, lo que nos atraviesa y nos afecta en esta coyuntura. En qué se puede pensar, reflexionar y compartir cuando pensamos la calle, la de todos los días, pero en otro tiempo. Lo público y lo privado, lo visible y lo invisible. Dónde está el foco y cómo se le puede dar entidad a una idea.
¿Cómo nos imaginamos una intervención hoy en La Plata?
Queríamos abrir estas preguntas, entonces convocamos a un grupo de artistas de diferentes disciplinas y con deseos de compartir un espacio de investigación durante tres meses para la creación de intervenciones urbanas. +
“Hacia la Contemplación” es la muestra de un proceso de construcción colectiva en el que la improvisación es considerada dinámica compositiva.
Es una obra que nos invita a formar parte del encuentro de nuestro espacio perceptible más receptivo; a través de la meditación activa con el público. Está sujeta a variantes de tipo formal como son la energía, el tiempo y el espacio determinados. Nuestra estructura está puesta en la organicidad de un relato que entrelazan la música y la danza, sobre los cuatro elementos y el tránsito energético del cosmos.
El desafío es lograr la agudeza psico-emocional para abarcar este proceso. Ya que la auto-exposición a lo largo de toda la obra es tan particular; podríamos encontrarnos en nuestro interior así como en el contexto al mismo tiempo. Comprendiendo un poco más el gran factor de causalidad que nos empuja.
Cultivando nuestros diferentes cuerpos, sumergiéndonos en los elementos y sus dinámicas, atravesando las peculiaridades individuales, habitando el espacio y el tiempo, limpiándonos y llenándonos, para realmente poder CONTEMPLAR. +
Hansel y Gretel eran hijos un pobre leñador. Eran una familia tan pobre, que una noche la madrastra convence al padre de abandonar a los niños en el bosque. Hansel oyó esto por lo que comento a su hermana que con el pan que le daba su madrastra alcanzaba para señalizar e camino de vuelta. Solo que cuando empezó a oscurecer quisieron volver y no pudieron porque una paloma se comió las migas, muy contenta creyendo que la estaban alimentando. Luego quiso enmendar su error y no hizo más que llevarlos a la casa de chocolate donde habitaba la malvada bruja. Allí la bruja encerró a Hansel en una jaula y ordeno a su hermana que lo alimentara hasta verlo bien gordito y podérselos comer. Una vez engordado la bruja manda a Gretel a calentar agua en una olla muy grande y le ordena a ella meterse adentro. A ver que la niña no podía la bruja le enseña como meterse y cae ella en su misma trampa. Los niños salen de la casa y se encuentran con la Paloma que esta vez los ayuda a volver a su hogar y reencontrarse con su padre +
Quiero rescatar lo que edificaron y defendieron nuestros abuelos, como el mío, Haroldo Logiurato y los 30.000 compañeros detenidos – desaparecidos. Con un espíritu revolucionario, con ideales democráticos y sobre todo con inmenso amor hacia la familia y hacia el pueblo Argentino y Latinoamericano, con una gran conciencia de unidad, fuerza, solidaridad y libertad, para volver a sembrar en la misma tierra ese espíritu en nuestro presente.
Yamila Cruz Valla (Nieta de Haroldo Directora)
…La memoria es una interpretación del pasado que sirve para comprender el presente… +
Los grabados "Los desastres de la guerra" de Goya son el disparador tragicómico para sumergirnos en las máscaras que han tomado la dicotomía que nos atraviesa de cabo a rabo en este sitio: civilización o barbarie. +
La bailarina, completamente desnuda, sostiene un vestido blanco semi-traslúcido. Como en un truco de magia, ella consuma una aparición a través de su propia desaparición. +
En el año 17 el río, el mar, el bosque, lloraron sangre. Vení a encontrar eso que también somos. +
Hércules y el fuego del Olimpo muestra como los mortales consiguieron el fuego, prohibido para ellos por los dioses. La experiencia reúne, tomando como eje el mito de Prometeo, una amplia gama de personajes de la mitología griega. +
I
Ausencias percibidas. Cuerpos que se buscan, memoria que se encarniza como huella. La identidad se completa con el otro..
Actor y bailarina, Rey y Reina juegan esta “partida” en un tablero de nueve casilleros. El tablero los reúne y los separa al mismo tiempo. El tiempo ordena y construye un juego preciso de sincronía y desfasaje entre movimientos y acciones. Los personajes no se encuentran, o tal vez el encuentro exceda lo puramente físico material, el encuentro atraviesa los cuerpos en el tiempo.
Bailarina: Florencia Olivieri
Actor: Jerónimo Búffalo
Música: Alejandro Santucci / Mauricio Silva
Escenografía e iluminación: Martín Galle / Leandro Mosco. MATE Espacio de producción
Vestuario: Esteban Licht
Fotografía: Sofía Marcos
Diseño en Comunicación Visual: Paula Dreyer
Asistencia de dirección: Leonardo Basanta
Dirección y Puesta en escena: Jerónimo Búffalo / Florencia Olivieri
Producción general: DO2 Experimentación escénica +
La creación literaria, ese campo creativo y abstracto donde el autor construye el relato, define el espacio escénico donde cuatro personajes sufren la escritura y reescritura de sus “vidas”.
El escritor, como un “padre” omnipotente creará y destruirá las condiciones de existencia de estos cuatro personajes que parecieran buscar y necesitar, una definición en sus vidas. +
Inside Tango es un espectáculo en el cual el autor deja convivir sus dos mundos: el del Tango Show y el de sus líneas sensibles y expresivas. Un espectáculo de trazo libre donde se abre a su debate interior y lo enfrenta dejándolo convertirse en obra. Para lograrlo se sirve de músicas de todos los tiempos y estilos, el espacio libre y alterado, los cuerpos en estado limpio y algunas historias profundas, muy tangueras, que sirven de guía para ordenar sus emociones. Ada Falcón, Agustín Magaldi, la Gricel de Contursi, Tita Merello y Sabina Olmos le prestan sus dulces y dramáticas historias para fracturar el show y crear un espacio íntimo. +
Proponernos transformables y transformadores,
desconocer para investigar. Abrazar y atravesar diversos modos de
producción, experimentación y exposición. +
Instancia “DES”: DESJERARQUIZAR / DESINDENTIFICAR / DESORGANIZAR / DESINTERPRETAR
“Des” en el hacer o práctica como estrategia para habilitar nuevas experiencias, movilidades y relaciones: desandar hábitos, des-conocer, des-vincular, des-organizar, no componer, no ser funcional, des-atender, inhibir, des-interpretar o re-interpretar.
Planteamos este trabajo como primera instancia con el objetivo de desandar ideas o saberes previos en un intento de construir una base común que nos convoque principalmente desde la pregunta. Se generó un estado de “no saber” propicio para el descubrimiento de nuevas maneras o modos, una actitud frente a las prácticas que continuó resonando en las instancias siguientes.
Observaciones y problematizaciones:
¿Es posible hacer esta operación verdaderamente? ¿Cuál es el grado máximo de “des” que se puede alcanzar? ¿Cuáles son sus límites, o los nuestros en este esfuerzo? ¿Qué cuestiones se escapan al “des”? Hay ciertas leyes físicas, conformaciones biológicas y patrones de pensamiento que parecen no ser modificables, ciertas permanencias inevitables. Es en el encuentro con esos límites, que aparecen como evidentes, donde justamente surgen un estado y un esfuerzo fructíferos para la investigación.
¿Si todo es “des” cómo no paralizarnos, qué nos hace avanzar o movernos? Parecería que es la pregunta una constante que nos moviliza y que de todas maneras sucede cierta organización de relaciones y tensiones dinámicas en un momento y contexto dado (¿composición?). Se produce en este esfuerzo de “des” una ruptura en los vínculos -con los otros y con la situación- en el sentido en que los concebimos. Esto nos parece muy interesante para generar nuevas posibles relaciones. Observar cómo, hasta en situaciones de no-vínculo o dadas sin el foco puesto allí, continúan presentándose para el observador lecturas vinculares, a veces disonantes o surgiendo de tensiones entre aparentes solipsismos. A su vez en cada cuerpo se hace visible un nivel de intensidad, concentración y exacerbación de la subjetividad que contribuye a la composición, un entramado sofisticado surgido en esta convivencia de dramaturgias individuales.
"Cuatro actores conviviendo en un espacio cerrado y ominoso, perdidos en el tiempo, buscan de forma obsesiva crear la mejor obra de teatro de la historia." +
El festival convocó a artistas de diferentes disciplinas para que trabajen juntos durante cinco días en la investigación y construcción de una intervención en el espacio público.
Un grupo de diez artistas que no se conocen se unen para proponer un recorrido por las calles de la ciudad. Modos de habitar la ciudad, de estar juntos en el espacio urbano. +
La puesta plantea la yuxtaposición de dos sistemas: un cuarteto de bailarines que propone un cuerpo normado que estalla y deconstruye danzas folkóricas como el minué, la chacarera, una vidala, zapateos; y un dúo conformado por un violinista y una performer que se relacionan a partir de una silla circundando el espacio de la realización escénica. Ambos sistemas de cuerpos colaboran entre sí funcionando el dúo como el alter ego del cuerpo del cuarteto. En el transcurso de la realización escénica es la performer quien va rompiendo el equilibrio de estos sistemas para dar paso a una nueva división signada por el goce femenino. +
Se trata de una caminata de protesta ficcional donde no se abogan los derechos de los individuos, esa ficción capitalista, pero más bien los derechos de los cuerpos, enquanto cuerpos singulares integrantes de la multitud. +
J
El espectáculo están enmarcado en una charla motivacional de cuatro doctores fundadores de una clínica de rehabilitación para improvisadores. Felix Demarchi, Esteban Medina, Marisa Tetacho y el Profesor Seisdedos aman y defienden el teatro convencional y creen, sin lugar a dudas, que la improvisación es una enfermedad que les arruina la vida y la carrera a los actores. Para mostrarle a los "oyentes" lo que es y significa improvisar realizan una demostración de impro recomendando que no repitan eso en sus casas.
Mediante esta pantalla ficticia intentamos mostrar nuestra opinión sobre la improvisación teatral y sobre los grupos de improvisación; ponernos en la voz de aquel público que prejuzga el género; parodiar a los actores tradicionales que consideran esta técnica como algo menor. Incluso este último punto se puede aplicar a los mismísimos improvisadores.
Nuestro objetivo es contar dos historias a partir de la técnica de improvisación, intentando hacer foco en la dramaturgia, en la estructura narrativa y en los estilos. +
Dos mujeres solteronas conviven. No tienen otra compañía, no tienen otra posibilidad dada su condición económica. La rutina organiza sus vidas en torno al horario del teleteatro de las cinco de la tarde. En los últimos cinco años han seguido embelezadas todas las tiras donde trabaja Mariano Rivas.
Un día toman una gran decisión, por primera vez en sus vidas intentan hacer reales sus ilusiones y van en busca del actor que las hace suspirar cada tarde.
Lo raptan; por primera vez seducen, tocan y besan un hombre. El joven maneja la situación con sólo hacer un gesto de galán.
Pero ellas descubren que no quieren nada de él en vivo y en directo, sino al personaje de telenovela del otro lado de la pantalla. Es entonces, cuando el ego del sexy fatal se desmorona +
Cuatro mujeres se encuentran en un lugar por el que alguna vez pasaron. Se vuelven a ver, se reencuentran, como eran antes y como son ahora. Ellas no son la misma ni se parecen en mucho, pero comparten la experiencia de reconocer, en el mismo lugar, hoy algo de ayer.
Se trata de entrar, notando lo sutilmente particular del paso de cada una de ellas. Volver a atravesar una puerta, volver a habitar un cuarto, reconstruir recuerdos de cómo era aquel lugar y darse cuenta que todavía es.
En la obra se aborda la relación con un espacio por el que se ha transitado antes. La experiencia de volver a un mismo lugar. Lo específico y particular de la manera en la que cada una experimenta el reencuentro con otras personas con las que alguna vez vivió en ese mismo lugar.
'''Texto que figura en el programa de mano:'''
Carga la ventana
La posibilidad
De abrir
La pared
La responsabilidad
De sostener
Y la tragedia
De limitar
Como la piel
Que no deja ver
Ni de ver
El equilibrio
Del contrapeso
Y la tensión
La gravedad
De sostenerme
Y sostenerlo
Todo.
Con la rigidez
De la forma
Aunque de curvas
Esté hecho
Mi cuerpo
Erguida
Cuando no
Me chorreo
En bajada
Caerse
Es el final
Dejarse
Sostener
En el lugar justo
Con vos. +
L
obra autoreferencial de danza o preguntas sobre la feminidad.Existe un reflejo opuesto frente al molde hegemónico? Lunseslo se sumerje en un proceso de dualidades, ambiguedad y complementos en una búsqueda por complejizar su propia femineidad. +
La Contemplación de un Poema en Espera.
Obra de Marina Lanfranco, Producción de FantasmaDanza Cía de danza contemporánea
Es tiempo de otro tiempo, de contemplar con el deseo.
Con los ojos puestos en todos los sentidos. Con los sentidos a flor de piel. +
Durante una mañana en un pueblo de la provincia de Buenos Aires, los hermanos Heredia vivirán un episodio extraño que les sacude la tranquilidad de sus días. Un accidente dudoso en el frente de su casa, desata una serie de situaciones y estados diversos: del amor al odio, del realismo al absurdo, de la risa al horror.
Un velorio, varios secretos, una deuda y muchos interrogantes, tejiendo la trama de esta comedia dramática. +
Dos hermanas dan vida a una casa y, entre cartas, recuerdan su historia, volviendo a la patria de su infancia y desde allí, reconstruyendo esas vidas cargadas de amor, odio, frustración y dependencia.
Las mujeres de esta historia, logran romper el tiempo, trayendo al espacio a todas las protagonistas de sus memorias. +
Una obra, una performance, una fiesta de casamiento donde el público participa como un invitado más de la celebración. Treinta artistas en escena convertirán la noche en una velada única.La Fiesta de Casamiento es una obra performática del grupo Vuelve en Julio en la que se recrea una fiesta típica de casamiento argentina. La particularidad y novedad de esta obra es que la misma transcurre durante una fiesta de casamiento en la cual los espectadores son los invitados a la fiesta. En esta fiesta se casan Diego y Clara. Al llegar cada uno de los espectadores adquiere un rol de acuerdo a la ubicación en el salón de la fiesta: primos o tíos del novio o de la novia, la familia más cercana, amigos de él o amigas de ella. De acuerdo a este rol, diferentes actores que estan dispuestos entre el público interactúa con los invitados.La obra transcurre en todo el espacio y el espectador debe involucrarse para poder obtener las diferentes partes de la historia. En esta obra participaron más de 30 actores por función. +
LA GUARDIA NUEVA es una obra que fusiona danza contemporánea y tango inspirada en la época en que el género alcanzo madurez, refinamiento y difusión internacional. En una progresión que inicia en la década de 1920 donde los valses y el tango canción fueron protagonistas, la obra comienza con un tinte contemporáneo y nos lleva gradualmente hacia el lenguaje tanguero llegando a la “Edad de Oro” del tango de las décadas de 1940 y 1950
La Guardia Nueva revive las grandes orquestas que conquistaron al mundo, como la de Julio de Caro, Anibal Troilo, Francisco Canaro, Juan D'arienzo, Alfredo de Angelis y nos trae emblemáticas voces como las de Ada Falcón, Francisco Fiorentino, Jorge Casal, Julio Martel, Carlos Dante, Alberto Podestá y El Polaco Goyeneche. Estos tangos se actualizan hoy de la mano de 360, una compañía joven con un lenguaje coreográfico que, respetando las raíces del tango, se abre a diversos movimientos que permiten expresar aquellos profundos pesares, amores y sueños que el tango nos supo contar. +
En una sala completamente a oscuras los actores y actrices evocan mediante sonidos sensaciones y olores una atareada oficina llena de empleados, agotados de la misma rutina y las órdenes del jefe. Pero ante una emergencia, este señor que los vigila se va y abre las puertas a una serie de historias donde la imaginación nos hace volar por diversos escenarios de aventuras por los que se perfila el miedo, la lujuria, la intriga, el exotismo y la alegría. +
Agitar los músculos, bucear en las estrías del pasado, anclarme en el olvido, la primera herida ¿Se puede borrar? Sacudir las partes, rascarlo todo, agujerear la piel para sacudir, de nuevo, la carne. +
En el marco del Día Internacional de las personas con Discapacidad, el 3 y 4 de diciembre del 2010, se realizo el Festival de Arte e Integración en el Auditorio Namuncurá, donde la Compañía EnCuerpo se presentó por primera vez en escena con la obra " La Leyenda del Algodón", espectáculo de danza y multimedia. +
La maravilla surge a partir de una exploración grupal e individual sobre las posibilidades del cuerpo en escena. En este caso, ocho mujeres adultas, con diversas experiencias corporales, dialogan y ponen en juego categorías estancas sobre los límites y posibilidades de la danza, el cuerpo y la belleza.
Teniendo en cuenta las particularidades de éstos cuerpos adultos mayores, atravesados por la historia, a veces en relación con la danza y otras no, el lenguaje de la obra se torna diverso, en la medida que cada una de estas ocho mujeres explora y desarrolla un estado físico- emocional particular. A su vez, estos estados individuales expresan diferentes puntos de vista sobre una misma cosa, ya que en su origen, se desarrollaron a partir de un material de movimiento común, desde el cual cada una de las intérpretes creó su solo. La obra surge de esta exploración, esencialmente física, por ello no hay un discurso corporal único, sino una multiplicidad de versiones y traducciones ligadas singularmente a la historia personal que ha tenido cada intérprete con el movimiento y el cuerpo.
Como resultado, la obra es un “muestrario” de posibilidades e imposibilidades, de tensiones y distenciones, donde cada una de las bailarinas viene a decir sobre su historia tanto cómo sobre la historia colectiva. Porque cada cuerpo que allí se presenta, está cargado de relatos, sentidos y contradicciones, que salen a la luz desde el momento que aparece la danza. +
Corre el año 2022, y la Argentina se parece demasiado a sí misma. Villas no quedan muchas; La Martín Fierro tal vez sea la última del país. Hay una causa primera: evitar el desalojo secuestrando el hijo del empresario"El cuerpo como barricadaCuerpo ficción: cuerpo cansado, destruido, cuerpo sin límites, cuerpo sin más geografía que lo contenga que los sentidos, expectantes, puestos al servicio de eso que se desea contar.El desalojo: montaje caprichoso, puesta en escena sin sentido de la estética y el buen humor. Montaje que se repite desde la sangrienta campaña al desierto hasta los chaperíos quemados y baleados de los conventillos y luego villas del aquí y ahora. Y del mañana.La mascarada que sigue generando promesas y artilugios que sólo dan una escena de muy mal teatro.“Esto es ficción y entonces, acá triunfarán los pobres" +
Un cuerpo inmenso conformado por muchos cuerpos irrumpe las inmediaciones de una Usina Eléctrica abandonada. Ellos dialogan entre sí y con el entorno, ¿Qué es lo grupal?, ¿cómo se construye el individuo en un contexto compartido?, Los cuerpos, constantemente modificados por el espacio, son una construcción, tanto nuestra como de los otros. +
¿Cuál es la imagen para un cuerpo atravesado por una ola?¿ Cómo nada?¿Cómo todo?
¿Y si no existiese una orilla? +
La pelota celebra la existencia de los cuerpos en movimiento, el comportamiento físico, la entrega, el riesgo, la generosidad, el amor, como también la catarsis, la monstruosidad, la pasión mezclada con la violencia que proporciona el juego de pelota.
Coproducción: Teatro del Perro- Apoyo Galpón Face- Proyecto residente del Laboratorio PRODANZA 2017 +
El barrio experimentará una transformación... La toma de tierras, el feminismo, la inmigración. Las instituciones como la iglesia y la familia, entre otras, se pondrán en cuestión. No sabemos qué pueda pasar pero con seguridad nada va a ser igual...
==Reseña Colaborativa==
La Reforma Barrial es una obra en donde los muñecos, aparentemente inanimados, cobran vida para contar y representar algunas de las problemáticas que nos atraviesan hoy en día, haciendo particular hincapié en la desigualdad y estigmatización de diferentes grupos sociales.
Por Mora Carrizo
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La obra aborda la temática del crecimiento de un niño en un pueblo de la pampa a mediados del siglo pasado (1933 a 1944). Los prejuicios, la doble moral, la violencia, la sexualidad, el chisme, la estructura familiar son tópicos claramente distinguibles, que se despliegan en, la presentación de multiplicidad de personajes que componen la realidad del polvoriento pueblo. Toto, o Manuel Puig, ya que la novela es autobiográfica, ante una realidad tan hostil (según el decir del mismo Puig reporteado: “la vigencia total del machismo”) le otorga entonces a lo que sucede en el cine estatus de realidad y se refugia en ella para sobrevivir.
Los procedimientos llevados a cabo para traducir los géneros que propone la novela como estructura narrativa (pensamientos, cartas, chismes, diarios) a lo teatral, constituyeron una fuerte investigación sobre las posibilidades del lenguaje. Lo cinematográfico también aparece como material a incorporar y su fusión en imagen y acción genero posibilidades en el juego escénico. Asimismo el tono íntimo subjetivo que proponía el material, era un interés diagnosticado por el grupo, que influyo en la elección del plano literario dramático y que atravesó todo el trabajo. El discurso de género y de identidad sexual constituye un eje vertebrador de las temáticas que se desarrollan en la obra.
“ ahí estaba aceptado que haya fuertes y débiles, lo que daba el prestigio era la prepotencia, lo que realmente hacia respetar a alguien era que grite, yo trate de ignorar esa realidad y en cambio tome el cine como mi realidad,,,el pueblo era como un western al que yo habia entrado, una película que no me gustaba y de la cual no podía salir” fragmento de entrevista a Manuel Puig por la TVE que forma parte de la propuesta escénica. +
Palabras del autor sobre la obra ¿Por qué la Vagina Enlutada?:
La idea de escribir esta obra surge de escuchar el relato de muchas mujeres convencidas de que ya no es posible creer en el amor o en la vida en pareja. Frustradas, nostálgicas, reprimidas, ilusas, o bajo una aparente autonomía, ellas se reúnen para compartir su desazón, quizá con la esperanza de que algo cambie al revelar sus secretos. Aún les cabe la lucha. Comprender que las conductas de repliegue sólo sirven para otorgar el triunfo a los modelos arcaicos de la feminidad. Basta de estar crispadas, resentidas, dolidas por lo que no fue, ocultando las lágrimas tras los anteojos oscuros de la tristeza y la derrota. +
Una mujer sola y abandonada, espera el llamado del hombre que la abandonó. Mientras tanto, se viste de ansiedad, desolación y angustia. Al concretarse el llamado, aparece la voz del otro lado: él le genera cambios de actitud por los distintos argumentos que desarrolla: desde el engaño hasta la palabra más amable. Entonces ella, mientras mendiga una esperanza, recibe las mentiras que la hieren y siente las verdades que la matan. Un monólogo de una mujer que no puede cerrar las puertas del pasado, que se aferra a una ilusión y que no acepta el abandono. La tensión se mantiene hasta el final, creando una atmósfera cargada de cinismo, crueldad y desamor. +
La obra cuenta la historia de Bernarda Alba, una mujer que decide llevar el duelo más riguroso después de haber enviudado por segunda vez, condenando a sus cinco hijas al encierro y la opresión de la casa familiar. +
En tiempo y espacio indeterminados, cinco seres conviven con la alineación. Entre las fisuras de la aparente perfección mecánica la humanidad puja por encontrar la luz +
“La forma de dos” es una obra que se pregunta por el lenguaje e intenta encontrar modos de hablar a través del arte. Es el resultado de un proceso de investigación grupal, donde usamos el escenario como un espacio para indagar la forma, tratando de comprender cómo se presentan los cuerpos, los objetos, los sonidos, los olores y las palabras en escena. En esta experimentación fuimos conjugando diferentes disciplinas artísticas (danza, teatro, poesía, instalaciones con objetos, sonidos), las pusimos en contacto y establecimos diálogos entre ellas, de los cuales surgieron significados propios. A partir de esta mutación y mezcolanza, construimos una obra que rompe con la estructura de relato lineal. En “La forma de dos” hay desorden, las imágenes aparecen a veces superpuestas o en simultáneo, pero en el escenario las asociamos nosotros o el espectador dándoles nuevos y múltiples significados. Este proceso creativo continúa en escena y surgió de tomar el vínculo como un problema sobre el cual podíamos reflexionar. Nos pusimos a pensar sobre los vínculos que establecemos con las cosas, con otros seres, con el mundo. Nos preocupamos por poner el acento en los sentidos y averiguar cómo, a través de ellos, conocemos y tomamos contacto con lo que nos rodea. Exploramos los modos en que se construyen esas conexiones y que acepciones van ocupando en la obra. +
Sobre la obra: Ganadora del CONCURSO NACIONAL DE ACTIVIDADES PERFORMÁTICAS EN ENTORNOS VIRTUALES del INSTITUTO NACIONAL DEL TEATRO. Sinopsis: “La invención de mi belleza” es un monologo acerca de un hombre que ante el dolor y las heridas ocasionadas por la perdida, ha decidido crear a lo largo de su vida universos ficcionales como fugas hacia la belleza. Filosofa y delira en su fantasía, cuestiona su modo de existencia, así como el modo de existencia del mundo, según los patrones culturales hegemónicos. Indaga paisajes inciertos, pasiones, obsesiones y sueños queriendo encontrar la casa, el nido, la herida y la cicatriz. Reafirma a la creación como un acto sublime, que paradójicamente le da libertad y también lo condena. +
¿Se puede hacer un inventario de una vida? ¿Qué queda? Hay una mujer: Ángela. Durante años juntó: fotos, objetos, escritos, retazos, proyectos inconclusos, en fin, la lista es larga y variada. No sabía bien qué buscaba con todo eso. Hacía performance en el living de su casa. Una noche alguien le preguntó: ¿cuál es el momento en que uno se desprende de sus fotos más queridas? Ella no supo qué contestar. Hasta que llegó el día de despedirse de todo. Vaciar la casa. Dejarse atrás. Apretar delete. Ángela camina liviana y fresca, escuchando los zorzales, no sabe hacia dónde va. Ya es de día, y tiene ganas de ver el río. De sentir el sol en la piel. Sonríe. Y sigue caminado hasta desaparecer.
Ángela es actriz bailarina performer videasta fotógrafa poeta, es todo aquello que quiera por voluntad de ser. Una mujer que se inventa a sí misma, utilizando lo que poco que tiene, lo poco que queda. En medio: el paso del tiempo, la memoria como un mapa inestable y un hecho creativo, la pregunta recurrente por el proceso de construcción de una obra. Si la obra es el proceso ¿cuando termina? ¿Cuando un proyecto inconcluso deja de serlo? ¿Se puede pensar en una obra interminable que se construye a través del tiempo, las transformaciones de los cuerpos, de los deseos? ¿Sería un paso del ser al devenir? Es un relato hecho lapsus, ausencias fugaces, intuiciones. Un relato fragmentado, sin orden causal ni temporal, sin un sujeto cerrado que lo controle y lo dirija, marcado a su vez por la intermitencia con que la memoria va convocando sus revelaciones sobre el pasado. En esa deriva, aflora una mujer en su inconsistencia e imprevisibilidad. +
Raspa el pasado,
lo borra.
Deseo de encastre
persistente en la práctica.
Hacer y dejarse +
En "La reververancia de la materia" se trabajó con objetos electrónicos sonoros creados y manipulados por Laura Molina y Miguel Angel Lorenzio. Dichos objetos dispuestos en el espacio sobre materiales reverbarantes, generaban a través del cuerpo de la intérprete la posibilidad de hacer visible los
sonidos circundantes. +
Una mujer, cuya vida se encuentra atascada en el tiempo, expresa su locura y su peligro. La figura avasallante de su madre la mantiene sumergida en el pasado. El regreso de una hermana ausente la enfrenta con una decisión que no está dispuesta a aceptar. +
Las Chachas, ópera marciana en un acto
La obra cuenta la historia de Andy, un cantante de karaoke devenido en amo de casa o criador de animales, en un planeta Marte atestado de conejos inteligentes y marcianos come-pájaros trepados a los árboles. Mientras Andy saca la basura se encuentra con Mara y Lara que escapan de un intento de secuestro y les ofrece ocultarlas en su casa.
Pero no todo es lo que parece. Narrada por tres voces yuxtapuestas, la de Andy, Mara y Romina, su mujer (quien ya apareció en Los Topos, del mismo autor), los hechos comenzarán a suceder en un umbral entre verdad y ficción y con roles de víctimas y victimarios que se intercambian constantemente. Ocultas en lo de Andy, las adolescentes se darán por desaparecidas y todo comenzará a confundirse aún más. Habrá ocasión de que las víctimas asistan escondidas a su propia marcha de reclamo y de que un guardián-amante, Gordini, transforme al nuevo secuestro en un viaje y un show. +
Una obra de música y danza entrelazadas desde su propia génesis. Surgió de preguntas de las propias disciplinas hacia la pintura y la poesía, al cuerpo y sus superficies, a los sonidos enmarcados en la presencia constante que sobrevuela la catedral gótica de la ciudad de La Plata.
La dualidad propia del gótico se reactualiza en la oposición y el contraste de elementos que transitan umbrales, del silencio a la sonoridad abrumadora, como asimismo en los materiales tímbricos escogidos: la linealidad vocal femenina y la percusión, lo acústico y la electrónica.
Las Gárgolas propone con estos elementos aludir y sugerir vínculos con diversas lecturas del cuerpo, el saber, las pesadillas y sus fantasmas y el amor en la historia del arte. Así sonido y cuerpo, piel, carne, sombras, luz y un universo sonoro de reminiscencias medievales invita a revisitar un pasado de actuales resonancias. +
LAS ORUGAS transitan su existencia cambiando, pasando por estadios que las depositan en diferentes formas; todo en ellas está dispuesto a mutar hasta su transformación final de manera natural mientras nosotros vemos la vida como una cronología de hechos que nos van sumiendo en una construcción a partir del pasado y de lo conocido, navegando entre el miedo y la incertidumbre de adaptarnos o resistir lo inevitable. +
Las Santas es una ópera de cámara de 60 minutos de duración compuesta por Ramiro Mansilla Pons para tres cantantes femeninas y un ensamble de nueve instrumentistas más electrónica. Tiene un libreto original escrito por Mariela Anastasio basado en las biografías verídicas de tres personajes históricos: Santa Irene de Atenas (Atenas, 752 – Lesbos, 803), Santa Teodora (Bizancio, 501 – Bizancio, 548) e Isabel la Católica (Madrigal de las Altas Torres, 1451—Medina del Campo, 1504). Según el relato, las almas de tres mujeres, Irene, Isabel y Teodora, se encuentran solas en un lugar remoto y un tiempo indefinido, aguardando una notificación. A medida que transcurren los días, cada una de ellas narra su pasado. En vida, fueron mujeres que ocuparon importantes posiciones y, para mantenerlas, no dudaron en cometer los más atroces crímenes. Pese a ellos, en reconocimiento a los favores que hicieron a la Iglesia Cristiana, dos de ellas, Irene y Teodora, son canonizadas, mientras que Isabel permanece esperando eternamente.
Musicalmente, Las Santas se desarrolla alrededor de una composición de austeridad mediante la economía de recursos y la reiteración, buscando establecer una disociación entre el tiempo cronológico y el psicológico. No obstante, existen pasajes de exploración tímbrica y rítmica, en pos de indagar nuevas posibilidades sonoras. Cada personaje posee un modo de canto específico –a la manera de un leitmotiv– de acuerdo a la psicología del mismo, a la vez que se vincula con algún instrumento de la orquesta, en procura de establecer un dúo vocal/instrumental en cada aria. De este modo, Irene trabaja siempre con el violonchelo; Teodora lo hace con la percusión, e Isabel, con el piano. Existen además numerosos diálogos hablados donde se exagera la lentitud del habla, buscando rescatar la sonoridad de la palabra. +
"¿En qué parte del cuerpo se localiza el miedo? ¿En qué parte se multiplica? ¿En el centro del pecho? En el nacimiento de la garganta va bajando el estómago, se demora en las piernas, en las rodillas preferentemente, y llega hasta los pies, sube de nuevo y castiga los brazos, le pone guantes a las manos y un corpiño ajustadísimo al pecho"
Silvina Ocampo
[[Archivo:19437792 1569250036438703 8855220817219789362 n.jpg|thumb|right|320px]]
[[Archivo:Las Suicidas.jpg|thumb|right|320px]] +
"Es una obra de teatro de sombras inspirada en la expresión satírica de Saki. Luces y sombras proyectadas frente al publico transportan a un mundo distante con cacerías, banquetes, cabalgatas en bosques, carromatos gitanos. Aunque los efectos, sentires y climas quizás resulten cercanos." (La opera encandilada) +
Muchachas en flor, ya casi desmembradas, acuciadas por la latencia de la destrucción. En un abrazo impacto se conocen, corren juntas, temen, se incitan, bailan deshaciéndose en la geometría del edificio, el espacio del sol, los árboles, la gente que pasa y finalmente se dispersan en el aire difuso. El resto de un tango medio muerto se agita por detrás acicalando las pieles perfumadas que huelen a azahar.Música: “Whisky”, “El peor de los miedos”, “Fantasma” y cover de “In silence” de Joy Division de Malayunta Orquestita El trabajo consiste en articular varias ideas y puntos de partida:1. Dar cuenta de algunas de las posibilidades que ofrece la geometría del espacio elegido.2. Establecer relaciones entre la danza contemporánea “experimental” y géneros de origen más popular como el tango y el rock.3. Producir un trabajo para el público eventual que se encuentre allí, además del especialmente convocado, teniendo en cuenta acciones y actitudes que se observan en la plaza y el centro cultural.4. Retomar restos coreográficos pendientes de un trabajo anterior realizado con las intérpretes y re orientarlos para el contexto del [[Festival Danzafuera]].[[Archivo:Descangayadas_1.jpg]] [[Archivo:Descangayadas_3.jpg]] +
'''Las formas de la presencia y sus emanaciones''' es un proyecto orientado a la producción de una serie de ''solos'' escénico-performáticos, elaborados a partir de la investigación física y teórica en torno a las nociones de visibilidad-invisibilidad, presencia-ausencia, aparición-desaparición. ´
En tanto ''solos'' escénico-performáticos, los mismos se sitúan en el entrecruzamiento de la danza contemporánea y el arte de la performance (''performance art''). Así, esta serie de trabajos busca explorar la intersección y mutua contaminación entre la disponibilidad y plasticidad del cuerpo, propios del trabajo físico de la danza contemporánea, con algunos de los rasgos que caracterizan las acciones performáticas: su carácter efímero, no-reproductivo y presentacional –en oposición o tensión a “representacional”.
La exploración de las formas de la presencia-ausencia del cuerpo, de su aparición y desaparición, de su visibilidad e invisibilidad, recorre un espectro ontológico cuyos polos son el “esto” –en tanto presencia general e indeterminada- y el yo –en tanto presentificación de la propia singularidad de la performer. El trabajo de oscilación entre dichos polos está orientado a la emergencia de una zona de indeterminación o ambigüedad que habilite la pregunta sobre ''qué'' o ''quién'' es lo que se da a la visibilidad en cada uno de los solos de la serie.
Los ''solos'' que componen este proyecto son:
I. [[Houdini mira la luna]]
II. Sin título
III. Cositas queridas entre los dedos de las manos
IV. [[Fakir I]] y Fakir II +
Latidos Oscuros propone una construcción y destrucción constante acerca de lo que se está viendo. Un personaje, Martín, asegura que lo que el público está viendo es la obra, Otro, Javier, asegura que lo que el público está viendo no es la obra original, no llevada a cabo por culpa de Martín. En este pleito el público recrea en su mente lo que sería el espectáculo original, sugerido por Javier, pero también asiste a lo real, o sea lo que está viendo. Este cruce de puntos de vista, esta reforzado por el vestuario y la escenografía, ya que ambos personajes están vestidos y maquillados de payasos y la escenografía y la utilería sugiere una obra de payasos. Aparece un tercer punto de vista, la del técnico de luces y sonido, llamado a escena para aclarar lo que está sucediendo, pero lejos de aclarar, echar luz sobre lo sucedido, aparecen más preguntas, y más dudas, acerca de qué es lo que está sucediendo en verdad.
Los temas abordados son, a través de la teatralidad y la meta teatralidad, son los siguientes: ¿Por qué una reconstrucción imaginaria suele ser más creíble que la misma realidad? ¿Qué es lo que sucede realmente? ¿Quiénes son los que dicen y por qué dicen lo que dicen? ¿Quién está detrás de todo lo que se dice? +
''La melancolía no es tanto la reacción regresiva a la pérdida de un objeto como la capacidad fantasmática (o alucinatoria) de mantenerlo vivo como un objeto perdido.''
PIERRE FEDIDA
Toda obra de arte se encuentra inacabada; esta que aquí reseñamos, además, está en proceso de inacabarse. Ese proceso tiene algunos hitos datables. Nació de la convocatoria, en 2007, del ciclo provincial El teatro y la historia¸ cuyo anhelo tendía a investigar en la potencialidad dramática del pasado argentino. El desafío nos comprometió y elegimos trabajar sobre una de nuestras obsesiones: la guerra marítima de la Independencia, los corsarios, los diálogos patrios del desencuentro: ese mismo año estrenamos Mar de Fondo; en el 2008 elegimos la vida trágica de Elisa Brown, la hija del célebre almirante irlandés. La historia es sencilla, mas no su mitología. Sucede durante la guerra contra el Brasil, en 1827. Un marino escocés se ofrece para pelear por la independencia argentina; conoce a la hija de Brown, se compromete con ella, pero todo termina en tragedia: luego de ser herido, Francis Drummond muere, desangrado, en brazos de su futuro suegro. Elisa Brown parece soportar lo que padece, pero muere ahogada meses más tarde, enlutada de novia, el día que se iba a celebrar la boda. Mientras se embebe en el agua canta: «Pinto sueños lentos, que manan del río, como pan mojado en leche. Este es mi sueño, que hoy agrego.»
Sobre el fondo difuso de esta historia ignota, tramamos una obra que titulamos, inicialmente, Una promesa, y que versionamos varias veces. Adoptó la forma de un semi-montado, de video, de un conjunto de fotografías y, naturalmente, de obra teatral. Como tal la estrenamos en La casa de las tías, en 2010. Esta versión que ahora presentamos es otro nudo de ese rizoma, acaso su nudo más enigmático. La historia de Elisa Brown está amillonada por el mito; nuestra tarea no fue desnudarlo; quisimos habitar su poderío simbólico y su actualidad dramática. Oscar Wilde escribió que solo las personas superficiales no juzgan por las apariencias. Esta obra es el borrador inicial de esa superficie visible, las imágenes más firmes que aun resplandecen de ese acontecimiento estético.
Laura Valencia - La Fabriquera, septiembre de 2012
La Liga de Improvisadores es un espectáculo de improvisación teatral deportiva, donde cuatro equipos compiten para ganar el torneo. Cada uno tiene su hinchada, caracterìsticas e historia, basados en diferentes identidades platenses.
En cada partido, los jugadores deberán realizar historias creadas en el momento a partir de las indicaciones de la réferi, mientras un equipo de comentaristas analiza las jugadas. Desde las tribunas el público decide quien gana, votando por su favorito! +
Atravesando la poesía, Discepolín dialoga con su historia, llevando al espectador hacia un viaje en el que se entrelazan su vida personal y afectiva, con la mirada del mundo y sus fantasmas.
La obra transita por lugares de humor y reflexión, luces y sombras que reflejan un sentir tan particular como universal, mostrando los anhelos y la frustrada esperanza que definen al pensamiento discepoleano. +
Una sala. Siete personas expuestas a la luz, a la mirada del afuera, al reflejo que el espejo les devuelve de sí mismos. El esfuerzo por ser mejores, por tocar lo inalcanzable. Lo que no querés ver propone al espectador espiar por la cerradura para entrar al mundo de estos siete protagonistas. Exigencias, complejos, obsesiones, la entrega desmedida por alcanzar la perfección. Finalmente, las preguntas: ¿por qué? ¿para qué? ¿para quién?
Lo que no querés ver cuestiona, al tiempo que transita lo inalcanzable, la sobre valoración de la imagen, la mirada del afuera y la propia.
¿Cuántas veces nos encontramos día tras día repitiendo una y otra vez la misma rutina? ¿Para vernos como quién? ¿Para ser como quién? ¿Para ser aceptados en qué mundo? ¿Cuántas veces la necesidad de agradar nos llevó a la automutilación, a dejar de valorar nuestras propias cualidades para centrarnos en la opinión del otro? ¿Cuántas veces desvalorizamos nuestro ser interior para recalar únicamente en nuestras carencias? No cuestionamos para evitar dejar de pertenecer.
¿Contuvimos en ocasiones la rebelión? Es el indagarnos constantemente lo que permite hacer crecer dentro nuestro al artista. A tiempo, o quizás no, caen sobre nosotros, como un fruto en su punto justo de madurez y a poco de volverse inservible, las verdaderas interrogantes, la necesidad de introspección interior, de volver a las fuentes y recordar el motivo de nuestras elecciones. Así, la danza se convierte en la música del alma, en la manifestación continua de cada sensación.
Lo que no querés ver (las princesas no cagan) intenta una suerte de camino inverso, contando aquello que transitamos con el fin de encontrar lo verdadero de cada uno y descubrir por qué continuamos pese a retornar siempre al mismo lugar. Enfrentando los miedos, las dudas, los distintos caminos a recorrer, los moldes equivocados, hasta llegar el momento de decidir hacia dónde ir.
Lo que no querés ver reivindica la danza, revelándose a la imagen que intenta mostrar, porque lo que se ama, en el fondo, es aquello que la danza transforma día a día dentro de nosotros.
La obra es un redescubrimiento y homenaje al fenómeno popular de masas: el Radioteatro y también a aquellas compañías que salían por los caminos y eran esperados en cada rincón del país con sus famosas historias radiofónicas.
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“Los hermanos Iberra…” ofrece varios planos, por un lado los actores del radioteatro, por otro los personajes de la historia que sirve de eje, el estudio de radio y la representación teatral en vivo. Líneas de acción que se desarrollan simultánea e independientemente y van entrecruzándose a medida que avanza la obra, para terminar en un desopilante final donde realidad y fantasía son una misma cosa.
La producción se encuentra atravesada ineludiblemente por la caracterización de época, la generación de efectos de sonoros por medios mecánicos, los músicos y cantores en vivo. +
Una cajita musical deteriorada por el paso del tiempo vuelve a abrirse.Los Oniros comienzan a percibir que el mundo conocido y mecánico se va transformando.No se ven, pero se perciben. La cajita comienza a crear mundos y ellos son arrastrados a vivir experiencias inimaginables. De un momento a otro el mecanismo parece querer colapsar ofuscando sus múltiples intentos de querer mantenerse despiertos.
Una historia que indaga en el mundo de lo no-verbal y del gesto espontáneo para construir mundos subjetivos y fugaces. +
Un sueño militante, querer salvar el mundo, deviene en invadir Hollywood. Algo que brota en un territorio intervenido por discursos abandonados, por promesas vacías y la imposibilidad de comunicarse. Y los desechados, los Rumians, que desgatados repiten su historia persiguiendo aquello que los saque a la superficie.
Entonces, el encuentro con Ronald Mcdonalds que desciende. Ha perdido todo y a duras penas ha logrado rescatar su cabeza. Su ánimo de expansión sigue intacto. Aun en su miseria encuentra el siguiente combo, sucursal y McLand.
El paisaje muerto de una catacumba, que sólo transitan Los Puntuales, aquellos que siempre regresan. A la misma hora de siempre recorren, miran y continúan. Cristalizados, profilácticos, asépticos, buscan un sentido que no se satisface, con la sospecha de que hoy algo puede cambiar.
Miradas que se cruzan, visiones de mundo que se chocan con el mundo.
===Propuesta===
Un encuentro es elegir un punto de la línea, un momento en el cual se da lugar a la ilusión de que la sucesión se detiene. Un encuentro nos permite pertenecer a algo, por ejemplo: a un lugar, a una persona, a un perro, a un pequeño destello de luz roja (una ciudad en llamas).
La puntualidad, por razones obvias, es encontrarse en un momento preciso. La duración de este encuentro no es lo más importante porque entran en juego otros elementos como las temperaturas, las intensidades, la música y los silencios (no tan relacionados con la cantidad, sino con la calidad de lo que sucede), que le dan en apariencia cierto relieve al encuentro plano en la línea.
En este sentido, Los Puntuales, es el cruce de tres recorridos.
1. El de los Rumians, un grupo de discursos abandonados y desechados en una catacumba, que deciden ascender.
2. El de Ronald Mcdonals que desciende a la catacumba buscando refugio de un mundo que lo ha rechazado.
3. El de Los Puntuales, espectadores que trazan una diagonal entre los dos anteriores, buscando un sentido que satisfacer: que en el teatro, hoy, tal vez esto que sucede puede cambiar, que alguien será un héroe, un humano no tan humano, un humano que cambia. Ilusión con la que juega el teatro en sí: Cada vez que hay teatro, cada vez que se produce, el mundo se puede cambiar.
Dramaturgia discursiva
El espacio es intervenido por discursos rumiantes, que son masticados una y otra vez en el interior del portador de dicho discurso, buscando el momento para poder externalizarlo. Para ello se utilizan fragmentos de textos que se incrustan en el devenir de las situaciones. Esto también permite distinguir distintos niveles de rumias:
1. Rumia colectiva: se utiliza un texto en común, de carácter rítmico y enumerativo, que crece y decrece en intensidad y volumen. Materializa y refleja una mente colectiva confusa, llena de preocupaciones y fijaciones, un estado de subterráneo colapsado en hora pico.
2. Rumias individuales: lapsus donde se ponen en juego las miradas propias de mundo, uso de textos breves y particulares, momentos íntimos al borde de lo domestico.
3. Rumias arbitrarias: materialización de un imaginario, rupturas formales y plásticas, momentos coreográficos, elementos que poetizan la propuesta general y sirven de nexo entre las situaciones.
La incrustación de distintos textos permite el armado de un guión y de voces que profundizan el mecanismo de rumia. Exigen el uso de una lógica distinta, tanto en el decir como en el escuchar.
Se han utilizado textos de Guillermo Saccomanno (Cámara Gesell); Camilo Blajaquis (Poemas de su blog); Diego Valeriano (Capitalismo Runfla, del Blog Lobo Suelto); Platón (La República); Alain Badiou (entrevistas); Colectivo Estación Zombi (Remundancia) y también textos propios.
En el caso, por ejemplo, de la novela Cámara Gesell no sólo ha servido para darle la voz al portador Modus Operandi, sino que ha sido una referencia como dispositivo. Su carácter coral y lo saltos en el tiempo y en el espacio de lo que se narra, la ruptura de una forma lineal a través de lo incompleto, han servido para el armado del mecanismo de cómo contar en escena.
La hipótesis y sospecha con respecto a estos materiales es que todo texto es literario hasta que se demuestre lo contrario.
===Dramaturgia del actor===
En este sentido la propuesta actoral no es la construcción de un personaje, sino la de un portador de discurso. Un cuerpo que es contaminado por las rumias, haciéndolas carne a través de acciones repetitivas y precisas que en algunos casos se irán desgastando, en otros refinando. Aun en el silencio, en la oscuridad, el movimiento es constante, porque es constante el discurso que quema el interior.
El nivel de fijación es tal que irremediablemente surge la imposibilidad de comunicarse. No hay relación ni vinculo ni diálogo con el otro, excepto en lo concreto de compartir un mismo territorio, de estar perdidos en el mismo mapa. Es el espectador el que traza con su mirar, conectando puntos invisibles y atomizados, una diagonal que cruza los guetos individuales en el intento de encontrar un sentido a lo que ve.
===Dramaturgia del espacio===
Espacialmente se plantea la construcción de una urbe marginal (yuxtaponiendo imágenes y conceptos espaciales de las villas miseria). Esta urbe está compuesta por los restos de escenografías y maquinarias que el mismo Teatro Argentino ha desechado y dejado en el espacio. Al mismo tiempo se los intervendrá con materiales como bolsas de nylon, cartón corrugado, plástico, que provienen del mundo del cartoneo. Esto elementos también están fragmentados, reducidos a su estructura lo que permite su movimiento para el armado y desarmado de las situaciones, generando distintos niveles y relieves dentro del paisaje.
===Dramaturgia del espectador===
El espectador es un punto dentro de este paisaje y por su ubicación, el espacio parece envolverlo y muchas veces arrinconarlo, sosteniendo la idea de un recorrido estático. El espectador no transita el espacio, será el espacio el que se mueva y lo atraviese.
Se le plantea también al espectador dos posibilidades para ubicarse:
1. Fila de sillas: desde esta perspectiva la mirada abarca todos los espacios (tanto el Espacio de Rumia Colectiva, como el de Visión de Mundo).
2. Fila de banquetas: En mayor cercanía y contacto con los espacios performativos, parcializa la mirada e implica un movimiento en el lugar si se quiere ver aquello que sucede a sus espaldas (por este motivo el uso de banquetas y no de sillas, para que el respaldo no sea una molestia al girar)
LA PANDEMIA, LA EXISTENCIA Y LOS VÍNCULOS INTERPERSONALES: La pandemia barrió todas las categorías socioculturales de normalidad, una normalidad que era brutal, despiadada, llena de violencia de desigualdad, de corrupción. Los valores humanos, las costumbres socioculturales, la construcción de los vínculos y los códigos relacionales están en jaque a través del distanciamiento social. En la obra una mujer, los interpela, interpelándose a sí misma. Ella atraviesa la cuarentena en un momento crítico de su vida, donde replantea la construcción de su historia. Ésta es una historia que plantea que comenzar otra historia es necesario. Una historia nueva, inédita, renegada de todo lo vivido anteriormente, de toda tradición hasta ahora conocida. Que ahora hay que crearlo todo. Ésta es una historia de vínculos, vínculos de solidaridad, cooperación. Hay algo que debemos aceptar, el mundo no será igual cuando termine la crisis, nadie sabe cómo será, el mundo va. SINOPSIS: Nigel, es una incipiente escritora, de 50 años, se encuentra en una casa de campo que le fué prestada. Está atravesando una crisis existencial, post separación, e inesperadamente se desata la pandemia del Covid-19, y se queda allí varada sin poder regresar a la ciudad, dado el decreto de aislamiento social, preventivo y obligatorio. Es una persona llena de miedos, ensimismada en “nubes” de pensamiento articulados por libre asociaciones, desconfiada, insegura, reticente a vincularse con lxs demás, sin embargo, éste devenir de hechos que le toca vivir, le va mostrando otra cara de la vida, donde las personas con las que se cruza y se ve obligad a socializar le revelan otros sentidos, otros colores del mundo, otra forma de belleza, nuevas maneras de relacionarse, solidaridad, cooperación. Nigel se entrega a comenzar otra historia, nueva, inédita, renegada de lo vivido anteriormente, de toda tradición hasta ahora conocida. Porque el mundo no es igual, no será igual cuando termine la crisis, nadie sabe cómo será, el mundo va. Jazmín García Sathicq.
"Lucila o La Fiebre” es la historia de un amor loco. En ella el amor brota exagerado y tempestuoso como una fuerza natural para hundirse irremisiblemente en el abismo de la sociedad de los hombres. Negación radical del folletín, en “lucila” el amor no mueve montañas ni cruza fronteras geográficas o de las otras.
Los derechos del amor, aún en su debacle, o justamente por su causa, parecen querer enjuiciar esas pequeñas operaciones contables del deseo que llamamos romance y matrimonio.
La obra explora los límites de una redención imposible, la de lucila, la niña rica, y lencina, el callado servidor, convocados a una furtiva cita bajo el ojo paranoide del poder que los sigue de cerca.
Una caja musical evoca en la pareja a orfeo, el músico que venció a la muerte, y a eurídice, su malogrado amor. En delicado sobrevuelo los amantes del mito soplarán sus vientos báquicos sobre los protagonistas para arrasar el escenario donde el cálculo y las conveniencias urdían su trama.
Porque en “lucila” las palabras queman, y cuando el amor sube a los labios convertido en lava ardiente destruye lo que encuentra a su paso. Porque en un mundo donde la razón se ha vuelto loca, parecen querer decir los destinos sufrientes de los personajes, nuestra sed de amor y de verdad sólo se puede saciar con el delirio. +
El proyecto interdisciplinario “Lugar Propio” iniciado en el 2013 como una obra transmitida en vivo por la web, se desarrolla y ramifica desde entonces en múltiples formatos y dispositivos, desde intervenciones, instalaciones performáticas, hasta un ciclo de danza streaming. Es a través de su plataforma virtual www.lugarpropio.com.ar que se han podido presenciar las diferentes transmisiones emitidas en diferentes casas del mundo.
En Septiembre del 2016 se realiza el primer ciclo denominado LUGAR OTRO, que alojo 4 nuevas creaciones para este formato
LUGAR MONSTRUO, es una pata de este macro-emprendimiento ideado por Iván Haidar, con apoyo de diferentes organismos e instituciones para su realización, entre ellas Prodanza, El Fondo Nacional de las Artes y la Facultad de Bellas Artes de la UNLP. Este trabajo se presenta como una performance que muestra “lo casero” como un recurso sofisticado para construir una plataforma de producción auto-sustentable, en la que un hombre genera diferentes estímulos para su propia transformación. Sonido, imagen y movimiento impulsados por el cruce entre la tecnología y lo hogareño: un ventilador, una radio vieja, un micrófono roto, un smartphone, un velador, una notebook, un proyector y pequeñas linternas, son los elementos utilizados para intervenir al espacio y construir una experiencia en tiempo real. Aquello que acontece durante un presente que perdura, como una fábrica en donde se ve la composición y los mecanismos de construcción. Es ahí, en el observar cómo opera este sujeto, con cinta, con cables, con pedazos y restos de alambres, que se crea un juego entre ficción y realidad. Entre el adentro y el afuera, la metamorfosis se auto-interrumpe para continuar reconstruyéndose a sí mismo. Desvendando el truco para que aquella ficción que emerge sea fruto de un engaño aceptado, de entender el recurso para poder imaginar más allá del efecto, y entonces establecer nuevos modos de relacionar a la obra con otros universos. El lenguaje está en el dispositivo, en ese “entre” ir y venir, de creer y olvidar al recurso para viajar en la fantasía y ver finalmente al monstruo.
ACLARACIÓN: el trabajo se desarrolla sin asistencia técnica, es de operación en escena, sin utilizar luces de parrilla ni consola de audio. Entre sus diferentes versiones tiene una duración que abarca desde los 20 a los 25 minutos, de acuerdo a las condiciones espaciales. Preferentemente, la oscuridad acompaña los procedimientos de construcción para su mejor desempeño.
Idea y realización: Iván Haidar
Con apoyo del Instituto Prodanza, El Fondo Nacional de las Artes y la Facultad de Bellas Artes de la UNLP.
Colaboración: Laura Valencia, Mariana del Mármol, Centro Cultural El Escudo y Grupo Vuelve en Julio.
TRAILER: https://youtu.be/inMs7ycSgsg
“Lugar propio” es una obra web transmitida en vivo. Transcurre desde la intimidad de mi hogar pero con la exposición que implica ser visto, del otro lado de la pantalla por ese otro que no conocés. Está compuesta por un personaje que se transforma, que desdobla y resignifica su espacio que ya no es cotidiano, y muta a otros universos. Yo creo que habla sobre el bien privado que pareciera no existir, y la intención de escaparse a un mundo personal. Es muy íntima y juega mucho con la exposición, de alguna manera abre las puertas de una casa para ser vista, y luego ser reinventada por otros ojos. +
M
Entre letras y palabras descubrimos gentes errantes, que gravitan en los márgenes en incesante viaje sin finalidad ni domicilio. Seres condicionados por su locura y su pasión de empaquetar su cuerpo en abrigos, mantas, lonas, y que hundidos en la complicada anatomía de la vestimenta, entre paquetes secretos, bolsos, atados, tiras, e hilos se protegen profundamente. Escenas divididas en imágenes, imágenes divididas en objetos que se arrastran en el tiempo circular: éxodo sin fin. El cuerpo como objeto, el objeto como cuerpo. La tecnología como continua metamorfosis de la historia. +
Una mujer de mediana edad que no quiere envejecer, guarda un secreto que poco a poco irá revelando.
Su vida, su soledad, sus fantasmas de niña y de adulta, su vida en la calle y su sueño, el amor; aquello por lo que cada día vivimos, respiramos, nos movemos, somos. +
Comedia Infantil que consta de gran dinamismo al utilizar música en vivo y artes circenses (malabares, monociclo, zancos, acrobacia y técnicas de clown).
En la trama de la historia se puede apreciar a un Príncipe triste, “Galera”, que no encuentra el Amor, y que al conocer a Margarita despierta sus sentimientos pero debe disputar ese amor al Príncipe “Galán” quien, mediante engaños, la esconde en la cocina encantada para que cocine por siempre.
Galán y Galera se baten a duelo y ponen a prueba sus habilidades artísticas y acrobáticas.
Una historia de príncipes que entre acrobacias, malabares y payasadas luchan por el amor de una princesa. Todo esto bajo la particular poética clownesca. +
Córdoba, año 1821. Las fuerzas del ejército federal comandadas por el caudillo entrerriano Francisco Ramírez, han sido diezmadas. Sin otra salida que la retirada, emprenden no obstante lo que será la última batalla. Delfina, la amante de Ramírez, pelea como un soldado más a la par de su hombre. Es alcanzada por el enemigo y cuando estaba por ser vejada es salvada por el caudillo quien recibe una descarga en el pecho y muere en el campo de batalla. El Supremo es decapitado y su cabeza es llevada y expuesta como trofeo en el cabildo de Santa Fe. Tras largos días de huida, la Coronela junto a los pocos soldados sobrevivientes, logran cruzar el Paraná y descender hasta el Arroyo de la China donde –agotada- se recluye entre las paredes de su casa. A partir de este día siniestro, no habrá noche en la que Delfina no reviva en sus pesadillas la tragedia, acosada por el dolor y la culpa. +
Como punto de partida se toma el hecho ocurrido en nuestro país el 26 de junio del año 2002 en la localidad de Avellaneda, donde fueron asesinados Darío Santillán y Maximiliano Kostequi. Ellos fueron parte de los 4.000 desocupados que se movilizaron al Puente Pueyrredón junto a sus compañeras y compañeros del barrio.
La obra reivindica el sentido de lucha, trata de no quedarse en el acto de denuncia sino de poner en movimiento esa lucha generando conciencia en múltiples escenarios; que posibiliten nuevas propuestas para abordar la política y el arte como herramientas de trasformación social.
Para reconstruir asi la memoria de los que pierden, de reflejar problemáticas sociales “olvidadas”, en donde el arte tiene el potencial de reavivar aquello que desde el Estado se oculta, se calla. +
En esta obra los cuadros que se arman visualmente sólo son flechas disparadas hacia una sensibilidad atenta y dispuesta. También, aparece el tema de la traición, ya que no existe mayor falsedad que engañase a uno mismo.
Es una obra para reflexionar hacia adentro, sobre la importancia de los recuerdos, pero también sus riesgos. No es una propuesta complaciente, es por el contrario, inquietante, ya que lo que se va creando en el espacio es usado para que nadie quede indiferente +
En el comienzo mismo de la obra un hombre común, impensadamente, comete un crimen y se lo cuenta a su familia. Este hecho genera situaciones de mucha comicidad, dando paso a un patético e inesperado final, que cuestiona el concepto de normalidad y abre interrogantes sobre los vínculos familiares.
[[Archivo:Mate a un tipo.jpg|200px]] +
Mecha em Tramas, una composición de mechones de pelo sobre un telar que han sido donados por la gente. Una invitación para el conocimiento mutuo, el intercambio y el diálogo con el otro. Es la creación de una red. Una pantalla que se llena de cabello natural.
“Ligar personas, ligar lugares. Trama de mechas de pelos naturales. Pelo fuera del cuerpo, la pieza de cuerpo, que me lleva a otro, el individuo, que están fuera de mi cuerpo, en relación a mi interior. La experiencia de la vida cotidiana entre la gente “.
Mecha en parcelas es un proyecto que está en constante transformación, un trabajo en progreso. Es una obra móvil, tomando como referencia las redes sociales virtuales, y haciendo uso de ellos como un espacio de contacto continuo con los participantes de la obra. Un espacio configurado por las personas interesadas de cualquier parte del mundo, reuniendo ideas que afinan a algún punto.
Mechones de cabello recogido y tejido en un telar.
Mechones de cabello, cedida por las personas, é lo obyecto de composición.
el artista está constantemente presente en un espacio construido para la participación del público.
==Tramas del cuerpo de un punto al otro==
Por Josy Panão
Un cuerpo que, más que ocupar un lugar en el espacio, se extiende allende sus fronteras, se mezcla con la exterioridad que lo rodea, intensificando su interior con el intercambio que establece. Un cuerpo que va de un punto a otro en flujo y en mutua donación, en constante transformación. He aquí un cuerpo que aprende a abrirse al mundo.
Del asfalto a la arena de playa, pasando por el espacio virtual de las redes sociales, Flávia Pavia lleva un cuerpo singular, y a la vez totalmente arraigado en la alteridad, a la invasión del paisaje. Este cuerpo (se) perturba, (se) acelera, (se) desestabiliza e (se) inquieta los lugares por donde son marcadas sus pasajes.
Un hilo de estambre revela un destino inestable para este cuerpo que se extiende por el mundo. No se trata solamente de la experiencia aislada de la artista ante la sensación de colocarse en relación con otro, sino también de la reverberación de este potente contacto que ocurre en aquel que acompaña, ve y comparte el desenrollar del estambre.
Pedazos de cuerpo en mechones de cabello encarnan historicidades de vidas que se enredan y mezclan en la cotidianidad sin nunca cruzarse.
La materialidad de los trabajos “De uma ponta a outra” y “Mechas em trama” es su proceso abierto, es una invitación a embarcarse en el descubrimiento de un cuerpo en devenir, un cuerpo que se revela en el paisaje. Esta poética del procesal, es una marca importante en la elaboración de las propuestas de Flávia Paiva, una joven artista que juega, en el mejor sentido del término, de encarnar y poetizar espacios comunes.
Este proyecto nace con la intención de investigar el duo en si mismo. Una relación de dos tanto en el plano físico, el cual uno puede visualizar y experimentar, como en un plano adimensional, ilimitado y atemporal, en donde lo uno se vuelve en verdad, el todo.
Nos situamos del lado opuesto del concepto de dualidad, un principio que diferencia escencialmente o devela la oposición, preguntándonos qué nos diferencia partiendo de que podríamos ser lo mismo. Quién es el otro que no soy yo? Y si somos lo mismo viviendo situaciones diferentes? Hasta dónde el límite de la diferencia? Y si todos somos diferentes posibilidades de lo mismo? Dónde se hacen visibles los límites, dónde se tocan y donde desaparecen? Es el otro lo que yo no puedo ser?
El espacio como la posibilidad de ser, de encontrar y encontrarse.
La materia como potencia para existir y crear.
El otro como otra posibilidad de uno mismo.
El otro como revelador de lo oculto en uno, como una alimentación infinita.
Cómo es la individualidad en relación al otro, cúanto me pierdo en el otro, cuánto me recupero en el otro.
En el dúo, se devela el solo, en el momento en el que se elige ser otro. En la contrariedad, en la contraposición, en las diferencias, se devela lo único.
Lo doble como la potenciación de lo mismo, como una repercusión inevitable.
Lo doble devela, pone en evidencia lo único y a su vez lo presente en todos, lo que nos habita a todos. +
…el paso del tiempo, expandido a una aparente quietud…
Cuerpos en el espacio, construyendo una sucesión continua de imágenes que modifican nuestros modos de ver y leer el lugar, aparece, se distancia, se aleja, se adelanta, se re escala, componiendo para el espectador un ojo coreográfico, en que los cuerpos traen la arquitectura del espacio a un primer plano. +
'''Moni mon amie''' es un ''solo'' de danza e fotografía intervenida creado en el marco de la Residencia Crepúsculo, coordinada por Laura Valencia en el marco de la 1ra edición del [[Festival Danzafuera]]. +
La obra, que podría definirse como una partitura musical o rítmica en la que la textualidad devino de los cuerpos de las bailarinas, habla desde canciones, estados actorales, secuencias coreográficas, loops de textos y proezas físicas, evitando la palabra.
Es una experiencia de duración acotada, pero con una intensidad alta, que busca generar un cimbronazo en el espectador. Un tiempo vertiginoso de acontecimientos que se suceden y superponen rítmicamente estableciendo un vínculo más del orden físico que intelectual. +
¿Cómo crear un cuerpo colectivo? ¿Qué queda de mí en el montón? ¿Cuándo un fenómeno masivo se vuelve hecho poético?
A partir de estos interrogantes surge MONTÓN, una acción multitudinaria que pretende explorar el universo de las manifestaciones populares, irrumpiendo en el espacio público, ocupándolo y resignificándolo a partir de la mirada de la danza, que se posará sobre el hecho colectivo. +
“En algún momento aparecerá lo
inesperado, lo asombroso, y el quebranto del envoltorio se hará posible. Se preñará de fisuras y tomará
a otra existencia, a otro camino.
¿Repetitivo? ¿Nuevo?¿Impredecible?
No importa.”
Dalia Margot Baptista
Por cientos de años los marineros
se han guiado a través de las
estrellas buscando alguna certeza.
Mientras el océano se mueve,
encuentran consuelo en la luminosidad de la estrella del norte. Aquí
abajo todo está en constante movimiento.
Nada se detiene nunca, la masa
atrae masa, los cuerpos se mueven
por el espacio, se aceleran al acercarse, el empuje gravitacional entre
los cuerpos se hace más fuerte y
vuelve inevitable la convergencia.
Resultado… lo que ocurre tras la
convergencia: aun es…desconocido.
El dolor es una marea constante
¿y el miedo? +
El punto de partida de la obra son los hechos ocurridos el 26 de junio del año 2002, en la localidad de Avellaneda donde fueron asesinados Darío Santillán y Maximiliano Kosteki. Ellos formaban parte de los 4.000 desocupados que se movilizaron al Puente Pueyrredón junto a sus compañeras y compañeros del barrio.
La obra reivindica el sentido de lucha y trata de no quedarse en el acto de denuncia, en busca de poner en movimiento el conflicto para generar conciencia en múltiples escenarios que posibiliten nuevas propuestas que aborden la política y el arte como herramientas de trasformación social.
Para reconstruir así la memoria de los que pierden, reflejar problemáticas sociales “olvidadas”, en donde el arte tiene el potencial de reavivar aquello que desde el Estado, se oculta y se calla. +
N
La motivación de este trabajo reside en poder acudir a un acontecimiento escénico sucediendo en momento presente, una improvisación conjunta con ciertas pautas en relación al tiempo. De creación colectiva, instantánea, nuestra inquietud tiene que ver con unas preguntas sobre la impronta del momento presente… ¿Cómo resolver, dilucidar, edificar respuestas a los estímulos sensacionales, sensoriales? +
Un lugar donde cobijarse, desde dónde reflexionar y observarnos. Atar, enlazar y tensar son algunos de los procedimientos. Una obra que comienza con la construcción colectiva del espacio escénico para finalizar con una activación colectiva de la estructura. Compartir el hacer y descentrar los lugares solidificados de público, intérprete y obra, porque ¿cómo se experimenta de forma colectiva la danza contemporánea? +
Una culpa asfixiada detrás de las paredes. Las miserias hacinadas, la sexualidad que no fue y los dolores resuenan en los umbrales de un cuerpo agotado. El hogar ya no es tierra sagrada, y solo resta quejarse hasta besar el suelo. +
“Tú eres esa cosa
de la que no puedo tener bastante.
Así que te diré algo,
esto puede ser amor porque…”
Un dúo en una nube de colores, barba gigante enmarañada, cúmulo de desechos. Una geografía, espacio plástico y móvil como nuestros pensamientos.
Constelación que se ve al sur del mundo entre Escorpio y Sagitario atravesada por la Vía Láctea, también conocida como El Juego de Reglas o El Nivel, en latín Norma et Regula, “Escuadra y Nivel”. Con nuestras herramientas, reglas de un juego o varios, trazar un trabajo, una constelación al sur. (ARG-BRA)
Prácticas compartidas, juegos reglados para la construcción de escenas vinculares
(con) junto (com) bater (con) flicto (con) mover (com) partir (con) struir (com) poner (con) vivir Sin (tesis) Fi (m-n) +
En el fallido intento de retenerlas en su núcleo, las peores desgracias logran escapar de su encierro para enfrentar a sus guardianas y lograr diseminarse por el mundo +
O
Aqui lo que se propone es una performance abierta donde el performer empieza a manipular un objecto de tejido con todo su cuerpo y dibuja en el espacio. Es una acción en que se busca la descubierta del objecto, denominado “dibujos maleables”, en el cuerpo de los participantes, pero no solo de quién lo manipula, sino aquellos que están a mirar. El proponente empieza a manipular el objeto y a una cierta hora se acerca de alguién y empieza a jugar con este, en un improviso, hasta dejar por completo el objeto en el cuerpo del otro. Estarán disponíbles dos objetos para que várias personas puedan jugar al mismo tiempo. Es una acción performativa de dibujo corporal en el espacio, a través de la manipulación de un objeto, donde la experiencia del participante queda en su cuerpo y en la memoria de los que estan a mirarlos.
A partir de estos dibujos en el espacio, el acto de dibujo es pensado como una forma de visualización de una realidad espacial compleja, donde la configuración de las lineas, y el juego estructural a que están sujetas, son pensadas como una tectónica, en un espacio tridimensional.
La acción performativa con los dibujos maleables nos permite una dinámica de la línea y su duración en espacio y en el tiempo, a través de una integración completa entre el sujeto – cambiado en jugador – y la línea, donde él se convierte en un “descubridor de la obra”, desentrañandola en cada parte. El dibujo ocurre durante el juego y, terminado el juego, la línea vuelve a su estado inicial y lo que queda es solamente la experiencia y la memoria del juego. +
Se trabajaron diferentes modos de estar parado: curvando el eje en diferentes direcciones, alineando la columna en un eje en diagonal al piso, explorando momentos límites antes de salir de eje y distintas formas de caer.
La sombra proyectada en la pared a creada por la luz del proyector es muy definida formando un doble de la imagen del cuerpo, dando la ilusión de un juego de relaciones entre la imagen tridimensional y bidimensional.
El trabajo aborda las distintas maneras de estar en eje y salir de él en un espacio reducido (dos metros por dos metros) por lo que el foco no se pone en las traslaciones que ésto genera sino en el momento de decisión de volver a estar de pie y a la vez en la acentuación del tiempo exacto en el que el eje sale de su verticalidad. Ese momento exacto es experimentado desde distintas maneras derivadas de las decisiones acerca de nuestras direcciones en el espacio y la modulación de nuestra disponibilidad articular, el tono muscular, disociaciones espaciales y recorridos internos del movimiento, entre otros. Se atiende constantemente a las diferentes relaciones con el entorno que cada movimiento genera, sintetizándose en este estar de pie, una manera de estar en el mundo. +
El tema central giró en torno a “OTRAS PIELES” como metáfora del OTRO. Ese OTRO que nos nombra, nos representa, nos limita, nos estimula justamente a ver otras identidades….y es así como esas otras identidades representadas en las diferentes capacidades de los bailarines dieron sentido a la obra. Ellos, a través del movimiento, exploran las diversas posibilidades que sus propias realidades y limitaciones les ofrecen. +
Es una composición coreográfica colaborativa. Cinco bailarines narran con su tango danza, emociones, encuentros y desencuentros en una jornada muy particular… El tango con su cadencia, sus pausas, su abrazo termina rescatándolos de sus dramas en tres momentos.
Lo que empezó como una idea de aquel dramático 2 de abril del año pasado, cuando las aguas cubrieron gran parte de la ciudad viéndonos todos afectados por el meteoro, terminó siendo una metáfora de las situaciones límites. En momentos de gran confusión, angustia y desolación, aparecen como por arte de “magia” otros estados de ánimo. Las grandes pérdidas, a veces, nos muestran nuestra verdadera esencia. Metáfora de otras situaciones dónde socialmente hemos pasado por perderlo todo. Metáfora también de esta obra, donde aparecen, por momentos, luchas de egos, generosidades inesperadas, afectos desde el amor hasta el odio, todo bajo el lenguaje del Tango. +
P
Llegará el día en el que abriremos los ojos y no seremos más que una construcción del mundo que nos rodea. Los placeres materiales, las falsas convicciones espirituales, aquellos pequeños engaños que nos llevan a otras grandes mentiras y a justificativos inocuos, nuestros reducidos instantes de consciencia que nos reafirman la necesidad de fingir, simular y callar aquello que nadie desea escuchar ni decir. Acostumbrados al silencio, chocando contra todos y contra nosotros mismos. +
PORQUENO surge a partir de la necesidad, por un lado de investigar en la construcción grupal de material coreográfico, y por el otro, en el deseo de experimentar con aspectos lúdicos del movimiento, en la intención de propiciar un clima celebratorio.
En esta obra lo grupal resulta nodal, dando como resultado una producción centrada en lo colectivo.
Pero en esta idea de "todas" también aparecen también diferencias y similitudes, de esta tensión surge el desprendimiento de dúos, en los que el eje esta puesto en bucear los opuestos. En PORQUENO no hay un "tema" en particular, se podría decir que sobrevuela una nueva mirada sobre nosotras mismas, un reconocimiento de la identidad grupal que nos contiene. Si bien la obra no es narrativa, se desarrolla con cierta linealidad, generando una dramaturgia sencilla en las que las diferentes escenas se van hilvanando. +
Metamorfosis es un maravilloso nombre que nos introduce en una muy vieja doctrina de la mutación. Buena parte de los esfuerzos de la filosofía han sido encontrar cómo presentar con diferentes formas estos archivos del saber. Las culturas literarias más familiares atraviesan leyendas de transformación y nos traen a Ovidio, a Kafka, a las fábulas y en ellas siempre el cuerpo y sus variaciones. Tomamos esta idea y la pusimos en juego. Nuestro juego, el teatro. +
Partida se piensa como un viaje, un recorrido por el espacio y el cuerpo. En ese transitar, los cuerpos atraviesan diversos estados, expresiones del movimiento que devienen de la propuesta de cada bailarina.
Nueve mujeres consuman su danza, entran en contacto momentáneamente y van instaurando un diálogo en el que cada solo es uno en sí mismo y se resignifica frente a los otros, construyendo su propio universo representativo. Así, cada encuentro proporciona un nuevo sentido y recubre al otro en su espesor. Visto a través del otro, el cuerpo se vuelve extraño y conocido a la vez; adquiere, bajo nueva luz, otras connotaciones.
Partidas están las miradas sobre estas mujeres, partidos están muchas veces sus cuerpos y los relatos que se construyen en la superposición de los solos. Partida está la forma desde su origen: fragmentos que se separan para volver a reunirse bajo nuevos puntos de vista. Un punto de partida, un nuevo inicio cada vez: salir para volver a llegar al comienzo y en su exploración, conocer por primera vez ese lugar. +
Dos hermanos intentan perpetuar la estirpe familiar. Los invaden los desvelos de su historia. Una foto pintada y el pelo de la prima mas fea que se puede tener. Purgar la familia. ¿Qué realidad, fuera de esta casa, podés ver? +
Pequeña es una obra coreográfica que bucea en algunas ideas relacionadas con los tamaños y las escalas. Pensada para un espacio de dimensiones reducidas la obra está construida a partir de pequeñas piezas que se suceden y se articulan. Cada una de estas piezas se centra en el vínculo de los bailarines entre sí y con algunos objetos de pequeño formato, relación que también se extiende a los músicos que tocan en vivo. +
Perderse en casa, ahí donde las cosas resultan familiares, y las personas se parecen a aquellas que alguna vez fueron. Por esa extraña y particular transformación, casi imperceptible que acontece de forma involuntaria, elegir detenerse a observar para escapar de ese lugar, ese al cual se llega sin entender porque. Entonces irse a otro lado parece ser la única forma de volver a encontrarse en el presente. Tener que frenar el impulso, superar la nostalgia, atravesar el pasado. Como si se alquilara una casa en el medio del campo en donde aislarse de la rutina, pero juntos. Como si fuera la primera vez en que relacionarse es un acontecimiento indescifrable. Como si se constituyera una nueva forma de ser familia. Como si elegirse fuese una opción. Llevarse la casa con los otros, y olvidarse de quienes pudieron ser. Dentro de casa, no saber cuál es el límite para habitarla. Perderse. +
Obra de danza basada en los poemas de la escritora argentina Alejandra Pizarnik. Su intenso mundo de palabras, el amor por el viento y los espejos, las referencias a la noche, los cuerpos y el bosque como sinónimo de silencio, su fascinación por el surrealismo, el fanatismo por Janis Joplin y Edith Piaf y su amistad con Julio Cortázar, son la inspiración de esta obra que se introduce en el misterio de los miedos, en la idea de escribir para reparar la herida. Tratando de captar su espíritu, desde una atmósfera intimista, con una fuerte propuesta audiovisual, en donde se incluye además un videodanza, Ströme propone combinar las palabras y el cuerpo, los silencios y la respiración, lo real y lo imaginario. +
En Play with bubbles, el acto de hacer borbujas es tomado como un acto de dibujo, donde se puso pigmientos coloridos junto al jabón, para que, cuando la borbuja se explota sobre el papel, deja su rastro, su marca, una impresión. Desta forma hay un registro de una acción colectiva efimera. La acción crea una pintura hecha con la adición de pigmientos en el jabón para que las borbujas sean impresas en el papel que delimita el espacio del juego quando se explotan. Así, el juego que es algo efímero dejará memórias en los jugadores y una memoria concreta. En esta acción de pintura performativa, se cambia el modo de hacer pintura, donde no se toca en el soporte, se pinta con tinta y aire, a través del contacto de la borbuja con la superfície, como un dripping de borbujas que se auto-representan en la tela. Veo el acto de hacer las pompas como un acto placeroso a quién lo ejecuta, sean niños o adultos, pues a través de un sopro o de un movimiento del brazo en el aire, surgen translucidas y brillantes pompas, y cuando utilizados instrumentos más grandes que hacen pompas gigantes, estos movimientos se configuran como una danza. Estubieron disponíbles a los jugadores vários juguetes diferentes para participaren del juego. La propuesta es que, durante este tiempo, los participantes puedan cambiar recuerdos, memorias y ser un momento de diversión, donde todos vuelvan a ser niños por un determinado tiempo del juevo y volver a lo cotidiano con nuevas miradas. +
La obra pone en escena un mundo femenino.
Se trabajan los clichés del romanticismo en la mujer, imágenes, ideas y elementos que son los supuestamente femeninos.
Se manipulan chicles, carteras, zapatos, polleras, corazones, burbujas, talco y una muñeca.Los colores que completan el planteo estético son el rojo, fucsia, rosa y blanco.
Partiendo de una primera mirada que puede remitir a lo superficial, subyacen y se revelan aspectos y sentimientos más profundos, que conducen a la emoción.
Esto es el resultado de un proceso de creación en el cual se incluyen y desarrollan elementos autobiográficos determinantes en la vida de una persona.
Se pueden ver las distintas etapas de la vida: la infancia, la adolescencia, la juventud y la adultez, evocadas a través de las diferentes escenas.
Se plantea, a su vez, un “viaje a la semilla” donde se altera lo cronológico y se parte de la adultez para volver a la infancia.
Con fuerte presencia de lo visual, se utilizan en lo escénico juegos de transparencias, sombras y proyecciones.
En la composición coreográfica el lenguaje de la danza se combina con técnicas del teatro y del circo. Los elementos de movimiento y su tratamiento son los de la danza contemporánea. Por las relaciones que se establecen entre cuerpo-emoción-verbo, y la intención de traducir a través del movimiento imágenes, metáforas, símbolos e ideas la obra se puede enmarcar dentro de lo que es el teatro-danza. +
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Potencial Múltiple es una performance en conjunto con la artista visual Sol Massera.
“Para potenciar lo colectivo, desarticular lo inamovible y rearticularnos entramadxs ¿Qué fuerzas se accionan? ¿cómo hacer visible la acción que genera la reverberancia que genera una acción dentro de esta trama? +
Prehistoria trata sobre el sabor del tiempo; investiga un abordaje escénico, o performático, centrado fuertemente en la duración en tanto material tangible. Es una práctica física, emocional y poética; un procedimiento expuesto que se vuelve el tema en cuestión. Delicado tratamiento sobre la voluntad de hacer(se) en escena; excava su mismo suelo y deriva en un tipo de objeto duracional, un acontecimiento que invita a cada uno a hacer su propio trabajo. Contemplación de lo bello o lo monstruoso de los procesos más que de las cosas cuando ya están hechas. +
:::''Los visitantes, aquí, se dan la vuelta y regresan al interior y se preguntan cómo ocurre todo esto, y comprenden difícilmente las razones de lo que ven y sienten; no encuentran nada de lo que se suele llamar una “casa”. Se sienten en otra cosa del todo nueva. Y… creo que no se aburren.''
::::::::::::(Le Corbusier, ''Precisiones respecto a un estado actual de la arquitectura y el urbanismo'')
Una de las premisas básicas de Le Corbusier, es que la arquitectura puede ser vista como una forma de texto que se desarrolla en el espacio.
La teoría que construye y manifiesta la Casa Curutchet, y en particular el concepto de cuerpo que esta contiene, son retomados para volver a habitarlos y transitarlos pero esta vez bajo nuevas formas, que permitan dar cuenta de sus apropiaciones.
Volver a habitar y descubrir el lugar nuevo, puede conducir a la intromisión de lo inesperado, que llegaría con la fuerza de lo extraño. Los límites entre lo propio y lo ajeno surgidos de este modo adquirirían distintas formas. Comenzarían con la piel del cuerpo, aparecerían en forma de paredes, muros, puertas y ventanas, texturas. Ocupar un espacio es un proceso permanente de producción ficcional que constituye modos de estar en el mundo.
La promenade arquitectónica es la invitación a recorrer un edificio, estimulando en ese paseo una experiencia estética. El recorrido es este elemento de la arquitectura en el que se articulan todos los espacios que componen un edificio. Es una forma secuencial en la que las entidades formales que la integran se vinculan explícitamente por una trayectoria espacial, cuya percepción impone una temporalidad que permite la lectura de una estructura narrativa. La promenade define espacios, ofrece experiencias y contribuye a la forma en que se comprenden las características espaciales de la casa. Para poder ser comprendido, el edificio debe ser recorrido.
Así, el movimiento de los cuerpos hace surgir un espacio; el espacio genera y promueve las posibilidades de movimiento. Coexistencia y origen simultáneo del cuerpo y del espacio, en tanto se imbrican y descubren mutuamente.
¿Hay erotismo en la repetición? Ecos de voces que están, pero ausentes. Caos de ventanas multiplicadas, amuchadas. La soledad rascando las ventanas, golpeando las paredes, los pisos. Goces escondidos a punto de aullar. Siempre a punto. Casi. Nunca. ¿Quién bajó la palanca? Traqueteo de pies acompañando el humo que se vuelve infinito. Movimientos de uno por uno quemando los talones. ¿Cuántas veces se dijeron las mismas cosas creyendo ser únicas? Desatar la furia de otros tiempos. En la madrugada todo parece tan bello y tan vivo y tan irreal. ¿Existen las velas en tus ojos de vidrio? Casi nos tocamos. Con un swing infernal. Pero no. No hay textos posibles. Cero. Una y otra vez. Proyecto ganador de las "Becas a la creación- 2017" otorgadas por el Fondo Nacional de las Artes +
“Saber y no saber, hallarse consciente de la verdad y elaborar mentiras cuidadosamente. Sostener dos opiniones contradictorias y creer sin embargo en ambas. Emplear la lógica contra la lógica. Olvidar cuanto fuera necesario olvidar." George Orwell.
La verdad y la no verdad. El doble pensar. El crimen mental. La construcción de un enemigo. El odio como herramienta de dominio. El material obsoleto. Los cuerpos compositivos y constructivos. Los dispositivos espaciales, lumínicos y escenográficos. El control. La disciplina. La estructura. La conducta subyugada.
Un grupo de personas atrapadas en un sistema y en un espacio que oprime su existencia y la propia condición humana. +
Práctica para ensanchar una línea utiliza el recorrido como estímulo central de la acción performativa y el espacio público como la herramientas de investigación. La práctica hace un zoom sobre un borde, un margen donde se acumula basura y muchas cosas más.
La escena encuentra unos materiales de registro tomados del recorrido, hace foco en la performatividad que sus despliegues y manipulaciones requieren, un devenir donde cuerpos, sonido, texto e imágenes generan un ambiente específico, que se define por sus movimientos y constante hibridación, desafiando el binomio adentro y afuera. +
Pieza de improvisación que surge del encuentro de un música y una bailarina. Indaga sobre el desencuentro, la proximidad, la ambigüedad y la correspondencia entre la acción y el sonido como dos ejes cartesianos X e Y que se cruzan y se vinculan.
La pieza busca traducir la experiencia de la acción al sonido y viceversa, y los condensa en estados presentes. La temporalidad de los cuerpos y sus seres no constituyen dos cuestiones distintas. Los cuerpos no están ante el tiempo: son el tiempo. El música y la bailarina manifiestan modos de estar anudados a un cierto mundo. +
Q
''La Jaula se ha vuelto pájaro, qué haré con el miedo''
Alejandra Pizarnik
''Quien Habita'' es la relación recíproca entre los sujetos y el espacio que los contiene. Intenta evidenciar la opresión o manipulación a la que puede llegar el sistema visto como contexto. En esta obra el espacio tiene cuerpo, se manifiesta. Genera y modifica a dos seres que habitan en él o con él.
La especialidad aparece personificada por formas lumínicas delimitadas en el escenario que hacen evidente los contrastes entre luz y oscuridad, lo presente y lo ausente, lo lleno y lo vacío. Los personajes sólo existen donde existe el espacio, sólo son donde habitan.
Ellos son modificados y al mismo tiempo modifican re-creando un espacio cada vez, resisten en su estadía. Los seres que habitan en estos espacios reducidos se encuentran encerrados, han vivido toda su vida allí, sienten disgusto, se manifiestan. +
El juego que propone ''Quién te mira quién te ve'', está dado por ese armar y desarmar escenas, y por el desplazamiento de la mirada del espectador entre esas escenas que se arman y desarman, y el encuadre que la cámara propone en cada momento. Es un juego que devela el artificio del armado de las escenas, tomando con humor el artificio del cine, a la vez que sus condiciones materiales de producción en un contexto como el nuestro. +
Bajo la luz de la lupa presenta un juego entre lo proyectado y lo que sucede en escena, mezcla de imágenes y situaciones que se organizan en distintos puntos del espacio de forma tal que contemplan un todo, compuesto por fragmentos. Mientras que la cámara propone una mirada sobre bailarinas y su entorno, proyectada en las distintas pantallas durante la performance que permiten al espectador ver el proceso de construcción del audiovisual en tiempo real.
Bailarinas, videasta y músico interactuarán entre sí junto a los elementos que recortan el espacio, entrelazan sus miradas y crean nuevas formas, multiplicándose hasta encontrar algo nuevo.
“Quien te mira quién te ve/ Bajo la luz de la lupa” es un proyecto que intenta habitar espacios no convencionales y transformarlos en pos de incorporar los nuevos elementos provistos a explorar. Como por lo general se trata de lugares que no fueron creados ni pensados para la danza o su circuito, se instala una búsqueda por apropiarse de estos lugares a través de distintos lenguajes organizados en torno a la mirada. Los lenguajes propuestos (danza, música, imagen) se combinan en un juego entre lo analógico y digital, lo onírico y lo real, con la creación y proyección de imágenes en tiempo real en espacios simultáneos y en paralelo, permitiendo que el espectador pueda elegir y redistribuir lo visto de un modo activo. Planteamos la construcción de escenas que implican un proceso, como fin en sí mismo. En el armado se intercambian los roles de intérprete y técnico, se reutilizan antiguos materiales y se incorporan nuevos, en la exploración de un modo particular de trabajar, de plantearse el trabajo en grupo. +
R
Re calculando es el primer espectáculo de antología del grupo Ridiculum Vitae, estrenado en octubre de 2011y repuesto en 2018.
Un variado despliegue de registros humorísticos que incluye desde un fallido homenaje tanguero hasta la impresentable forma de elegir y crear un candidato, pasando por una desopilante crítica a las empresas telefónicas, la presentación de una cárcel modelo, un viajero del futuro y la actuación de un excesivamente modesto grupo de folklore.
Gran número de personajes y estilos musicales como el tango, bolero, ska, folklore y candombe entre otros, ejecutados en vivo por los cuatro actores, con una cuidadosa puesta en escena. +
Intervfención performática en el marco de la Bienal de Arte de la ciudad de La Plata 2016. +
Puesta en funcionamiento de tres cuerpos que se mueven en relación a pautas pre establecidas dentro de un circuito o mapa espacial. Cada uno de estos cuerpos ya posee un discurso, pero al relacionarse en el mismo tiempo y espacio generan nuevas situaciones, texturas físicas y sonoras que deambulan a través del relato momentáneo de lo que hicieron, lo que están haciendo, más aquello que les gusta hacer. +
Puede ser desplegada en varias posibles obras… según el punto de vista del que la mira... +
S
…Es difícil establecer hasta donde se extiende el frente ininterrumpido que avanza y dónde se separa y segmenta en las olas que existen por si mismas,
distintas en velocidad, forma, fuerza y dirección... (Italo Calvino)
La riqueza en cada persona, sus vacíos, su mundo interior y la complementación con el otro, el crecimiento en la unión acertada, la maravillosa, integridad al encontrar el lugar donde comenzamos a ser parte de un todo y el todo logra su sentido para cada uno. +
BOMBÍN TEATRO presenta su temporada 2016:
SUMARIO DE LA MUERTE DE KLEIST
una obra de Alejandro Tantanian
Apoyado en la experiencia en su trabajo como director de la compañia Iberoamericana de Creacion Teatral Bombin Teatro, el director de escena Joaquin Gomez presenta en Buenos Aires su nueva puesta: "Sumario de la muerte de Kleist", con dramaturgia de Alejandro Tantanian y las actuaciones de Lupe Iñiguez, Carlos Folias y Joaquin Gomez.
La obra narra las ultimas horas previas al suicidio del poeta aleman, en compañia de Henriette Vogel a orillas del lago Wannsee.
Aquella tarde de noviembre de 1811 -dice el autor-, Kleist une su sangre a su letra. Es el mejor actor de su propio texto. +
Saturno es un planeta por el que orbitan decenas de satélites. Cada uno sigue su curso individual y propio, vinculado pero a la vez independiente del de los demás. Siempre con una única cosa en común, recorrer su camino alrededor del mundo.
Tomando esa analogía al gigante gaseoso, Saturno cuenta la historia de un mundo similar al nuestro, pero con reglas distintas, en el cual los personajes que lo atraviesan tienen sus propias historias, sus cotidianos, sus devenires y sus problemas, llevando al espectador a viajar a ese planeta y adentrarse un poco en la vida de esos personajes. +
Serán cinco mujeres, una casa, y un gran secreto escondido en cada una de ellas que durante el transcurso de la obra saldrá a la luz.
En una casa vieja y sucia se encuentran una poetiza, Maria Elena, casi un ser de otro tiempo, que dice ser la dueña de la casa y que ha decidido regresar para que, con la ayuda de sus recuerdos, pueda terminar de escribir su libro de poemas; una empleada de una empresa de limpieza, Nelly, una mujer pobre que tiene varios hijos, uno de ellos preso acusado de haber matado a un taxista; una abogada, Marta, que intenta por todos los medios vender esta casa; una ex presa política, Estela, que ha sido torturada en esa casa y una mujer más joven que todas las demás, Melisa, que a veces solo existe en la imaginación de las otras y se transforma en alguien que tiene que ver con la vida particular de cada una de estas mujeres.
El tiempo es aquí y ahora, pero a veces los recuerdos y los deseos lo detienen, lo doblan, lo dilatan. Seres que vuelven en el polvo, en los sótanos y en los altillos. Mujeres. Secretos. +
Nos invita a conocer a una mujer danzada por energías cíclicas de lo humano, lo animal y lo vegetal. Inspirado en el poema de Atahualpa Yupanqui "Tiempo de hombre" +
Testigo de miedos, juegos, Vértigos, alegrías desbordantes y horas para disfrutar estar sucia y despeinada. Una perspectiva totalmente diferente a la de los pies sobre la tierra. ¿Cuántas hamacas nos sobreviven?¿Cuántas historias vieron pasar? Un objeto cuyo entorno habitual es el afuera se ve extrañado en el adentro y genera inquietud como todo lo que se encuentra fuera de lugar +
Un policial con dosis de suspenso y humor. La acción transcurre en la casa de Sherlock Holmes. Allí se encuentra el famoso detective, junto a su colaborador Watson, quien revisa viejas evidencias de diferentes casos intentando revivir aquellos tiempos donde juntos revelaban secretos. Holmes se niega en un principio, pero la insistencia de Watson y los recuerdos que se hacen presentes conducirán a que ambos reconstruyan tal vez el caso más importante: El sabueso de Baskerville. +
Contacto entre dos universos. Sobre todo lo que uno hace o deja de hacer para encontrarse con el otro. Sobre todo aquello que desdibuja el borde del mundo que nos pertenece.
Las dos mujeres que comparten el escenario, a veces logran encontrarse en un tiempo y espacio común, caen en y de la vida de la otra, se unen o alían en función de un otro externo, se miden (que cantidad de ella entra en mí, que medida me separa de ella, cuanto de ella me modera). +
Los relojes permanecerán sincronizados en cada boca para que alguien viaje a través del agujero de gusano, sin importar cuanto se mueven las bocas. +
No perder(se) de vista/ transformar el punto de partida/devenir lo mecánico en orgánico/tres cuerpos vértices de un triángulo. +
''Sobre el Terror'', de Luciano Kulikov.
Para narrador, percusionista y violonchelista.
Los textos utilizados en ''Sobre el terror'', son ''La pesadilla lúcida'' (apuntes sobre el género de terror, prólogo a una antología) y ''El mal menor'', de C.E Feiling. Ambos dialogan, dentro del ámbito dramático-musical, con una red de discursos sonoros, visuales y audiovisuales, condicionados por el par dialéctico inteligible-ininteligible. El dispositivo escénico-temporal y la relación entre narrador-actor, percusionista y violonchelista, fueron basados en la idea de artista de Foley: "una imagen es intervenida por el agregado de sonidos, imitando la supuesta resultante sonora o creando nuevas relaciones audiovisuales". +
El empleo acertado o descertado y la sucesión de acciones para construir una gramática escénica efímera.
Esta obra es un solo que articula y busca generar su propio lenguaje, su propio proceso, su propia composición, en base a los elementos que manipula y comparte escena.
Construye y deconstruye la composición en el devenir del proceso, entendiendo la soledad en relación de compañía de todas sus ausencias. +
Los Solos Teatrales nacen en el estudio de entrenamiento actoral del maestro Alejandro Catalán.
[[Archivo:Lorena Spotti.jpg|thumb]]
A partir de diferentes estímulos corporales, (entendiendo el cuerpo como unidad psicofísica) se genera una situación de ficción que tiene como objetivo detenerse en la sensación que este estímulo produce, investigando su recorrido desde el nivel neutro hasta el máximo de expresión.
[[Archivo:Melina Peresson.jpg|thumb]]
Se trata de un espectáculo compuesto por trabajos individuales, que profundizan esta técnica y logran amalgamarse en lo colectivo. En cada uno de estos materiales se ve reflejado el placer por la creación escénica de cada un@ de sus intérpretes.
[[Archivo:Canevaro.jpg|thumb]]
La soledad en escena aumenta el goce por el detalle de lo que se quiere expresar, haciendo que la comunicación entre el público y el actor/actriz sea íntima e interactiva. +
Se realizó en el club Sporting la muestra de fin de año de las actividades deportivas y circenses. En ese marco se realizó el espectáculo Sporting muestra circo. En estas muestras se presentaron 3 grupos infantiles y 2 grupos de adultos.
Las temáticas fueron:
- La escuela: los alumnos son estudiantes, que durante el recreo, aprovechan a divertirse y jugar con los elementos propios del circo.
- Viaje por el mundo: un grupo de exploradores viaja a diferentes partes del mundo y va encontrando una gran diversidad de lenguajes para expresar sus ideas.
- Los sueños: en el mundo onírico, una pesadilla intenta atrapar a los sueños buenos. Se desata una gran batalla.
- Los colores: la vida nos ofrece una gran variedad de colores que se manifiestan de todas maneras. Las acrobacias de telas nos permitan encontrar esa difversidad. +
El pelo ha sido a lo largo de la historia el foco de la moda y el rostro visible de la brecha entre pobres y ricos. Su falta o exuberancia es principalmente en la mujer, sinónimo de pureza, castigo, virginidad, vejez, enfermedad, rebeldía, pertenencia. La búsqueda de relaciones que desde siempre se han establecido entre mujeres a través del pelo, en distintos momentos de la vida y de la historia, entrama conflictos y genera vínculos que estructuran y vislumbran aspectos difíciles de describir y comprender de la femineidad. “Si los ojos son el espejo del alma…el pelo es el espejo del ánimo”. +
La pieza es un fragmento de otra obra llamada “La concepción del tiempo imaginado”.
“Superestática y Mr. Facciones Relajadas” son dos seres que se encuentran en otro tiempo; conviven en un Universo Paralelo donde lo restringido se transforma en una sinfonía de movimiento. Ellos componen un espacio imaginado, sincrónico, obsesivo, medido, perfecto; lo construyen, lo apropian y lo desarman.
Los bailarines interpretan un dúo de compleja ejecución caracterizado por tiempos sincopados, movimientos puntillosos con pequeños detalles cuyo virtuosismo descansa en la sincronización de los ejecutantes, los abruptos cambios de estados, la gestualidad explotada en sus grados más abstractos.
La pieza, que transluce el híbrido de lenguajes entre la danza contemporánea y el teatro; sucede de repente; atraviesa al espectador; no le da tiempo para pensar; bifurca las dimensiones del tiempo como así lo viven sus personajes… como un instante donde no estamos presentes en nuestro espacio tangible sino que vagamos en los eternos segundos infinitos de nuestra imaginación. +
“Suspensivos” se sitúa en un escenario de ciencia ficción, un mundo Futurista con sus propias reglas; cuyos habitantes trasgreden los parámetros y convenciones sociales preestablecidas. Dicha ruptura es la que genera la unión entre ellos mismos; es el motor que produce los cambios; la que los lleva de la enajenación a la comprensión del mundo.
La obra está basada en “Patio Regresivo” de Luz Rodríguez Urquiza. El Director de “Suspensivos”, René Mantiñán, participó de un encuentro entre investigadores de teatro para adolescentes organizado por ATINA (Asociación de Teatristas Independientes para niños y adolescentes de Argentina) en el año 2010; allí se gestaron textos e ideas de puesta de obras que, enfrentaban el interrogante sobre qué tipo de teatro miran los jóvenes contemporáneos y si existe tal diferenciación; es decir, si realmente hay obras que sean exclusivamente para este público.
Mantiñán toma allí el texto de Urquiza y convoca a su grupo de teatro para llevar a cabo una idea de puesta propia. Al comenzar a trabajar, aparecen varios temas que podían o no estar explícitos en la obra pero que, para “Vuelve en Julio” fomaban parte del imaginario de los adolescentes: el descubrimiento sexual, el formar una identidad, los videojuegos, la amistad, la competencia, los códigos con los otros, el miedo a la muerte, entre otros. Allí comienza un arduo proceso de investigación donde la obra “Patio Regresivo” termina siendo un disparador para la creación de “Suspensivos”. A fines de 2011 se presenta la obra en proceso y forma parte del 1° Festival de Teatro para Adolescentes organizado por ATINA en la ciudad de Bs.As. teniendo una gran repercusión en este joven público. +
"Enmarañadxs, incesantemente reanudadxs, de nuevo, de nuevo..."
H.Michaux +
T
TEI, es un espectáculo de improvisación teatral que se enmarca en un clima de guerra. Se presenta ante el público una situación en la que el presentador del show, caracterizado por un prominente bigote, vestimenta usualmente oscura y en algún punto formal, domina al mundo bajo el nombre de Señor TEI. Sin más explicaciones acerca de cómo logró dicho control mundial, la obra procede con el temor de este personaje de que su régimen sea derrocado por un grupo de terroristas.
El espectáculo se extiende con la presentación de los terroristas, un grupo de 6 actores improvisadores, que desafían al tirano en las regiones claves del mundo, con el fin de liberarlas. No obstante, en este mundo, la lógica indica que sólo podrán independizar a las zonas en las que incursionen si cumplen con las reglas del déspota. Así como también unos objetivos específicos que se le dan a los designados comandantes de cada misión.
Al cabo de cinco misiones, la computadora (personaje incorpóreo, que inicialmente se muestra como aliado al régimen, pero que a su vez posee una personalidad propia), determina si el régimen sobrevivió o claudicó ante los esfuerzos de los subversivos. +
Con fuerte compromiso social sin perder el humor se cuenta durante los 40 minutos que dura la función la historia de City Bell, barrio ubicado al norte de La Plata. Quiénes fueron los Bell y cómo llegaron los ingleses a nuestro suelo son algunas de las escenas que con marcado histrionismo, característico del teatro comunitario, representan sus integrantes. Malvinas y el Golpe del 76´ también se hacen presente en “Templo, Estancia Batallón” de la mano de la memoria, la conciencia y el respeto. +
Residencia de creación llevada a cabo en el marco del Festival con un grupo de personas seleccionadas mediante una convocatoria abierta y gratuita
Recorremos el barrio de Tolosa, caminamos y observamos lo que hay, lo que siempre hubo, lo que a primera vista no percibimos. El modo de vida contemporánea nos propone movernos a toda velocidad de un lado a otro sin parar y nos perdemos lo pequeño, pasamos todo por alto. Por eso nos preguntamos qué es hacer territorio hoy, cómo conocer un barrio.
Esta propuesta está impulsada por arquitectos de diferentes edades. Hemos conformado un colectivo junto a diversos artistas de Tolosa e invitados.Tomamos una porción de ciudad como excusa para repensar el arte y la arquitectura. Nos reunimos a caminar y registrar, mapeamos, fotografiamos, dibujamos, hacemos videos, escribimos, recopilamos, proponemos ver el barrio desde diferentes puntos de vista. Ver de cerca: la mirada personal, autobiográfica, la escala uno en uno. Ver de lejos: las vistas aéreas, el conglomerado, la escala 1:5.000, ver esa mancha que somos dentro del mapa.
Creemos que es en la calle donde repensar los proyectos urbanos y el patrimonio de la ciudad.
El Territorio no es algo que está ahí, esperando ser descubierto y conquistado, sino eso que se hace al descubrir y al conquistar dice Deleuze. Deconstruimos el término "HACER TERRITORIO" para des-territorializar lo que creemos construido, fijo e inamovible, para luego re-territorializar con la mirada, profundizando, viendo lo que creíamos haber visto y volviendo a aprender lo que creíamos ya saber.
Utilizamos la observación, la charla, el registro, y las redes como estrategia de trabajo.
Creemos que es en la calle donde repensar lo cotidiano, donde reflexionar sobre el barrio de todos los días ¿No es ese un modo de hacer ciudad? +
El Mikado, emperador de un Japón mitológico y fantástico, ha lanzado un decreto terrible: penar con la muerte a los hombres que coqueteen. Para evitar el castigo, los ciudadanos de la aldea de Títipu han nombrado Juez y Verdugo a Ko-Ko, el más miserable de los condenados, que al no poder decapitarse a sí mismo, no puede decapitar a nadie más. Esa ingeniosa solución se complica con la llegada de Nanki-poo, un supuesto trovador vagabundo que busca a su amada Yum-Yum, una joven a punto de casarse con Ko-ko. Pero el recién llegado traerá también la venganza de su anterior prometida, la temible Kátisha, y con ella, la sombra de las leyes del Mikado...
The Mikado, ópera en inglés con subtitulado en castellano. +
TIERRA ADENTRO
En un pequeño pueblo pampeano, dos hombres trabajan en una empresa de servicios fúnebres. El más joven, Mariano; el mayor, Domingo. Van a buscar a un muerto, a quien una mujer que nunca vemos acompañó en sus últimas horas. Esta es la historia que sucede al frente. Por detrás, se deslizan las sombras de Domingo Sarmiento, de Lucio Mansilla y de una "cautiva" voluntaria que abre la puerta hacia lo diferente. Pero además, está presente Panghitruz Gner ("zorro cazador de pumas"), secuestrado cuando niño y bautizado por J. M. de Rosas como Mariano Rosas. Escapó de su cautiverio, y murió siendo cacique ranquel; luego, su tumba fue profanada por el general Racedo. La calavera se expuso en el Museo de La Plata con el número 292 hasta el año 2001, cuando los restos fueron devueltos a su comunidad.
Tierra adentro habla sobre la identidad, los orígenes, la aceptación del otro y la necesidad de los rituales frente a la muerte. Tierra adentro es una invitación a cambiar de ojos. +
Ella, Mari. Ella, Gala. Un grito que emana de los adoquines. Un recorrido por una historia travesti hermanada. De comprender que ese movimiento que las atraviesa, las desorienta, las obliga actuar aunque la brújula no sea clara. ¿Alguien más escucha el suelo? ¿Quién las escucha a ellas? +
Big Mama Laboratorio es un proyecto anfibio donde aflora tanto la danza como la música, se mixturan tanto géneros musicales como técnicas de danza. Creemos en la diversidad y en la unión que hacen a la belleza para construir positivamente este ritual que invita al espectador a ser parte. +
''Toma 3'' propone un juego entre lo proyectado y lo que sucede en escena, mezcla imágenes y las organiza de forma tal que contemplen un todo, compuesto por fragmentos. Tres bailarinas, una videasta y un músico, interactúan entre sí junto a los elementos que recortan el espacio, entrelazan sus miradas, y crean nuevas formas, multiplicándose hasta encontrar algo nuevo.
''Toma 3'' es un proyecto multimedial en el que se investiga de modo teórico y escénico en torno a la combinación de diferentes lenguajes, soportes y dispositivos estéticos y a sus posibilidades de multiplicación, transformación, yuxtaposición y reunión, conjugándose la danza y la música en vivo, la proyección de video, el procesamiento sonoro, la captura y proyección de imágenes en tiempo real, y la transformación de todos estos elementos a través de diferentes dispositivos. Asimismo, propone una investigación de forma integrada desde las diferentes disciplinas que construyen la obra y nuestro modo de trabajo en torno a la mirada, sus posibilidades, otencialidades, y multiplicidades, como así también su metaforización, distorsión y transformación.
Se desarrolla de esta manera una forma alternativa de construcción de proyecto escénico que contempla la investigación y creación simultánea de movimiento, video y sonido, posibilitando su interacción en tiempo real y multiplicando de este modo las variables que determinarán la producción en cada presentación.
''Toma 3'' propone una circulación que incluya, además de salas teatrales, espacios físicos no habituales tales como museos, centros culturales, escuelas, espacios públicos, etc., como así también la circulación digital vía web y la circulación de material escrito resultado de la investigación. +
[[Archivo:Tomate Humor y Globoflexia.png|thumb]]
Se trata de un espectáculo que muta con el tiempo, con las experiencias que el payaso va atravesando en su vida, con sus viajes. Los/as espectadores, también son parte de la escena, asisten a la creación de situaciones artísticas en las que un globo puede cobrar formas impensadas. Tomate, es un payaso de inocencia cruel.
El desparpajo de un cuerpo que dice a través de globos como si fueran proyecciones de un lenguaje propio, pero de singularidad universal. +
Biodrama sobre identidades trans. Construcciones identitarias donde las transgresiones rompen tabúes y exploran la condición humana.
Una obra teatral a partir de historias de vida, necesidades, problemáticas y experiencias de personas con identidades trans, representada por ellas mismas (actorxs sociales).
A través de situaciones performaticas se indaga en los distintos devenires identitarios, las auto percepciones, el derecho al propio cuerpo, el corrimiento del binomio hombre-no hombre, mujer-no mujer, la transfobia como enfermedad social, la lucha por la despatologización en el listado de patologías de la Organización Mundial de la Salud, la militancia por la igualdad de derechos, los procesos de transformación, anécdotas, recuerdos, la vida y la muerte.
La acción transformada en performance se desarrolla en un espacio no convencional, sin sillas, con escenografía y objetos pero sin delimitación del espacio escénico y el espacio del especto-actor, donde todxs: performers, realiza-especto-actores (equipo creativo) y especto-actores, componen el espacio a partir de las situaciones performáticas creadas y su disposición espacial. +
“Utterson (amigo personal de Jekyll), Poole (mayordomo) y la sirvienta de la casa del Doctor descubren en el laboratorio el cuerpo de… ¿Henry Jekyll?
Una especie de bestia deforme agoniza y es el puntapié inicial para contar la historia del Doctor que, atravesado por la ambición y los fuertes deseos de vivir su vida “sin ataduras”, realiza un terrible experimento.
Los hechos principales de la historia contada por los protagonistas, recreando los demás personajes.
El clima de la obra va desde la tragedia, a la parodia. Desde el suspenso, al humor desprejuiciado. Para culminar en el “RELATO DEL DOCTOR JEKYLL”, donde desde el drama se cuentan los sucesos haciendo un anclaje en la idea de que “todos somos Henry Jekyll, todos somos Edward Hyde”
En cada persona viven, conviven, el bien y el mal. Lo moral y lo inmoral, el ser “adiestrado” y lo “animal”. Y esa lucha que hace que los impulsos hablen del deseo y de la razón. +
Es una obra en 3 actos (dura 90 minutos) de Scott Joplin. Una opera que mezcla diversos estilos de jazz (ragtime, gospel, drag) y la comedia musical, desarrollando de forma divertida y alegre el tema de las costumbres y el trabajo esclavo en el S.XIX al sur de los Estados Unidos. Esta obra se hizo muy pocas veces en el mundo y es estreno en la Argentina, ya que no se hizo nunca en nuestro país. Está cantada en inglés (con algunas excepciones provenientes del dialecto afroamericano de la época) y se presenta con subtítulos proyectados con la respectiva traducción al español. La puesta en escena recrea las plantaciones estadounidenses por lo cual tiene además de lo musical, un valor de rigor histórico desde lo visual. Todos los personajes de la obra son afroamericanos, algo poco común en lo que a opera respecta, y en teatro también, por lo que hace pensar es una obra muy particular debido a los temas que toca: la paz, la hermandad, la superstición, la importancia de la palabra, la escritura, el pensamiento, el liderazgo y la libertad. +
La Orquesta Atípica de los Nuevos Aires presenta “Tres leyendas argentinas” una obra de Mailen Ubiedo Myskow para ballet folkcontemporáneo, soprano y orquesta.En ella confluyen historias y creencias tan lejanas y diversas como la del Reforó de los mapuches, la flor del Ceibo de los guaraníes y La dama de Blanco de la zona urbana de Bs As. Todas ellas unidas por una presencia común: la muerte. +
En 1892, en La Plata, el inmigrante croata Iván Vučetić, nacionalizado argentino con el nombre de Juan Vucetich, implementó por primera vez el sistema dactiloscópico para resolver el asesinato de dos niños de 4 y 6 años, ocurrido en el rancherío de Necochea. Aquella vez, a instancias del nuevo recurso de prueba, se determinó que la culpable había sido Francisca Rojas, su madre. El que tomó las huellas en la Oficina de Antropometría fue nada menos que Florencio Sánchez a sus dieciocho años, recién llegado del Uruguay. Triste Campero vuelve a un crimen de resonancia internacional para poner en duda su resolución judicial. +
“Las Troyanas” es la tragedia de la mujer. La puesta en escena de esta obra está animada por el deseo de revivir esta historia recuperando la memoria de estas mujeres, sustrayéndolas de la invisibilidad y del silencio. Es una obra que pretende acercarse al pasado con preguntas del presente, para volver hacia el presente enriquecido con lo que se ha comprendido del pasado +
“TRÍPTICO, O LA DESOLACIÓN DE RAFAEL”
una obra de Joaquín Gómez
LA HISTORIA
Rafael se prepara a ensayar una obra. Sentado en el medio de un escenario desolado, entabla un desafío ficcional en donde sus propias facetas se multiplican en un juego de espejos en el que se ve reflejado confrontándose a sí mismo. Tres Rafaeles o uno solo, visto desde distinto ángulo. ¿Cuál es el más fuerte? ¿El actor que da paso al escritor, o el director que sucede a ambos? Sobre ellos, la conciencia que -como un divino Godot- condiciona sus reacciones. Tres personalidades. Tres vocaciones que luchan por imponerse la una a la otra y en el medio el eterno conflicto del artista: ¿ser o no ser?
Elenco:
Fernando Roca
Joaquín Gómez
Arístides Naranjo
Dramaturgia, Dirección y puesta en escena:
Joaquín Gómez
Prensa y producción general:
Miguel A. Borrás
Fotografía:
Alberto Ruíz Pérez
Diseño gráfico:
Eduardo Grilli +
La obra gira alrededor de la idea de poder, entendido desde su “inabarcabilidad”. Inicia con una imagen de hojas de hiedra sobre el suelo y un canto cuya fuente no es explícita ¿Quién canta? Los personajes se suceden en una serie de solos que establecen un poder subjetivo. Cuando estos personajes interactúan hay una larga pausa ¿Quién toma el poder? ¿Cómo se hace visible ese poder? ¿Cómo se transfiere el poder desde el movimiento? La transferencia termina en concentración. El poder individual es neutralizado por el grupo. Sobre la escena vacía se proyectan imágenes que remiten a distintos tipos de poder, social, cultural, religioso,físico, económico, político, de estereotipos, etc. Mientras, los intérpretes vuelven a escena. Al finalizar la proyección se desarrollan un dúo (tanza), un trío (estructura de caños) y un dúo (elásticos). En esta secuencia la relación inicial de poder está predeterminada pero no su desarrollo y final. Por último, se explora una situación grupal donde claramente existe una representación simbólica del poder, que se va delegando entre los integrantes del grupo para terminar en el público ¿Quién quiere el poder?
A lo largo de la obra, se encuentra el poder que se codicia y que se resigna, que se construye y que se desintegra. El poder oculto, subliminal, el poder explícito, el poder de la violencia y de la alegría. El poder individual y el poder de todos. +
Improvisación mutante. Como parte del paisaje la Turba se desplaza desordenada y confusa. El instinto los mueve en un rumbo incierto. Ven lo mismo que vos pero desde otro lado. +
U
Ubi Sunt ¿Dónde están los que vivieron? Las cosas que tocamos no saben que nos fuimos.La construcción de memoria mediante el poder evocador de espacios, objetos, sonidos, palabras y presencias de los cuerpos en una escena cotidiana y a la vez extrañada. Una intervención artística en los subsuelos del Museo de Ciencias Naturales de La Plata a partir del proceso de investigación sobre los modos en que estudiantes y trabajadores/as de esta facultad habitaron cotidianamente y circularon por este espacio durante los años ‘60 y ‘70. +
Gesto social de carácter espontaneo que denota emoción, aprobación y contagio.
Éste es solo uno para lo que fuimos en un papel, en un juego, en un sonido y lo que ya somos hora todos juntos.
Nene y nena, hombre y mujer… cuatro bailarines, un dibujante y un músico en escena, nos permiten entrar en el universo infantil enmarcado principalmente por una atmosfera lúdica y visualmente plástica.
Los típicos dibujos de familia con sus monigotes, tamaños y trazos dan cuenta de los primeros “generados” del lenguaje estético y la construcción de sentido de la obra, como así también se apela al juego para crear el material de movimiento abordándolo además desde lo simbólico en relación a su función comunicativa creativa. En la que intervienen las emociones y se establecen acuerdos tanto temporales como espaciales propios de ese universo lúdico. Estos son inherentes a los niños pero ¿y a los adultos?
Entre líneas punteadas son, se repiten, se observan, se miden, se dibujan, se sienten y se piensan. Como es pensarse niño, pensarse adulto, pensarse juntos y ser familia. +
Una casa indomable, habitada por el encierro. Llena de piedras que se desmoronan. Afuera, el desierto. ¿Ocultarse o huir? Mientras tanto: hacer, hacer, hacer. Roer huesos. Entre estas paredes las joyas brillan junto a un muerto. El luto invade a personas y objetos. Afuera todo arde. Adentro también. El mundo se ha vuelto un lugar peligroso. ¿Cómo habitar la destrucción? ¿De qué forma decir, accionar, significar? +
Diversos paisajes sonoros y de movimiento conforman las escenas de un relato. Esta propuesta reconoce una poética vinculada al sentido del amor, a su forma, su transformación; a los múltiples sentidos que le pueden dar significancia a la vida de cada ser humano en relación con otros. Entrenamos la fisicalidad con esa esencia poética y narrativa: la fisicalidad del amor.
En los personajes vive la danza, el movimiento imperceptible a los ojos del mundo.
Movimiento cósmico. Dolor y fuego vivo de seres fantásticos. Dispuestos en línea juegan con el peso de su cuerpo y la suspensión.
Abandonamos el ser existente, el original, el dado por la naturaleza de la vida, y
construimos otro más complejo, con el paso del tiempo de nuestra propia historia, de los desvelos, los encuentros, las ausencias. Aparece el grupo, formado de cuerpos que se complementan y forman una estructura de locomoción; un tren; un animal.
Un ser fantástico de carne y hueso conformado por muchos cuerpos. Un centauro, una quimera, un semidiós con manos hechas de pies. Ser inconstante y difuso, inacabado, incompleto, ansioso de completitud desconocida, anárquica y absoluta. Con la fuerza del aire, respira la espera.
¿Cómo se ensamblan estas partes de amor que nos reconstruyen metafóricamente? Cómo cuaja en un cuerpo fantástico de carne y hueso?
Se encastran, encajan, acoplan, copulan.
Huyen…
¿Cuántos siglos de amor guarda en su memoria de agua?
Una sirena solitaria en un remolino en el medio del mar.
Ya no hay espera, porque no hay tiempo. No hay tiempo físico, lineal, no hay tiempo real.
Varias manos y varios rostros sumergidos en la marea vertiginosa.
Pies de muchos rostros sostienen el cuerpo fluido y sólido de la manada. +
Tita y Chiqui son dos mujeres de cincuenta y tantos que comparten una casa y un destino que se resquebraja ante las obsesiones y manías de cada una. Chiqui es ingenua y superficial. No le importa demasiado el mundo que la rodea y su atención está puesta sólo en su propio devenir. Tita fue una mujer comprometida que, luego de tanta lucha, de tantas caídas, ahora, sólo quiere pensar un poco en ella misma. Hace tiempo que le ronda la idea del suicidio, pero no encuentra o no quiere encontrar la manera. Ambas se quieren, tal vez se aman, pero no se soportan. +
Sinopsis
Espacios deshabitados, inmóviles y fríos, son de a poco intervenidos con cuerpos en movimiento.
Un segmento de una extremidad corporal aislada de su completitud. No acepta límites espaciales que estructuran su accionar. Lucha pero no logra liberarse.
Más partes.
Alguien acecha de manera real o imaginaria. Seres observados desde un panóptico de ojos absolutos.
Ser animal descubierto en la marea de su propio hedonismo. Acechado. Como una medusa anárquica que no conoce su potencia para ver más allá de los límites de su propia creación y no se permite rebalsarse.
Alguien recorre distintos espacios de la casa que hipnotiza a quienes la habitan y aparece la danza, la curiosidad y la sospecha. El recelo de otros seres que está gozando del mismo espacio no propio. Un no lugar.
Utopos.
Velocidades de otros seres. Cercanía de otros cuerpos que transitan un mundo interno que antaño fuera un refugio.
Segmentos de vida unidos por líneas que los aferran y dan un sentido vacío a su propia existencia.
Una metáfora de la necesidad de sentirse parte algo.
La búsqueda permanente de tales significancias se traduce en los cuerpos en movimiento, y en esa fiscalidad contenida en la locación, atada a los hilos conductores que coartan más que liberan.
Es una parte, de otra parte.
Una parte del poco. +
¿Dónde es aquí?
¿Cuándo es ahora?
Sito allí. Se encuentra, capta, construye, destruye.
Ubicado en un punto determinado en la ciudad, el cuerpo recorre, observa, intenta captar la esencia del lugar, lo que lo hace particular para volverlo movimiento.
La ciudad inmensa, lo pequeño, los tumultos de gente, lo subterráneo, los gestos corrientes. Un lugar contaminado de imágenes que son tomadas para ser decodificadas en danza.
En un lugar común, el hecho artístico es llevado a cabo y la única diferencia entre el espacio cotidiano y el espacio escénico parece ser el límite que proyecta el propio artista.
La danza va al espacio, el espacio se vuelve escénico porque existe la danza. +
V
Espectáculo de circo, teatro y danza con música en vivo dirigida a público adulto pero apta para todo público. +
Un cumpleaños especial y las paredes de un baño antiguo sirven de marco para que tres hermanas seencuentren y discutan con humor y crueldad sobre el futuro de su madre.Dice la autora: “Escribir Verona medio la posibilidad de reflexionar acerca de las relaciones familiares, acerca de los vínculos más entrañables y ala vez más dañinos, esos que se gestan dentro de la casa donde nacemos y crecemos, los vínculos que nospreparan para la vida, para bien o para mal”. +
“¿Cómo crear un territorio en común entre el cuerpo y la máquina?
La intérprete se viste de datos. El vestido transforma su superficie corporal en emisora de información, en un lenguaje que la máquina puede captar. Las señales se compatibilizan. La interfaz opera traduciendo los movimientos espacio-corporales en puntos, coordenadas y ejes que la máquina es capaz de interpretar y transformar en sonidos. Una relación de triangulación entre el cuerpo, la máquina y el efecto sonoro produce un bucle de retroalimentación que condiciona o modifica el movimiento corporal de la intérprete. El cuerpo, sin contacto, se ejecuta a sí mismo como instrumento.
El dispositivo otorga a la intérprete la posibilidad de trabajar el sonido como material, disponiendo parámetros que condicionan el movimiento a los efectos sonoros que produce. El movimiento se alimenta entonces del sonido que genera, de su efecto. La percepción del bailarín, su cuerpo en situación de escucha, constituye el centro de su actividad: la verdadera condición para devenir cuerpo en estado de producción sonora.”
Fragmento de la reseña de Lucía Savloff. +
Residencia de creación y montaje llevado a cabo durante el Festival con intérpretes seleccionadxs mediante una convocatoria abierta y gratuita.
Buscaremos torcer el punto de mira, mirar de otro modo, trastornar lo habitual de la propia práctica. ¿Que es aquello que el paso del tiempo transforma y que sólo la permanencia nos deja ver?mirando revela? ¿Qué construimos al interactuar con otros lenguajes, con otras fisicalidades, con el entorno?
Proponemos trabajar en complicidad y colaboración. Serán 5 horas de trabajo del cuerpo físico + investigación y creación para montaje.
La potencia
La acumulación
La resistencia
La relación e interacción
La posibilidad de trastornar la práctica
La actualización y resignificación
Volver a mirar para ver la impronta del tiempo sobre la imagen-movimiento, la resistencia o el ocasional abatimiento de un cuerpo físico, una acción o una idea.
¿Cuántas capas constituyen la piel de una escena?
Volver a mirar o continuar mirando… parpadear, desenfocar… alterar la manera de ver y de dar lugar al devenir.
¿Cuántas capas constituyen el espesor de una escena, su volumen?
Las imágenes y sus acciones venideras se revelan desocultandose en el tiempo, se transforman, se trastocan, se transpiran, se agitan, se cansan, se gimen, se gritan, se callan, pueden caer o no y siempre se resignifican. Se visten con otras ropas, pero siguen estando ahí, aunque en cada parpeadear sean siempre las mismas y a la vez siempre otras.
¿Qué construimos al interactuar con otros lenguajes, con otras fisicalidades, con el entorno? +
Vértice, el límite de un centro invisible es una creación colectiva donde nos encuentra la danza, la musica, la palabra, el cuerpo..
es un lugar y momento donde probamos nuestros limites y donde elegimos compartirlos.
sinopsis/sinapsis
por un lado tu piropo
por el otro una mujer muere por ser mujer
donde se encuentran esas dos semirrectas?
Buscamos el vértice de nosotros mismos, el comienzo y el fin de esa curva que somos. Una palabra y una acción sin relación aparente podrían compartir un punto que no vemos.
¿que es ese limite? ¿que soy sin la piel que me delimita? busco si mis palabras han provocado acciones en mi y en otros, me pregunto si las palabras de otros me han provocado. Busco ese punto que es el encuentro de mas de una cosa, ese, el punto sobre el que las cosas giran.
El limite entre cosas que aparentan no tener relación es el punto mas cercano entre ellas... +
W
Wanza es una imagen y color con música africana. Wanza es un dolor, el retrato de la mujer trabajadora. Wanza es el campo, la miseria y la injusticia. +
X
Un espacio abierto que deglute cuerpos. Un triángulo en cuyo interior se dibuja un agujero negro. Aparecen y desaparecen como manchas de color en el espacio. Van perdiendo partes, se les desprenden cosas. Por momentos hacen sistema, se injertan, se acoplan. Híbridos, adquieren tamaños descomunales. Y todo frente a nuestros ojos que incrédulos y fascinados, los siguien, desde una inmovilidad que no es quietud. El espacio los deglute y los abraza. Están, se esconden, se pintan del color del barro, se pegan hojas. Corren como perros. Nada los alimenta. Chocan, se agitan, reposan. Los vemos hacerse pequeños, fundirse en la tierra, desaparecer.
X es una marca. Una huella dejada en la tierra. Un punto, trazado a partir de una intersección.
X es un intento, la pregunta por el lugar.
X es el singo de la multiplicación, uno de los cromosomas sexuales, una variable.
En biología indica: híbrido.
Es “ex-stasis”: la salida de sí mismo para unirse a una idea o una tarea común. +
Y
Es un proyecto donde se ejecuta música en vivo, y donde se desarrolla un dúo que ronda en torno al romance, encuentros y desencuentros, dramáticamente y en el lenguaje de movimiento, todo se desarrolla en ese espacio que es como un ruedo, como una plaza, como una burbuja. +
y las palabras, minidrama para cantante, set de cassetteras y violín, está basada en las múltiples lecturas y sonoridades en escena de una selección de poemas de la serie Distancias (1984) de la escritora Susana Thénon. +
Un dibujante, de vida monótona y solitaria, realiza siempre el mismo personaje. Obstinado en poder cumplir la tarea de inventar una nueva historieta trabaja sin descanso. Se le acaban los lápices. Descubre una tinta, el personaje misteriosamente cobra vida. El dibujante y el dibujo intentan comunicarse, entenderse. El personaje añora tener un mundo, el dibujante intentará ayudar a descubrir ese mundo antes que la tinta se termine. +
Z
Exploración a partir del sentido del olfato y de un cuerpo entre cuatro paredes que suena y busca salir un poco de sí mismo. +
Ú
ULTIMAMENTE VENCIDOS
Durante la Campaña del Desierto, familias enteras pertenecientes a distintas etnias fueron extirpadas de su tierra y llevadas a Buenos Aires. Allí los desmembraron, en todos los sentidos posibles. Mujeres y niños, eran administrados por la Sociedad de Beneficencia y ofrecidos a través del diario La Nación como “servicio doméstico”. Los hombres, llevados a picar piedra a la isla Martín García, a trabajar en las plantaciones de caña; o paseados por eventos culturales, exhibidos en zoológicos humanos. Algunos de ellos pasaron sus últimos días en el Museo de La Plata, a donde los llevó Francisco Moreno. Luego de muertos, eran descarnados y sus esqueletos exhibidos al público. En Últimamente vencidos, un guardia de seguridad y una empleada de limpieza trabajan en un sitio que es – posiblemente- un museo. El tiempo, es ayer y es hoy. Un doctor y un fotógrafo, en safari antropológico, quieren aplastar carne y espíritu en papel fotográfico, en piezas de exhibición; transformar el sujeto en objeto. Entre tanta degradación, el hombre, la mujer, se muestran y se esconden, se pierden y se recuperan, luchan y se fatigan, duermen y despiertan, se rebelan y se someten. Sobreviven. +
“
Q, viene de QUEER, un adjetivo que por la variable de significantes "tiene la virtud de ofrecer, una novedad que implica etimológicamente un cruce de los límites sin referirse a nada en particular, lo cual deja la cuestión de sus denotaciones abierta a la controversia y la revisión" (Epistemology of the Closet). “Q” es una letra de rebeldía de no aceptar lo que supuestamente está impuesto, sino atravesar esa cultura deconstruyendo caminos, con dolor, con amor, con humor… son fragmentos de la cultura queer que quedaron flotando en nuestra época, pedazos de un pasado cercano que hay que soltar… salir del closet, el amor no correspondido, el amor eterno, la primera vez, la amistad, el engaño, y la pasión son algunos de los ejes que cruzan “q” en una gran perfomance, que une la danza, el canto y la actuación, el cuerpo y el alma emprenden este viaje¸ fragmentados ellos volverán a unirse con su esencia. +
